Mes: noviembre 2011

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Lewis Chessmen
Maestros desconocidos. Probablemente Escandinavia, aproximadamente siglo XII
Colmillo de morsa y diente de ballena.
British Museum y Nationa Museum of Scotland.

The Lewis Chessmen es uno de los juegos de ajedrez más antiguos que se conocen y uno de los escasos ejemplares medievales que han llegado hasta nuestros días. Se piensa que fue realizado en Noruega aproximadamente hacia el siglo XII por maestros artesanos de la ciudad de Trondheim. El cómo llegó a la isla de Lewis, en Escocia, donde fue descubierto en un banco de arena en 1831, es todo un misterio aunque la hipótesis más plausible indica que pudo ser enterrado allí por supervivientes del naufragio del barco que transportaba las piezas desde Noruega hasta las prósperas comunidades nórdicas de Irlanda occidental.

El Ajedrez de la Isla de Lewis está realizado casi en su totalidad en marfil procedente del colmillo de morsa aunque algunas pocas piezas están hechas de dientes de ballena. Algunas de las figuras muestran restos de pigmentación en tonos rojizos lo que indica que en este período los colores habituales tanto de piezas como probablemente también de tableros eran blanco y rojo en lugar de los actuales blanco y negro. Aunque  no lo sabemos con certeza se piensa que las 93 piezas aparecidas hasta hoy conforman 4 ó 5 juegos. En total hay 8 reyes, 8 damas, 16 alfiles, 15 caballos, 12 torres y 19 peones. Actualmente 11 de las piezas se encuentran en el National Museum of Scotland, en Edimburgo y las 82 restantes en el British Museum, en Londres. 

Casi todas las figuras tienen forma humana y aparecen con expresión consternada a excepción de los bersekers (guerreros vikingos famosos por su fiereza en el combate y temidos incluso por sus propios compañeros de armas) que aparecen con grandes ojos desorbitados mordiendo sus escudos. Los bersekers y los guerreros con espada parecen ser el antecedente de nuestras torres actuales. Por otra parte, es la primera vez que aparecen obispos como piezas de un juego de ajedrez, sustituyendo a los elefantes originales de los juegos indios. Los peones tienen forma de pequeñas estelas o lápidas con extrañas inscripciones cuyo significado, si alguna vez lo han tenido, hoy en día se nos escapa. 

¿A quién perteneció realmente el Ajedrez Lewis? ¿Por qué fue cuidadosamente enterrado en un banco de arena de la costa escocesa? Bien protegidos en sus urnas del British Museum, donde son una de las piezas estrella de la colección, las pequeñas figuras nos contemplan. Sólo ellas conocen su historia. 

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La semana pasada estuve unos días en Londres y en mi tiempo libre visité mis museos y galerías favoritos, entre ellos el British Museum. Allí, en una  de las salas del ala sur,  me reencontré con esta maravillosa obra del arte medieval. Recuerdo que cuando la vi por primera vez hace años no me impresionó demasiado, esta vez sin embargo me dejé llevar por la extraña belleza de los rostros compungidos y por el misticismo que desprenden todas las figuras. Y no pude dejar de ponerme en el lugar del  ávido comerciante que lo hizo suyo pensando en venderlo a buen precio en Irlanda o en el del rico viajante que lo adquirió como regalo para sus hijos. 

Nunca llegó a su destino.

¡Feliz lunes!
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

El artista Juan José Sebastían Hernanz en su estudio


Septiembre y oro III. 2011

Septiembre y oro IV. 2011
Tormenta de plata II. 2011
Plata y azul III. 2011

Niebla y planta. 2011

Niebla y plata II. 2011

Plata y azul I. 2011
Plata y azul II. 2011
Cuando me llegó la obra de Juan José Sebastián Hernanz me quedé varios minutos absorta contemplando la pantalla de mi ordenador. Sus imágenes tenían un color tan intenso, unas formas tan sutiles y una textura tan marcada que el resultado me pareció de una belleza exquisita y etérea. Me encantan los tonos dorados que casi evocan las atmósferas de los lienzos de Rembrant y el resultado romántico de las mezclas de azules, grises y plateados. ¿Quieres conocer cómo Juan José da vida a su espectacular obra? No te pierdas la entrevista que ha tenido la amabilidad de concedernos a la Página Escondida. 
Juan José, cuéntanos en primer lugar ¿cómo empezó todo, cuándo te diste cuenta de que el arte formaba parte de tu forma de ver el mundo? 

