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Imagen de la pasada edición de ARCO

Hoy ha arrancado una nueva edición de la feria internacional de Arte Contemporáneo más famosa del país. Personalmente, no es una de mis ferias preferidas y no suelo recomendarla para coleccionistas que están dando sus primeros pasos o que no se desenvuelven con soltura en el mundo de la compra venta de Arte. ¿Por qué?

En primer lugar, participar en ARCO es muy caro. Eso hace que sólo vayan las galerías que pueden permitírselo, y que, para amortizar su presencia, lleven piezas muy comerciales o muy llamativas para que los medios se fijen en ellas. Se quedan fuera galerías con opciones más frescas y modernas, con artistas menos conocidos pero que, a medio/largo plazo pueden ser una excelente inversión.

En segundo lugar, como profesional, no me gusta la política de ARCO. No son claros con las cifras que se barajan, lo que hace que no podamos hacernos una idea exacta del volumen de negocio y, por lo tanto, tengamos que movernos en el terreno de la simple especulación. Tampoco es nada fácil acceder a la organización para conseguir entrevistas, contrastar datos, conseguir información de participantes, etc.

Y, para concluir, siempre van las mismas galerías y se ven las mismas caras, independientemente del trabajo que haga cada año el comité seleccionador. Hecho en falta una apuesta menos comercial, más comprometida con el Arte, más abierta al público en general y menos elitista. Eso no quiere decir que no obtengan beneficios, más bien, todo lo contrario. Si la política actual no funciona, quizás una buena estrategia sería cambiarla y ver si también lo hacen los números. Yo me inclino a pensar que sí.

De todas formas, si estás interesado en comprar en ARCO, aquí van unas cuantas recomendaciones para evitar males mayores.

1. Nunca compres en la primera visita.  Si has visto una pieza que te haya gustado no compres sobre la marcha. Espera a una segunda visita o solicita los datos de contacto para comprar fuera de la feria. Ten en cuenta que la segunda vez que veas la obra ésta puede haber perdido parte del encanto que le atribuiste la primera vez. Créeme, pasa muy a menudo.

2. Compara. Mira diferentes galerías, compara precios, investiga la trayectoria de los artistas y los precios. Hacer los deberes te librará de una mala decisión.

3. Confía en tu instinto. Compra siempre obras que te gusten especialmente, que te «hablen», que te transmitan emociones. No importa lo que te diga el galerista o su asistente, tu criterio debe ser el único que cuente ya que sólo tú pagarás la factura.

4. Exige la documentación de la obra. En principio, en una feria del nivel de ARCO, esta recomendación debería ser innecesaria pero, por si acaso, recuerda que tienes derecho a una factura detallada y al DOCUMENTO DE AUTENTICIDAD de la obra. Ambos documentos serán imprescindibles más adelante.

 Algunos profesionales del mercado del arte ofrecemos entre nuestros servicios un acompañamiento guiado a las ferias de arte a nuestros clientes habituales. Los precios no son demasiado altos y te ahorrarán el dinero tirado en una mala inversión. Asegúrate de que se trate de un profesional independiente que verdaderamente se preocupe de tu cartera, por lo que es interesante que previamente se haya establecido una relación de confianza entre ambos. En Tasartia ofrecemos este servicio, entre otros.

Y, por último, estos días en Madrid se celebran otras muchas ferias de arte con propuestas muy diferentes y precios muy variados. Desde aquí, te animo a darles también una oportunidad. Al final, tu opinión como cliente, es la única que cuenta.

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Los Tres estudios de Lucian Freud de Francis Bacon fue subastado por más de 100 millones de euros en noviembre.

El tríptico de Francis Bacon en honor a Lucian Freud (1969), que batió todos los récords de subasta cuando fue adquirido por 142, 4 millones de dólares (unos 106 millones de euros) en noviembre, será expuesto al público este sábado 21 de diciembre en el Museo de Arte de Portland (Oregón), según anunció la pinacoteca en un comunicado. La muestra durará hasta el 30 de marzo de 2014. Todavía se desconoce la identidad del comprador, que sigue siendo un misterio, aunque si se saben nuevos datos: es un hombre que vive en la costa Oeste de Estados Unidos y que no es, como se rumoreaba, el cofundador de Microsoft, Paul Allen.

