Mes: noviembre 2011

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«Lo que realmente importa del discurso artístico y estético es lo que quieres decir, lo que realmente estás diciendo o transmitiendo con tu obra.»  Aurora Suárez

En La Página Escondida sentimos una predilección muy especial por los artistas comprometidos, que arriesgan, experimentan, buscan y descubren nuevas formas de expresión y sobre todo, se reinventan continuamente. Este es el caso de Aurora Suárez, una artista cosmopolita, con una amplia visión del mundo y unos profundos conocimientos de arte y crítica. Su obra es a la vez hermosa, provocadora, misteriosa y sutil. Cambia, se adapta, evoluciona y renace pero sobre todo refleja la personalidad inconformista y  atrevida de la artista que la ha hecho posible.
Retrato personal de la artista por Borja de Diego
Aurora, algo que siempre nos gusta saber en La Página Escondida es cómo descubriste tu pasión por el arte, tu necesidad de  “crear”. ¿Cómo fue en tu caso?
Sueño 
Cuando eres muy joven o apenas un niño sin conocimientos tus observaciones sobre el entorno suelen ser muy radicales, no hay dudas sobre lo que haces y simplemente lo haces…vas tomando conciencia a través de la acción de que en tu entorno hay cosas, actos que te gusta realizar y que te producen un bienestar interno, te incitan a repetir hechos. Descubres el placer que generan y continúas indagando y practicando lo que te gusta porque en el resultado estético o mental algo te interesa, o te atrapa dentro de un enigma  sin resolver y hay  también una gratificación final en el resultado que no puedes obviar porque te agrada. A lo largo de la vida te resistes a dejar de mirar el mundo con inocencia…
Ese principio del placer te lleva a experimentar nuevas situaciones mentales o plásticas que pueden resultar muy sofisticadas y que generan nuevos modos de pensamiento estético. Cuando el resultado se intelectualiza a través de las emociones que descubrimos en ello, aparece el hecho artístico… más allá de la estética y por supuesto más allá de la mera idea expresionista que te ha impulsado a realizar un boceto o una pintura se encuentran una mezcla de razón y de pasión conjuntas, aparentemente contradictorias y sin embargo complementarias , que no puedes disociar y que te impulsan a continuar.
Eres Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y también has realizado estudios de postgrado en Londres y Ámsterdam, ¿en qué manera crees que ha evolucionado tu obra gracias a esta formación internacional?
Astronomía Artificial print. Laboral Centro de Arte

Llegar a la universidad significó un cúmulo de experiencias positivas en los primeros años y la conformación de un sistema de autoexigencia para facilitar la posterior búsqueda e investigación , también, por otro lado supuso  el encontrar un modo de diversión a través de la creación y la experimentación.

Los estudios de postgrado significaron conocer desde la primera linea el escenario artístico internacional convivir junto artistas de todas partes del mundo con diversidad de inquietudes, con los que pude contrastar opiniones  y desarrollar o discutir trabajos.  Se convirtió en una experiencia personal muy interesante y en un modo de transmitir artísticamente esa experiencia global compartida con otros artistas , intensa en muchos aspectos.
Por otro lado la formación académica te ayuda a afrontar con seguridad el cuestionamiento sistemático del entorno y te genera una disciplina en la organización y en la formulación metodológica de plantear interrogantes
Flodded
Como artista  necesitas siempre crear estrategias para ampliar el ámbito meramente académico y promover recursos  de supervivencia ante un entorno  conservador  que se resiste a la novedad y se refugia en la seguridad que proporciona  lo conocido . El artista, soñador e inquieto por naturaleza, necesita superar sus ansias y asumir riesgos esenciales frente a lo ignoto, mientras crea, sin consentir que  esa conciencia crítica y retrógrada en muchos aspectos, del mundo ordinario, le paralice para imponer su racionalidad extrema o para acabar con toda posibilidad de sueño… El viaje y la formación internacional suponen una aventura transformadora, un proyecto vívido, un  cambio  de
miras y  el crecimiento de mi sensibilidad y mis recursos a la vez que me enfrenta a nuevas culturas, retos personales o nuevos modos de entendimiento y comunicación, estimulando la comprensión hacia la diversidad y  la diferencia.
Aunque comenzaste en el mundo del arte con la pintura pronto das un giro y comienzas a experimentar con la escultura. ¿Cómo tiene lugar este cambio? ¿Qué nuevas oportunidades de expresión te ofrece esta forma de arte?

