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Living the Savvy Life


Portada de Living the Savvy Life: The Savvy Woman’s Guide to Smart Spending and Rich Living.

Hacía mucho tiempo que no llegaba a mis manos un libro cuya lectura me entusiasmara tanto como ha conseguido hacerlo Living the Savvy Life: The Savvy Woman’s Guide to Smart Spending and Rich Living escrito or Melissa Tosetti y Kevin Gibbons.

Supe de él a través de uno de mis blogs favoritos The Simply Luxururious Life y puesto que valoro en gran medida el criterio y el buen gusto de Shannon (su editora y fundadora) enseguida supe que el libro iba a merecer la pena y mucho. Y no me equivoqué.

Casi siempre que recomiendo un libro en este espacio suele estar relacionado con la Historia del Arte o con la Historia en general aunque ese no es el caso esta vez. Sin embargo Living the savvy life me ha parecido una guía tan inteligente y necesaria que no puedo dejar de compartirlo con vosotros.

Lo primero que me llamó la atención fue el enfoque del libro. Por primera vez un manual sobre gestión de finanzas personales orientado específicamente a la mujer. Eso me atrapó porque, sinceramente, nuestros hábitos de compra y nuestras necesidades no son exactamente los mismos que los de los hombres (vale, vale, tema polémico, lo sé….).

Living the savvy life está escrito con un lenguaje claro y directo y cuenta con numerosos ejemplos de mujeres que han decidido en algún momento que querían ganar más, obtener más rentabilidad de sus ahorros o, simplemente, comenzar a ahorrar. ¿Cómo lo hicieron? Eso es lo que nos cuentan sus autores.

A través de sus páginas Melissa Tosetti y Kevin Gibbons nos introducen a una serie de hábitos sorprendentemente sencillos para llevar el control de nuestros gastos y la gestión de la casa, optimizar nuestros ingresos y disfrutar al máximo de nuestro tiempo libre. Redecorar nuestro hogar, hacernos con un armario lleno de prendas que de verdad nos favorezcan y se ajusten a nuestro estilo y llevar una dieta sana y equilibrada (y por ende económica) son algunos de los objetivos que Living the savvy life se ha propuesto ayudarnos a alcanzar mejorando al mismo tiempo nuestra economía. Y es que vivir mejor y gastar menos no son conceptos tan contrarios como pudieran parecer a priori de hecho se pueden compenetrar perfectamente si sabes cómo y ésa es la idea central del libro

Como ejemplo cito algunos de los consejos que más me han gustado y que encontrarás entre sus páginas:

– Compra sólo cosas que te encanten. Sí, parece una tontería pero…¿cuántas veces has comprado prendas que se han quedado colgadas en el armario sin estrenar o muebles que has terminado cambiando porque no te gustaban? En este libro conocerás algunos trucos inteligentes para que no te vuelva a pasar.

– Mantén tu armario como una boutique. Que no entre nada que no te siente fenomenal y que no sea de muy buena calidad.

– Haz una lista con todo aquello que hayas decidido que necesitas o que te gustaría tener y llévala siempre contigo. De esta forma reducirás el riesgo de comprar cosas que realmente no te interesan.

– Lleva un Home management book (un libro de gestión de la casa) en el que anotes los gastos, los proyectos, el planning de limpieza, los regalos pendientes….

– Realiza un presupuesto y cíñete a él.

– Planifica las comidas y no compres provisiones sino ingredientes.

Además de ideas inteligentes y buenos consejos en Living the savvy life encontrarás un gran número de recursos como páginas webs y libros con los que seguir investigando para llevar una vida equilibrada tanto a nivel financiero como personal porque, aunque no nos guste admitirlo, el dinero tiene que ver, y mucho, en nuestro bienestar.

Así que recomiendo este libro encarecidamente a todas las mujeres (y a muchos hombres ;)) que quieran mejorar la gestión de sus finanzas y de su tiempo porque, aunque nos manejemos bien en estos campos, siempre, siempre, siempre hay nuevas cosas que aprender 😉

Puedes encontrar más información sobre el libro en la página web: http://www.thesavvylife.com/

N. Living the savvy life: The Savvy Woman’s Guide to Smart Spending and Rich Living está escrito en ingles pero el lenguaje es sencillo, directo y claro. Si tienes un nivel de inglés medio no creo que tengas problema para entenderlo fácilmente. Merece mucho la pena.

Conversando con Carlos Puente

“Mi serie  Meninas surge como un homenaje a la Mujer, ellas son grandes luchadoras que nunca desmayan en conseguir sus derechos. Son las verdaderas protagonistas de nuestras sociedad.” 