Los tres estudios de Lucian Freud, obra que nunca antes se había sido subastado de forma conjunta, se vendió durante un evento organizado por la casa de subastas Christie en Nueva York; acto en el que se llegaron a alcanzar los 700 millones de dólares en ventas de obras de arte. Para sorpresa de los expertos, el tríptico de Bacon superó sin problemas a la hasta entonces obra más cara de la historia: El Grito de Edvard Munch (adquirido por 119, 9 millones de dólares). En ese momento, se supo que la Galería Acquavella lo había adquirido, pero no si lo hizo en nombre de un cliente privado.

«Cuando el coleccionista accedió a exponer la obra, entendimos que era una oportunidad única para que nuestros visitantes disfrutaran de Bacon», explicó Brian Ferriso, director del museo en Oregón, en un comunicado. El tríptico de Bacon, pintor de origen irlandés, retrata a su amigo y rival, Lucian Freud -nieto del psicólogo Sigmund Freud- encaramado en una silla de madera en un marco de cristal sobre un fondo amarillo.

El conjunto de cuadros muestra tres distintas posiciones: desde el frente, desde la izquierda y desde la derecha. Ambos artistas se retrataron en muchas ocasiones durante los 50 años que se conocieron. «Bacon llegó a pintar 12 retratos de Freud. Pero este está considerado como el más emocional y mayor representación en pintura de su amistad», continúa el texto del museo.

Durante el anuncio, las autoridades del museo añadieron que «la exhibición es posible gracias al apoyo de la Fundación de la Familia Paul Allen -cofundador de Microsoft e importante coleccionista de arte-«. Un portavoz de la fundación negó que Allen fuera el comprador del tríptico, explica The New York Times. «Hemos donado 180.000 dólares al museo para apoyar las exposiciones de arte contemporáneo que organicen», añadieron las mismas fuentes. Según el mismo diario, el conservador del museo, Bruce Guenther, dijo que éste era de la costa Oeste de EE UU.

Los tres estudios de Lucian Freud fue mostrada por primera vez en Italia y después viajó al Grand Palais de Paris en los años 1971 y 1972, tras lo cual el cuadro fue dividido en tres piezas y vendido a tres colecciones privadas. «El tríptico desapareció durante 15 años antes de que un coleccionista italiano decidiera reunirlo en la década de los noventa. Ahora, nuestros visitantes tendrán el honor de disfrutarlo, antes de que vuelva de nuevo a manos privadas», concluye el comunicado del museo.

Algunos medios estadounidenses critican que el museo de Portland se está aprovechando «de que este conjunto de cuadros sea la obra más cara de la historia y no organice la exhibición por razones artísticas». El museo se defiende diciendo: «Estas acusaciones son falsas, sabemos perfectamente las razones que nos han llevado a exponer el tríptico. Este mensaje es muy negativo para todos aquellos que se preocupan profundamente por el arte», informa Los Angeles Times.
Doble click sobre cualquier palabra para ver significado.