Nunca he abandonado la pintura  ni el dibujo, pero es verdad que en determinado momento mi obra da un giro y se produce una necesidad personal de  concrección a través de un nuevo medio, es decir la materialización de la forma y de la indagación en el espacio real tridimensional, desde el object – trouveé o la comunicación de experiencias y percepciones más complejas.
Sin título
 Necesitaba saber que era capaz de enfrentarme a empresas de otra envergadura,  por su dimensión, volumen,  tamaño, peso, etc que significaban el planteamiento de problemáticas  técnicas o logísticas dentro de mi organigrama de producción artística cotidiana. Estos ejercicios van dirigidos a trascender el plano bidimensional, moverse hacia la tercera dimensión, transformando el modo en que producía mi obra, buscando la espacialidad. 
Todo esto llega a condicionar el modo de crear, haciéndome adecuar constantemente mi interés  a nuevos entornos, nuevas materias etc. Posteriormente se produce una transformación en la que se hace necesario despojarse, en parte, de la materia para deconstruir e introducir elementos más ligeros generando, igualmente, resultados artísticos , estéticos  y radicalmente novedosos en el ámbito de la creación artística contemporánea.  
Experimento, entonces, una fase de traslación de las soluciones escultoricas aplicadas a la pintura, con el resultado de un período en que se establecen mutaciones o  flujos entre las disciplinas, así, la escultura adquiere características pictóricas mientras que la pintura toma características escultóricas. “El Atelier fantástico”, Sala BBK, Bilbao 1991.
He buscado puntos de inflexión, sobre estos aspectos, en diferentes momentos. La Instalación sobre subculturas “Backstage & Images of noise” Pamplona 2003, confrontaba el arte sonoro y visual a la vez que reflexionaba sobre la cultura de la imagen.
En Laboral, “Tsentsaciones”,Gijón 2008 una de las lineas de trabajo se centra en confrontar paradigmas publicitarios con las mitologías del comic y el cine Gore, actualizando la mirada de la historia del arte y explorando la deconstrucción del deseo, o indagando  a modo arqueológico, en la memoria de un pasado industrial…el elemento fotográfico es así utilizado como soporte pictórico pervirtiendo su significado original.
Astronomía Artificial (TV)

La luz, el espacio y las texturas tienen una gran importancia en tu obra. ¿Cómo consigues organizar estos elementos de forma que  el resultado sea una obra de arte?


La luz, el espacio, las texturas; deliberadamente buscadas o seleccionadas pertenecen a la organización “gramática “ del lenguaje visual generando aspectos perceptivos que caracterizan a la obra. Siempre me han interesado. Es por tanto una cuestión sensible, de organización de la apariencia y existe una semiótica respecto a ello que organiza los elementos discursivos de la representación como instrumentos de la idea. Si situamos los aspectos clásicos a un lado y lo más relevante de la producción  de iconos al otro, observamos que van siendo filtrados, a la vez, en función del discurso – de lo que estás queriendo contar – .
Utilizo elementos nuevos que introducen nuevos usos lingüísticos, para mostrar una ficción y buscar entornos coherentes  con ella, o combinar todo tipo de técnicas para encontrar imágenes innovadoras y apropiadas relativas a la presentación.
 La acción consiste en valorar diferentes momentos de tus experiencias estéticas anteriores para condensarlas en nuevos interrogantes y propuestas  que hacemos al arte como creadores a través de los materiales , las imágenes, la memoria, etc. Se trata de seleccionar grandes temas clásicos pero trasladarlos a nuestra experiencia cotidiana, cosas accesibles a nuestra percepción y a veces difíciles de explicar pero siempre capaces de comunicar cierto tipo de belleza, de inquietud aunque el plus artístico reside en la perversión de los signos…en cómo son utilizados.
“En anteriores trabajos se ha seguido un proceso de investigación que reflexionaba sobre la imagen de consumo y su influencia en el lenguaje artístico, y, su repercusión en el ámbito popular que distinguía las categorías de alta y baja cultura. En la actualidad, este ámbito cultural queda igualado y capturo o selecciono imágenes de promociones mercantiles inservibles, generadas con objetivos claramente comerciales, para buscar o descubrir una plusvalía de carácter místico que se esconde en la estrategia de marketing”. (Psicogramas 2006. Bilbao )
El objeto cotidiano y su desmaterialización es un tema que encontramos a menudo en prácticamente todas las formas de tu obra, ¿cómo decidiste dedicarte a su análisis y su plasmación en tu trabajo?

Es de nuevo el efecto de la formación teórica y del método de indagación en que se apoya mi observación, lo que me lleva  a ampliar o expandir el campo de mi experimentación estética, a través del análisis, hasta el cuerpo social del arte. 