Todo empezó a los dieciséis años en la Escuela de Artes y Oficios de Segovia, entre 1981 y 1982. El segundo año comenzamos abandonando la figuración y trabajando a partir del color y la abstracción. También visitamos varias exposiciones (Arco 82, Piet Mondrian y Joan Miró). Justo ahí, empecé a tener la necesidad de expresarme; preparando, pintando mis propios cuadros, disfrutando del color y aprendiendo varias técnicas. Aunque desde muy pequeño siempre me gustó mucho dibujar y siempre tuve facilidad para el dibujo y la pintura. 
  Eres licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de grabado, ¿qué influencia tiene el grabado en tu obra pictórica? 
 El grabado me ha aportado gran cantidad de ideas, que luego he pasado a la pintura, y viceversa. Cuando en un primer momento intentas llevar una idea pictórica a un grabado, en muchas ocasiones el resultado aporta aún más ideas de las esperadas. Actualmente trabajo con plateados y dorados mezclados con el color y la fotografía es incapaz de apreciar esos matices. 
 Juan José, de tu obra me ha impresionado mucho los colores luminosos y soberbios de tu paleta, cómo los combinas entre ellos y la textura que consigues. El resultado es estéticamente muy hermoso, ¿es la belleza una de las finalidades de tu obra o es simplemente una consecuencia de tu técnica? 
Están íntimamente ligadas: por un lado el manejo de la técnica te ayuda y te aporta ideas nuevas, que a su vez hacen que la obra sea más verdad, más bella. Aunque en un primer momento parto de un caos, poco a poco se van ordenando y construyendo. En muchas ocasiones el riesgo es tal, que la obra casi está perdida, hasta que ves como solucionarlo y el resultado, en la mayoría de los casos, es aún mejor que el esperado. Siempre procuro crear imágenes desconocidas y visualmente atrayentes.
La abstracción y las formas rotundas son muy importantes en tu obra. ¿En qué te inspiras para crearlas?
En este momento tomo las ideas de las imágenes sobre la naturaleza que me sugiere la obra. Me interesan mucho todas las formas, texturas y colores que se crean y transforman constantemente en el cielo que nos rodea y que habitualmente no prestamos demasiada atención. También me interesan las imágenes aéreas, como por ejemplo la fotografía de Yann Arthus Bertrand, las imágenes de la atmósfera tomadas desde la estación espacial, las imágenes de Marte o las nebulosas. Si bien antes me interesaba la textura de la tierra, la madera, etc, ahora me encanta la textura de diferentes cielos, el agua, la niebla ó las tormentas . Cuando la naturaleza se desata y se muestra en estado puro; Ahí el hombre es como una mota de polvo en la inmensidad. Planteando la idea de admiración y respeto a todo lo natural. 
 A lo largo de tu dilatada carrera has sido seleccionado en distintos premios; entre ellos el prestigioso Premio Nacional de Grabado en 2005 y en pintura el Premio Villa de Madrid en 2001. Además del reconocimiento a tu trabajo, ¿qué han supuesto para tu carrera el haber sido seleccionado para esas exposiciones”? 
Siempre que es una gran satisfacción que tu trabajo sea reconocido. Estas selecciones te ayudan y hacen más fácil el camino. 