 Fuente: El País (CAROLINA GARCÍA | Washington) | Fecha: 19/12/2013 |

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

“Hace falta que todo el mundo se entere, que todo el mundo participe, que se convierta en un solo lamento. El arte tiene que expresar el desconsuelo generalizado, tenemos que manifestarnos.”
San Martín de Badía
 ¿Es posible crear Arte interactuando con la Naturaleza? ¿Es posible comunicar sensaciones, belleza, expresividad a través de la acción humana sobre el entorno? Y sobre todo, ¿es posible hacerlo sin dañar el ecosistema natural y sin que éste sufra por nuestra intervención? 
Indagando en estas cuestiones surge el concurso internacional SMACH, en el que la artista Olga Schäfer (ADAdripping) ha sido seleccionada para participar con su propuesta “Renacer de las cenizas”. Junto a otros 11 participantes, durante los días del 1 al 8 junio, Olga participará en un retiro muy especial en un lugar absolutamente privilegiado, San Martín de Badía, al norte de Italia, en la parte sur del Tirol. Una semana durante la cual los artistas desarrollarán su obra, en uno de los lugares más especiales del planeta, rodeados de montañas milenarias, en constante contacto con la Naturaleza, fundiéndose y “trabajando” con ella pero siempre desde el imprescindible enfoque del respeto hacia ésta. 
La artista
El respeto a la Naturaleza no es un concepto nuevo para ADAdripping, el pseudónimo tras el que encontramos a Olga Schäfer, una artista con una clara y marcada conciencia social. La obra de esta joven creadora es tan variada como sorprendente por su calidad y su belleza estética. Pintura, performance, action painting e instalación forman parte del amplio portfolio de esta gran artista inquieta e inconformista que también desarrolla su trabajo en la labor de investigación de la reutilización de la Arquitectura y que tiene un fuerte compromiso social con el mundo que la rodea.
 “Renacer de las cenizas”
 Su trabajo nunca deja indiferente al espectador, más bien al contrario, el espectador forma parte de él, interactuando, tomando partido de forma activa, siendo conmovido en lo más profundo de su espiritualidad. Una característica básica pues entendemos que el Arte no debe basarse sólo en la formación académica recibida sino que debe ir más allá, y lograr “remover” el alma del espectador quien, en ese mismo deja de serlo para transformarse en parte de la obra en sí.
“Il Corno”. Lugar donde se alzará “Renacer de las cenizas”
Olga, que se define a sí misma como una estudiante incansable, posee una formación académica tan sólida y amplia que es por sí misma un aval de su excelente técnica. Licenciada en Arquitectura por la Universidad Nacional de Colombia y en Artes Plásticas por la Universidad de Antioquía, ha expuesto en Estados Unidos, Italia, Colombia y España y ha trabajado con diversas galerías. 
Tras esta artista multidisciplinar y polifacética se encuentra una mujer, trabajadora infatigable que, sin embargo, tiene muy claras sus prioridades vitales: “Parece demasiado, para una persona, pero lo hago poco a poco, a lo mejor dejo de pintar durante meses, porque me ha surgido un proyecto de investigación en arquitectura y cuando lo culmine o entremedio, haré una instalación o seguiré pintando. La vida es corta y son demasiadas ilusiones e ideas. Lo más importante es que mi obra o trabajo, me guste, me satisfaga, me transmita, todo lo demás llega.”
 El Proyecto
“Renacer de las cenizas,” la obra con la que Olga participa en el proyecto y que ha sido seleccionada de entre cientos de candidatas, surge como una reacción a la crisis global en la que estamos inmersos y que no sólo abarca tantos aspectos como el económico, energético, de valores…De esta forma el arte se convierte en canal de expresión y denuncia, reivindicando el papel social que siempre le ha correspondido. 
Como dice Olga Schäfer “Hace falta que nos pronunciemos ante la desazón vivida, ante la incertidumbre del futuro, hace falta imaginación…no importan las consecuencias”. El Arte debe actuar como una especie de canal que ayude a transmitir el desconsuelo que estamos viviendo en este momento histórico. 
Proyecto «Renacer de las cenizas»
Esta obra, “Renacer de las cenizas”, como otros trabajos de la artista, requiere la participación e intervención del espectador, justo desde su inicio, para poder hacerla realidad. Se requerirá el traslado de la materia prima hasta el lugar donde tendrá lugar su emplazamiento, un lugar llamado “Il Corno” (El Cuerno) de una belleza inigualable. 
Como si se tratara de un ritual milenario. Como explica la artista, metafóricamente se podría relacionar con la acción que realizan los pájaros al hacer su nido. La obra estará in situ, desde junio hasta septiembre de 2013, cuando finalice la exposición, se quemará el gran nido-bide, generando una gran ll
amarada, como referencia al Ave Fénix, que renace de sus cenizas, como símbolo de la esperanza en un futuro sostenible. 
 Quizás el fuego arrase, purificador, trayendo con su fuerza la posibilidad de un mañana en armonía con el planeta y, sobre todo, con nosotros mismos.
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Open Street Art

10 enero, 2013 | Artistas contemporáneos, Entrevistas | No hay comentarios

«El artista debe tener la responsabilidad y la implicación de aportar, denunciar, subrayar … desde y para  la sociedad e involucrarse a sí mismo como sujeto activo.»