Los libros del muerto

Y viniendo de una básica formación europea, duchampiana y anticapitalista, sólo era cuestión de tiempo plantearse nuevas dudas  sobre el valor del arte y el acto y sentido del objeto artístico. No extraña el mostrar un interés crítico por los movimientos de acción política o social dentro del arte y su objetualidad, así como buscar el modo de separarse de la asimilación generada por el sistema. El miedo a recrearme en el estilo y a estancarme en lo formal introdujo el objeto real en mi obra, como elemento de ruptura a la manera de las primeras y segundas vanguardias del s.XX y con un sentido transgresor.

Hablando desde dentro del  marco de referencia de una sociedad ávida de nuevas ideas y a la vez con capacidad para absorber y desvalorizar el sentido alternativo o inmaterial de toda creación estética, a veces mediante un proceso de banalización, de fagocitación de la obra de arte y su valor intrínseco, bien convirtiéndola en mero objeto estético o bien en objeto de lujo, de consumo …
Pintura, escultura, fotografía, arte con las nuevas tecnologías…dominas varias técnicas a la perfección pero ¿con cuál de ellas te sientes más cómoda?

Para mí, tras mi experiencia en el extranjero, la frontera entre las disciplinas se diluye en modos y vias de expresión que se convierten en herramientas comunicativas, de tal manera que lo que realmente importa del discurso artístico y estético es lo que quieres decir, lo que realmente estás diciendo o transmitiendo con tu obra; por lo tanto perfeccionar disciplinas en uno mismo, significa comunicarse mejor a  través del arte , mostrando  habilidades , con el  pensamiento, sentimiento, sensibilidad y utilizando los  instrumentos más adecuados y en sintonía con el momento que vives o a la idea que expresas , con la experiencia…, en definitiva, transmitir  “el aquí y ahora”.
El tiempo constituye otro elemento transformador de la experiencia estética y es un regulador de la vigencia de la obra de arte como tal . Eso significa que hay obras “intemporales” o “transtemporales”, “efímeras” ,“eternas” …, que sobreviven a toda lectura a toda época porque su contenido está abierto a significaciones nuevas y es tan enigmático o ambiguo que se adapta a elllas y acaba sentando las bases de la “cultura vigente” o de la llamada “tendencia”.
A menudo colaboras con artículos para prensa especializada en fanzines como Sispi la Copa y  en revistas de arte como Artyco, Sublime, La Ruta del Sentido, Microfisuras…¿es fácil escribir crítica de arte cuando se es al mismo tiempo artista?
Inventario

En mi caso  han crecido a la par el desarrollo experimental de mi obra y la formación  postconceptual, que ha teñido de temas teóricos la investigación personal sobre temas artísticos . La problemática o drama de muchos artistas actuales que hacen un trabajo de interés y tienen una producción estimable, reside en no encontrar interlocutores válidos entre los críticos e historiadores del arte por lo cual su expresión no llega a ser valorada por el gran público, se queda sin presentar, sin llegar a su sentido final en el proceso de comunicación con el espectador, inexperto e interesado en el arte.

La prensa independiente es un medio que demuestra interés por artistas que están en el límite del sistema ,- aún no reconocidos completamente o no oficializados-. Estas revistas, fanzines, no suelen ser comerciales y me encanta trabajar con ellas cuando tengo ocasión porque me dan licencia para “pensar en otro idioma”, con otros parámetros. Es decir puedes expresar conceptualmente o coloquialmente aspectos estéticos de tu obra o la de otros,  mediante palabras  y no mediante imágenes como estamos acostumbrados y sin sufrir el temor a la “traducción” que  produce, en algunos casos, algunos  críticos embebidos en el formalismo histórico o filosófico que tratan de relacionarte con movimientos o teorías que quizá no tienen nada que ver en el desarrollo de tu obra y que en ocasiones sólo hacen despliegue de su erudición, a través de un texto construído para ti, mero pretexto de exhibición de conocimiento, que olvida el motivo central, presentar y transmitir la creación del artista.
Crystal Dark Portrait 2 (serie de 8 retratos)
La necesidad de explicarme en el mundo y de ser dialogante con el entorno me empujó a implicarme personalmente en todo lo que significan aspectos procesuales de la implementación teorica y práctica de mi creación… y  verdaderamente se ha revelado como un ejercicio de distanciamiento y de reubicación al mismo tiempo.
Además de tu labor de crítica y de tu trabajo como artista te dedicas a la docencia tanto en enseñanzas medias como en la Universidad, ¿te ha ayudado esta faceta a llevar tu obra a otros niveles?