Si las palabras y la pintura pueden definir a una persona, entonces Carlos Puente es sin duda un hombre bueno, sencillo, prudente, sabio y amigo de sus amigos. Un apasionado de su arte y del de los grandes maestros pero también de su familia, de sus estudios y de la belleza de la vida cotidiana. Sus obras nos hablan de su amplia formación y de un talento innato que se manifiesta en un dibujo preciso e impecable, en un color que se plasma en una gama infinita de matices que se funden unos sobre otros y de unas texturas soberbias que dan fuerza y cuerpo a la composición y en las que enfatizan los juegos de sombras y luces. Modernidad y clasicismo se dan la mano en unos lienzos que destacan por su belleza estética pero también, y sobre todo, por la complejidad de sentimientos que transmiten. ¿Quieres conocer un poco más a Carlos Puente y su trabajo? No te pierdas la entrevista que nos ha concedido a La Página Escondida

Carlos Puente

Menina
Menina VI
Menina Azul

Desnudo 1

Silla homenaje a Mi Madre

Paisaje XV
Paisaje X 
Paisaje XI


1.  Carlos, en La Página Escondida siempre nos gusta saber algo muy importante en nuestra opinión: ¿Cómo descubriste tu vocación artística?
No la descubrí, nací ya con ella y una vez más hice real el dicho de que  “El Artista nace y después se hace”.
2.  ¿Puedes hablarnos un poco de tu formación como artista, dónde estudiaste y qué te aportaron tus estudios?
Me gradué en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, también hice Dibujo al natural en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Soy Diplomado por AFHA en Dibujo Artístico y Diplomado en Diseño Gráfico y Aerografía por el CEV. Mis estudios me aportaron las bases generales de dibujo, color y composición, perspectiva y conocimientos técnicos. Pero donde de verdad
aprendí fue viendo las obras de grandes maestros de la Pintura y trabajando en el día a día.
3.  ¿Hay algún artista que haya influido mucho en tu obra? ¿Hay algo de él en tu obra, incluso si no es evidente a simple vista?
Influir en mis obras creo que no, ahora que por supuesto, tengo mis artistas favoritos, pero la verdad es que son muy diferentes en sus estilos y en sus épocas. Por ejemplo, me gustan Goya, Van Gogh, Picasso, Valdés, Tapies (uno de mis favoritos), Pierre Soulages, Miró, etc, etc. En fin, la lista es interminable, por eso no creo que haya una fuerte presencia de ellos en mis obras.
4.  La fuerte formación que te avala se refleja sin duda en tu técnica. Tienes un dibujo muy seguro y un fuerte dominio del color. Estos rasgos de estilo siempre han sido constantes en tu obra o han venido con los años?
Siempre ha sido una constante en mi obra, aunque por supuesto siempre he tratado de mejorar y reconozco que he tenido muy buenos profesores. Aunque aprendes las técnicas y las bases, después eres tú. Recuerdo que tuve un compañero que dominaba muy bien el color, yo era entonces mucho más joven que él y en mis ganas de aprender le dije que me enseñase a dar el color como lo hacía él; me contestó que eso no se podía enseñar, que lo único que podía enseñar eran las bases del color  y que esas ya las conocía yo, que entonces, a partir de ahí, sería yo mismo ya que ningún artista, salvo raras excepciones, se expresa igual que otro al dar color. Y tenía toda la razón porque el color cada artista lo lleva dentro de sí mismo y cada uno lo expresa de manera diferente. 
5.  Otro rasgo que llama mucho la atención sobre tu trabajo es la textura, es muy fuerte y cobra mucho protagonismo en el lienzo, es un punto de apoyo importante a los contrastes de luces y sombras. ¿Qué buscas transmitir con ella?

Con mi textura intento transmitir una fuerza en el cuadro para que coja volúmenes y haya partes que quiero destacar sobre otras, eso sí, todo dentro del conjunto y sin estropear la composición del cuadro; por eso en cada cuadro aplico diferentes texturas, según vea yo lo que me pide el cuadro que esté haciendo.
6.  Me encanta tu serie de Meninas, Carlos. ¿Nos cuentas cómo surgieron?
Mis meninas surgieron de un manera muy particular, quería hacer un homenaje a las mujeres en general, y sobre todo a las tres mujeres más importantes en mi vida, es decir, a mi Madre, mi Esposa y mi Hija y mirando un día el cuadro de Velázquez, me vino la inspiración, ya que ellas son las verdaderas protagonistas de dicho cuadro, y así es como yo las considero a las mujeres en nuestra sociedad, las verdaderas protagonistas, ya que son Grandes Madres, Grandes Esposas y Grandes Hijas, pero sobre todo, grandes luchadoras que nunca desmayan en conseguir sus verdaderos derechos como personas inteligentes. Además, las considero más inteligentes que los hombres, como es lógico no generalizo, ya que eso es imposible de hacer. 
7.  Vemos que te sientes cómodo tanto con el arte abstracto como con la figuración. Sin embargo muchos artistas optan por dedicarse únicamente a una de estas dos vertientes. ¿Por qué trabajas las dos? ¿Qué te aporta cada una de ellas?
 Efectivamente trabajo las dos variantes ya que para lo que quiero hacer y expresar   solo con el abstracto me seria imposible conseguirlo y por el momento creo que voy a seguir trabajando los dos estilos, eso sí, cada día seguiré intentando resumir todo lo que pueda, porque lo verdaderamente difícil es resumir al máximo, el poder expresar con dos trazos todos los sentimientos en un lienzo es mi meta, así que como ya he dicho seguiré con ambos estilos mientras me sienta satisfecho de los resultados que yo quiero conseguir, aunque mi meta es la de dedicarme de lleno al abstracto.