En los difíciles tiempos que corren en que el pesimismo y la desgana parecen haber inundado hasta el más recóndito rincón, a veces, sólo a veces, surgen proyectos, iniciativas, movimiento, en definitiva, personas que deciden transmitir un mensaje y hacerse oír. Este es el caso de Open Street Art, un colectivo artístico con las ideas muy claras y muchas propuestas interesantes que aportar. 
Open Street Art no pretende ser grupo reivindicativo, sin embargo, en su búsqueda constante de nuevas formas de expresión artística, logra sacudir la conciencia social y provocar un replanteamiento en el enfoque del observador, quien deja de ser un observador y se convierte así en un sujeto activo. ¿Y cuál si no ésa es la función del Arte?
Alguien sabio dijo una vez que en los momentos duros surge lo mejor y lo peor del ser humano. También junto a la negatividad y el desánimo pueden florecer la creatividad y la llamada a la reflexión y efectivamente, Open Street Art supone un soplo de aire fresco y una llamada a la esperanza. 
1. ¿Cómo surge Open Street Art?
Surge a raíz de una conversación entre Olga Isla, Christo Guelov y Pablo Roig en la que hablamos sobre la idea de hacer arte en la calle como una alternativa más a la proyección que te puede ofrecer una galería, y además como una vía directa al público en un espacio urbano, donde queremos contribuir con nuestras ideas y acciones artísticas, en una época donde precisamente es muy necesario. A los pocos días de aquella conversación se unieron también al colectivo Jasmina Merkus y María Jesús Aragoneses (Arago) , dando por cerrado el grupo, y empezamos a sentar unas bases y unos estatutos sobre los que poder apoyarnos para avanzar juntos.
2. ¿Cuál es vuestro objetivo con la formación de este grupo y qué hacéis exactamente?
Nuestro objetivo es crear una alternativa colectiva paralela a la individual de cada componente del grupo, donde poder crear y realizar “acciones” en el espacio urbano y fuera de él, a partir de un intercambio de ideas y reflexiones.
A veces, tras someter a debate una idea para una intervención artística, las diferentes perspectivas ofrecidas por cada uno, dan como resultado final un enriquecimiento de la idea original, y por lo tanto un enriquecimiento de pensamiento a nivel individual.
Otro de los objetivos es utilizar esta iniciativa como una plataforma de lanzamiento para el colectivo y para cada uno de sus miembros. Actuando conjuntamente nos ayudamos a crecer profesionalmente, optimizando las tareas de realización, producción y divulgación, elevando la calidad del resultado final en los proyecto
s que desarrollamos y en los que participamos.
3. Open Street Art nace con un fuerte compromiso social y muy consciente de la época y la sociedad en la que se desarrolla. ¿Cuál creéis que es la función del Arte en nuestros días? ¿Puede ser el Arte la solución a la crisis?
Nuestro compromiso es con la búsqueda constante de nuevos formas artísticas de estímulo en la conciencia social, con la finalidad de incitar a la reflexión, basándonos en la estructura del sistema socio-político-económico, tratando de hacer partícipe a la sociedad, sin llegar a ser en ningún caso un modo de activismo. 
El Arte tiene capacidad de ser una gran herramienta de estímulo intelectual en la sociedad, y por lo tanto indirectamente podría generar e incitar soluciones y  contribuir para obtener los cambios urgentes y necesarios, en el sistema político actual, dominado cada vez mas por el neoliberalismo. El artista precisamente debe tener la responsabilidad y la implicación de aportar, denunciar, subrayar … desde y para  la sociedad e involucrarse como sujeto activo.
4.¿Por qué es importante para vosotros el uso de espacios públicos para la expresión artística? ¿Qué os aporta esta vía de comunicación?
Nosotros, OSA, estamos en la calle junto con nuestros colegas, los artistas de “street art”, e intentamos enriquecer con nuestra actividad la presencia artística. Nuestras acciones artísticas (site specific) en el espacio urbano son temporales, efímeras y conceptuales, utilizan lenguajes de la comunicación visual, como  instalaciones, performances, “ready-mades” happenings, etc., y pretenden no solo “transgredir” sino también y “humanizar” nuestro entorno para generar nuevas experiencias urbanas.