La docencia ha significado en mi  proceso evolutivo personal, un compromiso con el aprendizaje y con la claridad personal , me ha ayudado por un lado a focalizar aspectos relevantes , dignos de ser transmitidos  y a huir de dogmatismos efímeros  que sólo son hijos de su tiempo y no sirven como concepto transtemporal.
La labor crítica es una práctica conceptual que te ayuda a distanciarte del acto de la creación y a reparar en aspectos sensibles e intelectuales desde una mirada “ajena”a la obra, y que t
e obliga a ponerte en el lugar del espectador. Sencillamente intento aportar a mi obra aspectos de los conocimientos adquiridos  durante los períodos de formación e investigación personal y detectar posibles vías estéticas para el desarrollo y expansión de las ideas que me han interesado o con las que he sido especialmente sensible.
Y por último, cuéntanos ¿en qué proyectos estás trabajando actualmente? ¿Cuándo estarán listos?

Corazón salvaje
Tras  un tiempo de realizar instalaciones fotográficas , pictóricas o sonoras he vuelto a pintar, en este caso retratos. Mi interés actual está basado en retratos femeninos pintados al óleo sobre papel, son retratos misteriosos, enigmáticos que evocan a Goya, al comic futurista, etc. Rebuscan en la imagen y experimentan nuevas aportaciones sensoriales con cierto contenido psicológico y espiritual, no están completamente definidas y ofrecen una sugerencia a gusto del espectador en un viaje por los conocimientos de la historia del arte  …….»Crystal Dark  Portraits», Krisis Factory, Bilbao (2011) -son retratos que sugieren imágenes recogidas en espejos negros y que funcionan como un foco o un ojo de buey donde el espectador y el retratado se observan mutuamente dentro de un círculo, una ficción. El reflejo no ofrece la totalidad de la imagen que acostumbramos a ver en un espejo sino una información fragmentada, como el recuerdo de un sueño, una secuencia apenas en el espacio- tiempo. El rostro aparece borroso o fragmentado, no es un retrato al uso y resulta misterioso.
En un futuro me gustaría combinar y explorar la obra actual, con nuevos medios tecnológicos , algo en lo que he hecho incursiones con  anterioridad  pero sin tener la suficiente base técnica para desarrollar una creación plena,  me gusta probar opciones con los materiales expresivos de la tecnología en desarrollo y mi intención es llevar al arte una especie de domesticidad cotidiana de lo tecnológico aplicándolo como concepto a las artes visuales,  pero sin olvidar los aspectos plásticos  de las disciplinas tradicionales pintura, escultura, instalación,fotografía…tengo la intención de usar las nuevas tecnologías con un sentido doméstico , poniéndolas a nuestro servicio mediante acciones cotidianas o pensamientos simplificados.
***
Tras conocer a Aurora nos quedamos con un mensaje muy alentador: en el mundo del arte no está todo dicho, no mientras artistas como ella continúen con su labor de llegar más allá, de adentrarse en nuevos caminos y seguir investigando y abriendo puertas a la creación artística, redescubriendo nuevas formas de expresión y de llegar a nosotros. Mientras existan artistas como Aurora el Arte seguirá vivo.
Para conocer un poco más del trabajo de Aurora Suárez podéis visitar su sala en Virtual Gallery o acceder a su página del centro de arte La Laboral.
Muchas gracias, Aurora, por haber compartido con nosotros tu tiempo y habernos explicado un poco de tu amplio trabajo. ¡Mucha suerte con todos tus nuevos proyectos!
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