 Analizando tu obra he visto una gran evolución sobre todo en los últimos años. Tu paleta se aclara, se hace más luminosa y potente y se llena de color. ¿Cuáles creen que pueden ser las causas de esos cambios?
El hecho de ser padre y el mundo de la infancia, creo que me ha cambiado en gran medida; si bien antes trabajaba el mundo y la memoria de mi infancia (en pasado), ahora la visión del paisaje me hace mirar al futuro. 
Dime tres artistas que de alguna forma hayan influido en tu obra. ¿Podemos intuir su “mano” en tus obras?
Lo cierto es, que he ido pasando por diferentes estilos hasta llegar a la obra de los noventa, donde me interesaba mucho lo obra de Tapies, Chillida o los expresionistas americanos. Ahora continúo partiendo de una abstracción automática hasta llegar a los actuales resultados. El paisaje siempre me interesó; la pintura holandesa del XVII, la realista francesa, la impresionista y postimpresionista, pero realmente mi modo de trabajo parte del expresionismo abstracto aunque mis últimos resultados tienden a la figuración. Actualmente no sé si puedo decir solo tres nombres; sí puedo decir que en mi estudio solo tengo colgados carteles de tres pintores; Rembrandt, Goya y Picasso. 
En 2004 participaste en una exposición muy especial: “El temblor en la mirada” una muestra benéfica destinada a recaudar fondos para la lucha contra una terrible enfermedad, el Parkinson. ¿Supuso esta experiencia algún cambio en tu carrera o en tu vida personal? 
Fue una exposición con obras donadas por los artistas y por mi parte solo tengo palabras de agradecimiento y admiración a Jesús Mazariegos. 
 Has realizado exposiciones en lugares tan lejanos como Corea y Japón. ¿Cómo ha sido aceptada tu obra por culturas tan diferentes?
Bastante bien, son culturas muy diferentes a la nuestra pero les interesa nuestro arte, al igual que a nosotros el suyo.&nbsp
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 Y por último cuéntanos en qué proyecto estás trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutar de él. 
 Actualmente no dispongo de todo el tiempo que desearía para trabajar en mi estudio, pero mi obra es más pausada y meditada que antes; los últimos trabajos son de pequeño formato y quiero trabajar ahora obra de gran formato. También he de pasar estas ideas al grabado y a la tercera dimensión; bien en forma de relieve, escultura ó instalación, esperemos que haya buenos resultados. Estoy buscando nuevas galerías y espero plantear pronto nuevas exposiciones y proyectos.
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Juan José no sólo posee una técnica concisa y depurada sino también, y sobre todo, una mirada paciente y observadora que le permite mirar al cielo, al mundo de la infancia y a nuestro alrededor más inmediato y transformar lo que ve en una obra única, especial, inesperada y bella.
Para contactar con Juan José Sebastián Hernanz podéis hacerlo a través de su perfil en Linkedin o bien visitando su página web: www.sebastianhernanz.com donde podréis acceder a una amplia retrospectiva de su trabajo y su larga trayectoria como artista.  
Desde aquí, Juan José, te deseamos muchísima suerte y éxito en  tu trabajo. Muchas gracias por habernos mostrado y explicado un poco de tu amplio trabajo.
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Fedra