Adoptamos el espacio urbano como medio de expresión, ampliando los espacios de arte donde hay “visibilidad” para los mensajes que queremos lanzar y ponerlos a debate público, más allá de galerías de arte, instituciones, museos, etc. Implicando al espectador como sujeto que no sólo contempla sino que cierra su propio  discurso.
5. ¿Y cómo reacciona la gente que pasa? ¿Es la interacción con los ciudadanos un elemento de vuestra forma de expresión?
Existen reacciones diversas en la gente, sería interesante y digno de un análisis socio-psicológico  las distintas reacciones ante nuestras acciones. El abanico es amplio, observamos la indiferencia en muchos de los casos, a veces tenemos la sensación de que la gente tiene su vida ya mecanizada. Podría pasearse un extraterrestre por la Gran Vía y para muchos pasaría totalmente desapercibido. Otra reacción habitual es el humor, nosotros no tratamos de hacer humor porque no somos cómicos, y sin embargo mucha gente se ríe esperando reciprocidad en la acción. Quizá exista una dificultad por parte de la mayoría en la manera de entender y asimilar los distintos lenguajes artísticos más allá de los ya establecidos y asimilados socialmente. En general, tenemos como objetivo que el ciudadano interactúe, y en otros como en nuestra última performance “Open Diagnostic,” es el observador el que ha de encontrar sus propias respuestas a lo que está viendo.
6. En la misma línea, en vuestra performance “Open diagnostic” realizáis una crítica al sistema político actual con la que probablemente coincidimos la mayoría de ciudadanos de este país. ¿Cómo surge esta atrevida iniciativa? 
Está basada en la experiencia de los últimos años, en los acontecimientos que se desarrollan y las medidas adoptadas, tomamos como excusa una noticia de prensa publicada después de la última cumbre del G-20, donde a pesar de la redundancia de la crisis y los pronósticos, sólo se habla de flexibilizar pero no de sustituir la política de la austeridad a pesar de que pueda acabar matando al paciente. Por eso, en nuestra performance, cambiamos los sueros habituales por otros distintos e insólitos. Es un guiño a la posibilidad de reemplazar las medidas utilizadas por otras radicalmente diferentes. 
7. Siendo un grupo de artistas con un amplio bagaje y diferentes formas de trabajo, ¿ha supuesto esto una dificultad a la hora de desarrollar vuestros proyectos?
No en absoluto, porque la voluntaria participación de los miembros en esta plataforma es la baza fundamental y el colectivo se rige por valores como solidaridad, pluralismo, sinergia, respeto mutuo y ética profesional. Priman los criterios de no imposición, no exclusión y de no liderazgo por ninguno de sus miembros.
Como grupo tenemos un cierto equilibrio en nuestro mecanismo de trabajo, la aportación de cada uno enriquece al conjunto en su pensamiento, creatividad y resultados, además, esto también enriquece directa o indirectamente a título individual. Obviamente el trabajo en Open Street Art conlleva reuniones donde fluyen los debates internos, desarrollo de ideas, investigación, realización, coordinación y ejecución de las mismas. También supone un trabajo individual que tratamos de repartir de forma equitativa. 
8. ¿Qué os aporta a cada uno de vosotros vuestro trabajo en Open Street Art?
Como ya mencionamos en los objetivos del colectivo, OSA es una plataforma de divulgación y de lanzamiento tanto para el colectivo como para  cada uno de sus integrantes en la escena artística. Queremos aprovechar nuestras fuerzas para ayudarnos a crecer, no solo como colectivo, sino también como artistas individuales, porque esto, a su vez, revierte en beneficio para el grupo.
Cada componente de Open Street Art tiene una trayectoria artística individual en desarrollo, y aunque tenemos puntos en común, las líneas de trabajo difieren bastante en cada uno de nosotros. Como colectivo, siempre es enriquecedor las diferentes perspectivas que muestra  cada uno, y ayuda a pensar desde otros puntos de vista diferentes al propio. Generalmente las ideas de acciones que surgen y propone cada uno acaban teniendo más calidad en su desarrollo y resultado final con la suma de todas las aportaciones. Trabajamos con un “banco de ideas” donde vamos archivando cada una con el objetivo de no perderlas en el olvido y con ello siempre tenemos la posibilidad de retomarlas en el futuro. 
   