El Caballero, la Dama y la Muerte

28 noviembre, 2011 | Autores, Pinturas | 6 comentarios

Hans Baldung Grien
El Caballero, la Dama y La Muerte. Antes de 1503.
Óleo sobre tabla de tilo. 35 x 30 cm.
Musée du Louvre. París.
En algún momento anterior a 1503, cuando contaba unos 17 ó 18 años, Hans Baldung (más adelante añadiría el apelativo de «Grien» a su nombre) realizó esta inquietante pintura que hoy conocemos como «El caballero, la dama y la muerte»
Todo en ella es inquietante empezando por la elección de los colores que se han utilizado y que han sido seleccionados  muy concienzudamente. Si nos ceñimos al uso del color podemos ver claramente que el cuadro se divide en dos mitades. Por una parte, la mitad superior donde predominan el azul, el rojo y el blanco, una combinación que transmite positivismo y optimismo pero también alerta (colores que por cierto nos recuerdan a cierta red social ¿casualidad?).  Por otro lado en la mitad inferior del cuadro los colores son completamente opuestos, predominan el marrón y el verde en sus tonalidades más oscuras y apagadas. Y no sólo eso. También la línea de dibujo está mucho más marcada en la parte superior que en la inferior donde las pinceladas del joven artista se difuminan y se funden. También es en la mitad inferior donde se encuentra el esqueleto que representa a la Muerte. 
Hans Baldung Grien, por lo tanto, busca representar en esta obra dos mundos opuestos aunque complementarios. Por un lado, la Vida y el Amor representados en su máximo esplendor (luz, color, imágenes nítidas…) y por otro, el reino de la Muerte y de la tierra que espera para acoger los restos mortales de los amantes. 
Los tres personajes que aparecen en la tabla son igualmente inquietantes. ¿Quiénes son, qué sabemos de ellos? El caballero viste de color rojo, lo que nos dice que se trata de una persona acaudalada, quizás con un puesto relevante en la corte, aunque no es noble; si lo fuera llevaría las mangas de la chaqueta abierta a la altura de los codos mostrando una camisa de seda. La dama lleva una cofia blanca como tocado lo que, en la Alemania del siglo XV quiere decir que estaba casada…¿con el caballero? ¿o bien se trata de una relación de adulterio? No lo sabemos aunque teniendo en cuenta el lugar en que se desarrolla la escena (un bosque cuando lo habitual era representar al ama de casa en un interior doméstico) y el color elegido para su vestido (en tonos rojos, símbolo de la pasión, el deseo, el sexo…) personalmente me inclino por lo segundo. La Muerte, el esqueleto, es muy peculiar. Sus huesos no son blancos y lustrosos sino que quedan restos de pelo en el cráneo y en el resto del cuerpo se aprecian signos visibles de una descomposición que aún no se ha completado. Muerde el vestido de la dama y la mira fijamente desde unos ojos vacíos y espeluznantes. Sólo tiene una pierna y un lienzo blanco, suponemos que el paño utilizado como mortaja, cubre oportunamente sus partes nobles evitándonos ver una zona especialmente delicada en estado de putrefacción, lo que,  francamente, desde aquí agradecemos al pintor 🙂
El caballo, por otra parte, no está muy bien conseguido. Probablemente la intención del artista era plasmarlo en un movimiento de galope corto aunque frenado por La Muerte. No lo ha logrado ni tampoco conseguir una fiel anatomía del animal. De hecho este es el motivo por el que algunos expertos afirman que no se trata de una obra de Baldung ya que éste llegaría a especializarse en el dibujo de caballos que aparecerán con gran frecuencia en su obra, especialmente en sus dibujos y grabados. Claro que eso sería años después y el joven artista pudo tener tiempo de superarse a sí mismo y aprender. 
Otro aspecto muy interesante de esta obra es la perspectiva, un gran avance técnico para los artistas germanos de principios del siglo XVI. Baldung la consigue construyendo un primer plano cercano al espectador, el suelo, con un gran detallismo, de forma que podemos apreciar perfectamente cada hoja, cada piedra y cada flor. A continuación tenemos un segundo plano a la izquierda con unos árboles que nos muestran otro nivel y por último, a la izquierda, el paisaje se expande hacia el horizonte aumentando la sensación de profundidad con un paisaje montañoso, que tiende a difuminarse en tonos azules (son los primeros pasos de la perspectiva aérea de la que Leonardo sería el gran maestro renacentista). 
El tema de la muerte que llega asolando todo a su paso, independientemente de la juventud de sus víctimas es muy frecuente en la obra de Hans Baldung Grien, especialmente en sus grabados. En ellos un esqueleto se aproxima, toca o incluso besa a un personaje, casi siempre una mujer desnuda,  joven y hermosa. No es que el artista fuera especialmente morboso (suponemos) sino que debemos tener en cuenta que pintaba para una sociedad que aún tenía muy reciente el horror de la epidemia de peste que se desarrolló entre 1347 y 1352 y que diezmó a un cuarto de la población europea. Una sociedad para la que el hecho de que la muerte afectara por igual a ricos y pobres,  nobles y plebeyos suponía un cierto alivio y una cierta prueba de la Justicia Divina. Por eso las obras con el «memento mori» (recuerdas que vas a morir) como tema, eran muy bien aceptadas y tenían gran demanda tanto entre los miembros de la iglesia como entre la floreciente burguesía. 
Todo esto, sin embargo, no quita que el resultado final de «El caballero, la dama y la muerte» no deje de ser terriblemente siniestro. El horrible esqueleto que agarra a la mujer, cómo ella se aferra al caballero que intenta sujetarla desesperadamente, el caballo que huye despavorido, el paisaje solitario y todo ello plasmado en ese preciso instante, justo un segundo antes de que se decida el desenlace. Porque realmente no sabemos qué va a ocurrir…¿logran escapar los amantes o La Muerte logra atrapar a la dama entre sus garras para siempre?
Hans Baldung Grien era poco más que un aprendiz cuando realizó esta obra, sin embargo, todos sus elementos anticipan el genial artista en que llegaría a convertirse.
Que paséis un feliz (y no demasiado inquietante) lunes 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Tolerancia 0