7 noviembre, 2011 | Autores, Mitología, Pinturas | 1 comentario

Alexandre Cabanel
Fedra. 1880
Óleo sobre lienzo.

Hacia 1880 Alexandre Cabanel, pintor de corte historicista francés, finaliza este soberbio lienzo que se convertirá en una de sus obras más conocidas y admiradas.

Según la mitología griega Fedra fue una princesa cretense, hija de Minos y Pasífae y por lo tanto hermana de Ariadne. Fue raptada por Teseo después de que éste abandonara a su hermana en Naxos y tuvo con él dos hijos: Acamante y Demofonte. Fedra se enamoró de su hijastro Hipólito, quien la rechazó. Despechada lo acusó de haber intentado violarla y se suicidó. Entonces Teseo, llevado por la ira, provoca la muerte de su hijo aunque poco antes de que ésta se produzca padre e hijo se reconcilian.

Cabanel ha convertido a Fedra en el foco de atención de la escena. Su piel blanca refleja toda la luz de la estancia focalizando en la belleza de su sensualidad. Sin embargo, su rostro, envuelto en sombras, nos habla de su desdicha y de su obsesión enfermiza que terminaría desencadenando la terrible tragedia.

¡Feliz lunes!

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Día de lluvia en París

4 noviembre, 2011 | Autores, Moda, Pinturas | 10 comentarios

Pierre Auguste Renoir
Umbrellas. 1881
Óleo sobre lienzo
National Gallery. Londres

Este bello lienzo de Renoir, uno de los más conocidos del artista, resulta especialmente interesante porque delimita claramente dos etapas en su carrera. Cuando Renoir comienza el cuadro, en  1881, es aún completamente leal al movimiento impresionista del que era uno de sus más importantes representantes. El hecho de colocar el foco de atención del lienzo (la joven con la cesta que aparece en primer plano) en un lateral en vez de en el centro es, por  ejemplo, un recurso ampliamente preferido por  Renoir y sus compañeros.

 Sin embargo es a partir de este año cuando Renoir comienza a  alejarse de este estilo. Su paleta se oscurece y comienza a fijarse en el trabajo de artistas anteriores como Ingres o Delacroix. De ahí los colores oscuros que predominan en toda la obra. De hecho hacia 1885-86, Renoir volvió a retomar el lienzo cambiando, entre otras cosas, el vestido de la joven. ¿Qué como lo sabemos? Porque la moda femenina  en el siglo XIX evolucionaba tan rápidamente que es muy fácil identificar la época simplemente analizando los detalles de los vestidos.

Y luego dicen que la Historia de la Moda no vale para nada…. 😉

¡Feliz y lluvioso fin de semana!

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Torno
Carnavalesco

Centerland
Exhuberancia-Pasión 2
Girasol
Guata

Hamman 2

Reflejos 5

Shiva-bis
Exposición
Siento un enorme respeto por los artistas  que se atreven a innovar utilizando técnicas poco convencionales o al menos un tanto diferentes de las que estamos acostumbrados porque su obra está más expuesta a la crítica y a los prejuicios que la de aquellos que no «arriesgan» tanto. Por eso me ha encantado conocer a Joan García Merino, cuya obra resulta llamativamente hermosa, sólida, consistente e hipnótica y ni sus materiales ni sus técnicas son los tradicionales. ¿Quieres averiguar como crea Joan su obra? No te pierdas la entrevista que ha tenido la amabilidad de conceder a La Página Escondida. 
Joan ¿Cuándo descubriste que tenías un talento especial para la pintura?

La verdad es que desde que  recuerdo siempre me ha gustado el dibujo: de pequeñito me encantaba dibujar, pintar, colorear… Con los años fui descubriendo la fuerza que pueden tener los colores y la intensidad de las formas.
          ¿Cómo te preparaste para dedicarte profesionalmente a tu vocación? ¿Dónde estudiaste?

Soy autodidacta y trabajo por intuición ya que descubrí  que igualmente que dibujaba con lápiz, también podía “pintar” con el mouse de un ordenador y utilizar la pantalla en blanco del tratamiento de textos como mi lienzo particular. Como todo proceso de aprendizaje,  con el tiempo y la experiencia ha habido  una evolución en la técnica y también en las herramientas  a aplicar a dicho trabajo hasta llegar al momento actual.
Tu trabajo destaca por la gran fuerza que transmiten tus imágenes, es difícil apartar la vista de ellas. Está claro que no dejas impasible al espectador sino que le provocas, ¿es esa tu intención o es una consecuencia inesperada de tu obra?

Sinceramente no ha sido nunca mi intención, es más, creo que si buscara esa provocación  posiblemente no surgiría o no al menos como yo la concibo:  mi motivación básica es que la obra me provoque, me encandile, me diga algo a mi también como espectador ajeno a su proceso de creación. A partir de aquí, cada persona que mire la obra seguramente percibirá o sentirá cosas muy diferentes, y precisamente, esa es la cuestión…


Me encanta el uso que haces de los colores fuertes y de las formas vibrantes, casi hipnóticas. Además de estos elementos, ¿qué características crees que definen mejor tu trabajo?

Gracias, creo que esa definición podría ser muy cercana a la idea que tengo de mi obra ya que la siento con una gran intensidad aunque a la  misma vez con cierta serenidad.

¿Cuando creas una obra, ¿la has planificado previamente? ¿O surge por sí misma, según vas trabajando en ella?