9. Y por último, ¿nos contáis en qué proye
ctos estáis trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutar de ellos?
Los días 4 y 5 de enero estuvimos en Madrid en un market en Iam Gallery ubicada en la calle San Blas.
Pasados estos días inmediatamente regresamos con nuevas propuestas. Nuestras acciones tienen cierta periodicidad y en cada una de ellas enviamos con unos días de antelación un aviso previo en nuestros medios sociales: www.facebook.com/OpenStreetArt   
¡Os vemos en la calle!
***
Podéis contactar con Open Street Art a través de su web o de su perfil de Linkedin y podéis estar al día de todas sus novedades y próximos eventos en su página de Facebook.
Desde aquí os damos las gracias a todo el equipo que hacéis posible esta valiosa iniciativa y os mandamos todos nuestros mejores deseos. ¡Ánimo y Adelante! 🙂
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«El Arte ha sido, es y debe ser una herramienta fundamental de estímulo en la conciencia social y cada artista debería tomar parte en ese compromiso.»

Charcos en Marte 
105×122 cm. Técnica mixta sobre tabla. 
Año 2004

Fondo del mar Mediterraneo
65×90 cm.  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2004

Heridas  
70×100 cm. Técnica mixta sobre lienzo. 
Año 2004
Batalla naval 1 
 65×82 cm.  Técnica mixta sobre lienzo. 
Año 2010
Luz de luna nº3  
120×100 cm.  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2011
Tono 1.1  
120×100 cm.  Técnica mixta sobre lienzo. 
Año 2011
Figura bailando
100×100 cm. Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2012

Figura bailando 2
  170×100 cm.  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2012

Díptico-maletín
36x45x4 cm.  Técnica mixta sobre tabla.
Año 2012

Cuadrados, líneas y colores Nº1  
146×114  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2012

Cuadrados, líneas y colores Nº3  
(4 piezas)
160×200  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 20112
Cuando conocí a Pablo Roig hubo dos aspectos en él que me llamaron poderosamente la atención: en primer lugar, su fuerza. Pablo habla con la convicción y el entusiasmo que sólo tienen los que han encontrado su camino en la vida y saben que cada acto, por pequeño que sea, contribuye a realizar sus sueños. Y por otro lado, su obra, fuertemente abalada por sus continuas exposiciones y su trabajo y compromiso en el grupo Open Street Art. Pablo se mueve en dos líneas de trabajo muy diferentes entre sí pero que, sin embargo, se complementan de una forma inusual y sorprendente. Por una parte, la abstracción geométrica, al más puro estilo de Mondrian o de Lissitzky. Destaca por su elegante sobriedad, en la que se alternan líneas puras, limpias, concisas que crean composiciones rotundas y consistentes. Por otra, la abstracción matérica, en la que los colores y las texturas dan origen a formas radiantes, soberbias, siempre impactantes. La obra de Pablo, en definitiva, nos muestra una estética evolucionada y novedosa que hunde sus raíces en Malevich y Motherwell, entre otros, pero que surge como un estilo propio, salvaje y contenido al mismo tiempo y, sobre todo, capaz de sacudirnos y hacernos reflexionar ante su obra. ¿Y cuál si no éste es el propósito final del Arte?