25 noviembre, 2011 | Autores, Pinturas | 13 comentarios

José Jiménez Aranda
La esclava en venta. Después de 1892
Óleo sobre lienzo. 100 x 82 cm
Museo Nacional del Prado
Hoy mi pensamiento y mis palabras están con las mujeres que cada día al llegar a casa no son recibidas con un beso sino con un insulto, que no son animadas con palabras de aliento sino que son machacadas por la frustración de un mediocre, que no disfrutan de caricias sino que son el blanco de los golpes de algún cobarde, que creen que el sexo es doloroso y vergonzoso porque son violadas cada noche. 

Si estás en esta situación no te conformes, no aguantes, no toleres. Siempre hay una salida.
Si conoces a alguien que crees que pueda estar sufriendo algún tipo de maltrato, ofrécele tu apoyo. No mires a otro lado.
Hoy, 25 de noviembre, se celebra el Día Internacional contra la Violencia de Género. 
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«Me gusta que se vean bien las pinceladas en los cuadros, los realismos fotográficos no me interesan.  La manera en que aplica las pinceladas dice mucho del carácter de un pintor» Paco Navarro.
Autorretrato de Paco Navarro

Fuerza, intensidad y reflexión definen la obra de Paco Navarro. Una pincelada rápida, casi salvaje pero al mismo tiempo perfectamente controlada para definir el contorno de sus figuras y la textura de sus fondos. Y sobre todo, la luz, una luz radiante que inunda los rostros, los movimientos y el mar. Así es la obra de un artista que un día descubrió que no vivía la vida que realmente deseaba y tuvo el valor de cambiarlo todo. El resultado es sencillamente espectacular.

    Paco, en La Página Escondida  siempre nos gusta saber cómo fue ese momento en que te das cuenta que necesitas pintar para expresarte, que el Arte va a formar parte de tu vida. ¿Cómo fue en tu caso?
Mi interés por expresarme sin contar con las palabras llegó pronto, en el colegio, pero no fue la pintura, sino la música. Aprendí a tocar canciones folk y pop con la guitarra, y en COU empecé a escribirlas. Estudiando Derecho descubrí que la música me arrastraba sin remedio. Compaginé los estudios poniendo mi voz, cantando, en anuncios para radio y televisión. Al terminar la carrera me ofrecieron grabar un disco con nueve canciones mías.  
Representantes

El disco se grabó en Madrid, aunque por razones que no vienen al caso no llegó a comercializarse. Dejé la música, quiero decir, renuncié a dedicarme profesionalmente a ella, y la vida se me hizo muy cuesta arriba. Me colegié y ejercí la abogacía durante unos años que felizmente tengo olvidados. Escribí algunos cuentos, inventé unos juegos de cartas, y pinté los primeros acrílicos. Fueron esos primeros cuadros los que vinieron a salvarme. Como en los acordes de la guitarra, hay música en los tonos de los colores. Vendí algunas obras y cerré el despacho para volcarme de lleno en la pintura. Desde entonces no hago otra cosa que manchar lienzos y  tableros, y escribir música de vez en cuando para mi solaz.


         Tienes un estilo propio muy particular donde predominan los colores fríos y las líneas rectas que se cortan unas a otras con las que, sin embargo, eres perfectamente capaz de crear sensación de volúmenes, texturas  y profundidad. ¿Siempre ha sido así o has llegado a este estilo a través del tiempo? ¿Cómo era tu obra anterior?
No pasarán

Estos últimos cuatro años estoy pintando con plena dedicación, años en los que persigo sin descanso mi expresión personal.  Mucho antes, de forma esporádica pintaba óleos impresionistas, demasiado coloristas, y retratos a lápiz.  Estudiando la carrera en Madrid visitaba los museos. Aprendí mucho en el Museo Sorolla, en la calle Martínez Campos. Más que el color y la luz, me hipnotizaban aquéllas pinceladas limpias, decididas, constructoras.  