La verdad es que no la planifico nunca de antemano, no sé exactamente qué forma va a tener, qué colores va a necesitar, qué textura va a ser la correcta, eso lo va marcando la misma obra en cada uno de sus procesos de creación.


¿Cómo te enfrentas a un lienzo en blanco? ¿Es fácil que llegue la inspiración?

No necesariamente parto de un lienzo en blanco, a veces parto de un dibujo anteriormente iniciado (aunque sean unas rayas), una obra inacabada, una foto cualquiera, un punto focal que me motive el buscar, el encontrar y finalmente mostrar la imagen final. Este proceso de creación en mi  caso casi siempre es largo (pese que a la pintura digital se le podría atribuir una rapidez de concepción) e incluso lento ya  que en ese camino de búsqueda  tienes paradas para dejar descansar la obra y volver a retomarla en el momento que de alguna manera te lo pide. Supongo que también tiene mucho de mi estado de ánimo, que de alguna manera está reflejado en el período de creación de la obra.


Con los años, ¿cómo ha ido evolucionando tu estilo? ¿El color atrevido y el dinamismo siempre han marcado tu trabajo o han llegado con el tiempo?

Creo que es casi como la vida misma, en mi etapa inicial se pueden ver formas sencillas y colores intensos, muy vivos. Conforme van pasando las colecciones, los colores comienzan a encontrar sus sombras, sus partes oscuras, las imágenes son más elaboradas, podríamos decir que más complicadas, como la vida misma…


 Siempre que conozco a un artista me gusta preguntarle quiénes son sus artistas favoritos y si hay algo de ellos en su obra. ¿cuáles son los tuyos, es fácil encontrarlos si miramos con detenimiento en tus pinceladas?

No sabría decir si mi obra ha sido influenciada directamente por algunos artistas concretos aunque sí  hay algunos que me gustan y han llamado mi  atención: a veces por la fuerza expresiva de sus imágenes, de las formas orgánicas surgidas de la misma naturaleza, como es el caso de César Manrique. En otras ocasiones por la aparente sencillez estética de los bodegones de Morandi y otras sin duda, por la rotundidad básica de colores de Mark Rothko.


¿Cuáles son las exposiciones en que has participado de las que más orgulloso te sientes?

Sinceramente he participado en pocas exposiciones por lo que todas y cada una de ellas han sido muy interesantes y valiosas para mi crecimiento personal y artístico ya que en el proceso de preparación y presentación tienes la oportunidad de conocer a gente muy interesante tanto de las galerías como del público asistente, que sin duda te aportan cosas para incorporar a tu obra de una manera u otra.


Y por último, ¿en qué proyecto estás participando actualmente?

Estoy trabajando en la definición de la nueva colección que presentaré próximamente en mi web.
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Cuando descubrí la obra de Joan, a través de la pantalla de mi ordenador, no pude deducir que su forma de creación era tan diferente a la de la mayoría de los artistas con los que suelo trabajar. Lo que más me atrajo fue su belleza visual, las combinaciones de colores, las formas que se superponían, las extrañas texturas que se adivinaban…cuando  investigué un poco más y conocí su  técnica me quedé muy sorprendida. Con él he aprendido que las nuevas tecnologías, tan utilizadas en el mundo del Arte para otras funciones, constituyen una herramienta excelente para la creación artística siempre y cuando el artista posea el talento y la firmeza necesarios para utilizarlas. También Leonardo, Miguel Ángel y Van Eyck fueron grandes innovadores en la introducción de nuevos materiales y técnicas. Quizás es que las cosas no cambian tanto como parecen al fin y al cabo…
Para disfrutar de las obras de Joan podéis visitar su web www.vanitira.com donde además podréis acceder a sus últimas novedades y leer sobre su trayectoria. Especialmente interesante me parece este vídeo de TV3  (en catalán)  sobre su forma de trabajar. 
Para contactar con Joan podéis hacerlo, además de a través de su web, en su perfil de Linkedin y en  el correo contacto@vanitira.com

Desde aquí, Joan, te damos las gracias por habernos mostrado un poco de tu obra y forma de trabajar. ¡¡¡Mucha suerte con tus próximos proyectos!!! Seguiremos atentos a tus novedades 🙂
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)