Pablo,  ¿cuándo descubriste que tenías un talento especial para la pintura? ¿Cómo te has formado para adquirir tu técnica?
Nunca he pensado que tenga un talento especial para la pintura o el dibujo, cualquiera puede tener talento pintando, sólo es cuestión de aprendizaje y tiempo. Sin embargo sí pienso que tengo talento como creador, sensibilidad y buena intuición para escoger entre los distintos caminos de dudas que se me presentan antes, durante y después de un proceso artístico. Soy autodidacta, y creo que el hecho de serlo me permite pensar por encima de planteamientos puramente académicos, muchas veces con olor a rancio, que quizá acotarían mi libertad expresiva. Tengo amigos artistas que han tenido que “desaprender” después de la carrera  para sentir esa libertad total. Por otro lado estudiar bellas artes puede que te otorgue una serie de posibilidades técnicas formándote una base sólida.   
¿Quiénes son los maestros que, de alguna forma, más han influido en tu obra?
Aunque la lista sería muy extensa y a menudo la continúo ampliando, trataré de resumir en: Kandinsky, Franz Kline, Pollock, Barceló, Tapies, Duschamp, Robert Ryman, Ad Reindhardt,  Man Ray, Chema Madoz y Gerard Richter.
Tu bagaje profesional es muy interesante ya que procedes de un mundo tan fascinante y creativo como el Arte: la alta cocina. ¿Cómo influye esto en tu obra?
A veces mis años de carrera como cocinero hacen que piense como tal y utilizo utensilios de cocina (varillas, coladores, mangas pasteleras, batidoras, etc.) e incluso he trabajado en obras con elementos gastronómicos llegando a enfrentarme con la consecuente problemática del estado de putrefacción.
En tu trabajo se aprecian muy claramente dos tendencias muy marcadas, por una  parte la abstracción geométrica y por otra parte la matérica. ¿Por qué trabajas ambas?    ¿Te sientes igualmente cómodo con las dos?
Estas dos líneas son hasta ahora el grueso de mi obra, aunque trabajo en otras materias y mi objetivo es no encasillarme en una sola vía, sino ampliar mis campos de acción. A menudo me doy cuenta de las conexiones entre unos caminos y otros, de cómo son compatibles y complementarias las distintas ramas del arte.
En tu caso, ¿cómo es el proceso creativo? ¿Planificas previamente cómo va a ser la obra o va surgiendo según trabajas en ella?
En muchas obras desarrollo un trabajo previo y planifico como será el resultado final de la obra, otras veces y en función de la comunicación entre la obra y yo, lo que comenzaba como una idea firme  va tomando otros caminos de automatismo verdaderamente excitantes. Mis obras matéricas son más rápidas y gestuales en su ejecución, y las geométricas conllevan un proceso lento y estudiado, e incluso a veces  mecánico.   
Tienes un estilo muy característico, fuerte, enérgico, lleno de vida. ¿Qué ideas quieres plasmar a través de tu arte?
Mi obra es como un confesionario donde uno se sincera y plasma sus inquietudes y estados de emoción. Crear es una necesidad de expresión donde arrojo mis pensamientos y reflexiones sobre el mundo en que vivimos y el mundo que estamos creando.
En los difíciles tiempos que estamos viviendo, ¿cuál crees que debe ser el papel del artista en la sociedad en que desarrolla su trabajo?
Creo que el arte ha sido, es y debe ser una herramienta fundamental de estímulo en la conciencia social y cada artista debería tomar parte en ese compromiso.
Y por último, ¿en qué proye
cto estás trabajando actualmente? 
En Noviembre participo en dos ferias de arte contemporáneo: FAIM en Madrid y ARTEXPO en Miami. Además expongo en la Galería Emma en Madrid.
Además, desde hace unos meses formo parte de Open Street Art, un colectivo artístico formado también por Christo Guelov, Olga Isla, Jasmina Merkus y Arago, donde creamos, promovemos y producimos acciones e iniciativas artísticas en espacio urbano y fuera de él.
***
Si queréis conocer un poco más sobre el trabajo de Pablo Roig podéis visitar su página web, su espacio en Artelista, o su perfil en Linkedin. También podéis conocerle personalmente y ver su obra en directo durante los próximos días 16 (inauguración a las 19:30), 17 y  18 de noviembre en FAIM en el stand nº 50 (Palacio de Congresos, Paseo de la Castellana, 99, Madrid). 
Muchas gracias, Pablo, por concedernos esta entrevista. Te deseamos mucha suerte con todos estos nuevos proyectos y con tus próximas exposiciones y eventos.
¡Feliz Jueves! 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)