Me gusta que se vean bien las pinceladas en los cuadros, los realismos fotográficos no me interesan.  La manera en que aplica las pinceladas dice mucho del carácter de un pintor. Los azules, grisáceos, verdes y lilas predominan en mi paleta porque me reconfortan y me invitan a la reflexión. Además, el acrílico es de por sí un medio brillante que se acomoda bastante bien a mi gusto estético. Intento pintar con tonos cálidos, apagados, y la temperatura va bajando sin quererlo. Si intentara copiar la realidad sería más disciplinado con el color, pero me importa más la realidad que se crea en el cuadro,  y esa realidad, hoy por hoy, es fría.
Empopada
Con pinceladas rectas y veladuras con mucha agua compongo mosaicos geométricos, irregulares, imágenes un tanto desfiguradas que imagino reflejadas en espejos. A veces aprovecho retazos de colores y formas de un cuadro malogrado para utilizarlos en otro que pinto encima, y me dejo sorprender. Me fascinan la luz y la geometría de los vitrales policromados de las viejas catedrales.  
 Muchos artistas me dicen que aprendieron a pintar copiando a sus pintores favoritos, ¿cuáles son los tuyos?  ¿Han influido en tu trabajo?
Hay muchos pintores que me gustan
, pero mis favoritos, y los que sin duda me influyen, son: El Greco, Sorolla, Cezanne, Matisse, Franz Marc, Lucien Freud. Son pintores verdaderos que me abren muchas ventanas.
       Lo que más me ha llamado la atención de tu obra es la profundidad psicológica que consigues en tus retratos. Tu autorretrato  por ejemplo, contemplándolo casi podemos intuir tu personalidad. ¿Es importante conocer al modelo previamente o consigues sacar toda esa información que nos transmites sólo plasmando sus rasgos en el lienzo?
Retrato de Celia

Para mí es forzoso el diálogo con la persona retratada, no necesariamente durante la ejecución de la obra. Me gusta pintar a solas. Conocer a una persona, conocer su voz, sus gestos, el movimiento de su cuerpo, algo de su historia, es importante para elegir luego los colores, las líneas y las formas que me van a permitir identificarla en el lienzo. El parecido cabal, fotográfico, no es un factor decisivo para un buen retrato. Algunos autorretratos de Francis Bacon, por ejemplo, van mucho más lejos que las fotografías de Francis Bacon. Uno de los caminos que me tientan, de los infinitos que tiene la pintura, es el de retratista.

Retrato de Francisco

        A menudo tus personajes aparecen en movimiento pero reflexivos, como tus obras sobre tauromaquia  o tus golfistas. ¿No supone un reto extra el lograr esta combinación?

El movimiento es vida. Todo se mueve, y lo que no, lo mueve la Tierra en su trepidante viaje alrededor del sol. Hay otro movimiento, el de los seres vivos, un movimiento que es interior. El coro de sirenas de esta civilización tecnificada me seduce a quedarme quieto, porque el estado del bienestar aspira a dármelo todo hecho. Pero el estado del bienestar tiene que ser un punto de partida, un medio para hacer cosas, para moverse, no el paraíso adormecedor que intenta inmovilizarme por dentro. El movimiento que intento reflejar en mi pintura es el interior, y no me entorpece la reflexión porque sé por dónde me muevo. Voy por el camino de la pintura, y pinto rápido, me equivoco mucho, pero no me doy tregua. Algún día quizá sea capaz de pintar cuadros con un movimiento equilibrado. El movimiento y los colores fríos me mantienen despierto y alerta.
        El mar aparece a menudo en tus obras, ¿qué supone el mar como tema en tu trayectoria?
Dársena

Casi todo. El mar sustenta mi pintura de aprendiz incluso cuando no lo pinto. El mar hace mis cuadros fríos y azules. La Tierra no tiene color tierra, es azul ultramar. El viento se desplaza por la superficie del mar con total libertad, sin obstáculos. Cuando en alta mar no hay viento y las olas desaparecen es como si el mundo se acabara. (Me vienen a la mente dos imágenes terribles de la civilización tecnificada y del bienestar: el final de la película “El Show de Truman”, cuando el bauprés del pequeño balandro en el que el protagonista huye choca contra un cielo vertical, de mentira, pintado con nubes, y los experimentos con bombas en los archipiélagos de coral).  Pero la fría luz del cielo real sigue llegando a la superficie del mar, generando miríadas de reflejos vivos, mosaicos de cristales en continuo movimiento. No soy pintor de marinas convencionales. Mi pintura es marina. La tentación de la pintura abstracta me viene del mar.

Resistente

Otro gran tema que encontramos  es el mundo animal. La belleza salvaje de los lobos,  el movimiento sinuoso del delfín,  la fuerza del caballo….¿por qué forman parte de tu obra, qué te  atrae de ellos?
Los animales no son inocentes ni malvados. Se conducen por un crudo instinto. Pero los animales, sin saberlo, son maestros de la naturaleza. Me gustan porque son lo que son, no tienen dobleces ni conciencia del tiempo. Su existencia me confirma mi idea del paraíso. Sucede que la sociedad tecnificada se obstina en la creación de un mundo artificial para todos, acotando la naturaleza en parques protegidos y condenando a muchos animales a la esclavitud de vivir sin espacios. Tengo un par de retratos de mi gato. No lo traje yo a casa, fue mi hija. Me resulta difícil pintar a los animales, no me es posible dialogar con ellos, pero pintándolos me siento más próximo a la naturaleza.  Si Francisco de Asís hubiera sido pintor, hubiera hecho unos retratos fantásticos
de animales.
       Y por último Paco, ¿en qué proyecto estás trabajando actualmente? ¿Dónde podremos verlo?
Salto

El único proyecto en el que estoy inmerso desde que tomé la decisión de ser pintor es lograr una obra personal y honesta. Respecto a los otros proyectos, a los afanes en los que estoy metido para sacar rendimiento a mi pintura, te diré que me acaban de ofrecer  un contrato para colaborar con una cadena de hoteles en los que se vende arte. 

También parece que se está gestando una exposición individual para la próxima primavera aquí, en Murcia. Pero mis afanes son a corto plazo, ventas puntuales a clientes ocasionales, cuadros por encargo, y unos pocos que expongo en tiendas de decoración (que con la maldita crisis van cerrando).

De vez en cuando algunos se van a
 extranjero con una galería de Madrid. Si hay alguien interesado en ver lo que hago tiene que acudir a mi blog. Ahí lo subo todo, incluso obras que ya no se pueden ver, al haber pintado encima de ellas una, dos y hasta tres más. Las dejo para recordar cómo no debo pintar, para aprender de mis errores (en mi blog no hago política: no oculto nada). Lo cierto es que ignoro en qué cuadros se encuentran otros que ya sólo pueden verse en el blog. Algunos desconozco si los vendí o quedaron errados y ocultos debajo de otros, porque no los encuentro. Lo digo ahora: de cada tres cuadros que pinto salvo uno. Me queda mucho por pintar, es verdad.

Retrato de mi gato

****
Cuando Paco me comentó que sólo llevaba cuatro años pintando casi no me lo pude creer. Mi trabajo me ha permitido conocer a muchos artistas y estudiar su evolución pero nunca había visto algo así porque Paco, sobra decirlo, tiene un dominio excelente de la técnica pero sobre todo posee un estilo tan personal y tan definido que lo normal es que le hubiera llevado muchos más años llegar a él. Pero cuando charlando me cuenta su historia todo se ve más claro. Es necesario poseer una gran madurez (y ésta no siempre viene con la edad) y mucho valor para dar un giro radical a nuestras vidas y esto es, claramente, lo que refleja su obra: confianza, coraje, un profundo  autoconocimiento y, sobre todo, el íntimo deseo de ser digno y honesto con el mundo que le rodea pero también, y muy especialmente, consigo mismo. Y esto, sin duda, lo ha logrado.
Para conocer a fondo la obra de Paco Navarro y ver todas sus nuevas obras podéís visitar su blog.

Paco, mucha suerte con tu trabajo y con tus nuevos proyectos, muchísimas gracias por haber compartido con nosotros un poco de tu trabajo y de tu historia.

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

John White Alexander

21 noviembre, 2011 | Autores, Pinturas | 1 comentario


John White Alexander (1856-1915) quedó huérfano siendo niño y creció con sus abuelos. A los 12 años comenzó a trabajar como telegrafista en Pittsburgh. Sin embargo su talento para el dibujo no pasó desapercibido para uno de sus jefes que le facilitó el acceso a clases de dibujo y pintura. A los 18 se mudó a Nueva York donde pronto consiguió trabajo como ilustrador para una pequeña revista por entonces bastante modesta, Harper´s Weekly. 

Tras ahorrar lo suficiente se marchó a Europa para continuar estudiando y visitar los grandes museos del viejo continente. Conoció  Venecia, Florencia, París,Londres y Amsterdam. A su regreso a Nueva York, en 1881, comenzó a realizar retratos a importantes personajes de la alta sociedad. Su éxito fue inmediato. 

Expuso en el Paris Salon en 1893 obteniendo una gran aclamación y poco después entró a formar parte de Société Nationale des Beaux Arts. En 1901 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. En 1902, se convirtió en miembro de la National Academy of Design y también fue miembro de la American Academy of Arts and Letters. Entre las medallas recibidas están la Paris Exposition (1900) y las World’s Fair y Saint Louis (1904).

Hoy, sin embargo, es bastante desconocido porque la Historia del Arte es, a veces, injusta. Pero aún así muchas de sus obras cuelgan de los mejores museos de Estados Unidos o presiden el gran salón de alguna gran mansión. Y eso no está nada, pero que nada mal para el pequeño telegrafista que soñaba con ser pintor. 


Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)