     8.    A lo largo de todos estos años has recibido numerosas menciones y premios. ¿A cuál de ellos le tienes un cariño especial?

Sin lugar a dudas al premio que tengo más cariño es a la Mención de Honor, que me dierón en el Museo Sempere de Argentina, por un cuadro dedicado al recuerdo de mi Madre, y encima que figure en dicho Museo; también  sin lugar a dudas a los siguientes premios, uno es un premio que me concedieron en USA por la creación del diseño de unas etiquetas para un producto de protección solar llamado Sancare de la firma Jhonson&Jhonson, yo entonces era muy joven y acababa de montar mi propio negocio un Estudio de Diseño Gráfico y  el otro también ha sido en el campo del Diseño Gráfico y fue también el diseño de una etiqueta para un vinagre llamado Esvin de la firma Carbonell S.A., después he recibido otros que por supuesto me han ilusionado, pero a los que más cariño les tengo es a los que os he citado.

Muchos de estos premios están relacionados con el Diseño ya que, en realidad, yo me he metido de lleno en el tema de la pintura, escultura, etc.., hace solo 5 años, ya que antes nada más terminar mis estudios de Bellas Artes y de Diseño Gráfico me dedique al Diseño de pleno, ya que la pintura no daba dinero como para poder vivir de ella. Como yo así lo hicierón muchos amigos míos, por eso todavía no soy muy conocido en el mundo de la pintura.
9.   Y por último, Carlos, cuéntanos por favor, en qué proyectos estás trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutar de ellos.
Actualmente estoy trabajando en varios temas, una serie de palomas con versos incluidos, nuevas Meninas con estilo diferente y nuevas técnicas que voy a aplicar a mis próximos cuadros abstractos y por supuesto voy a seguir investigando, ahora también es cierto que el mercado me tiene que ayudar comprando mis obras y ahora mismo con la famosa crisis esta muy frío.
***
Muchas gracias, Carlos por compartir con nosotros t
u trabajo. Desde aquí te deseamos mucha suerte con todos tus proyectos y seguiremos muy atentos a todas tus novedades. Para conocer un poco mejor su trabajo podéis visitar su sala en Virtual Gallery y su página en Artelista, donde podréis contactar con él para solicitar más información sobre sus obras.
¡Feliz martes! 🙂
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Feliz Día de la Madre

Pablo Ruiz Picasso.
Maternidad. 1904-1905

A partir de 1904 Picasso comienza a abandonar la época conocida como “Etapa Azul” y entra paulatinamente en su “Etapa Rosa”. Atrás quedan los temas más sombríos, las figuras desamparadas y los tonos fríos que habían comenzado a invadir su paleta tras la muerte de su querido amigo Carles Casagemas. Ahora un sinfín de matices del rosa aparecen en sus obras y también sus temas se hacen mucho más amables como es el caso de esta hermosa maternidad realizada entre 1905 y 1906.

La época rosa de Picasso es un canto a la vida y a la esperanza. Tras los duros años pasados el artista parece retomar su amor por las cosas hermosas, por las bondades de la vida y vuelve a creer en la belleza de las cosas porque…¿hay algo más hermosa que una madre con su hijo?

¡Felicidades a todas las mamás del mundo! 🙂


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Kitagawa Utamaro

Kitagawa Utamaro fue uno de los pintores japoneses más importantes de finales del siglo XVIII y primera mitad del siglo XIX. Sus imágenes son elegantes y sencillas, muy del gusto europeo, por lo que cuando los occidentales las descubrieron las reproducciones no tardaron en reproducirlas en Europa, de ahí que muchas de sus obras nos resulten sorprendente familiares, incluso a quienes apenas conocen el arte japonés.

Por cierto, una de sus estampas, que alcanzó gran difusión en el siglo XIX, fue directamente copiada por uno de los grandes postimpresionistas. ¿La habéis localizado ya? 😉

¡Feliz  martes!

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El Jardín de las Delicias

Las nuevas tecnologías nos traen pequeñas maravillas como ésta: El Jardín de las Delicias de El Bosco en un precioso vídeo y acompañado de la espectacular Carmina Burana.

Tómate 5 minutos libres para disfrutarlo y ¡Comienza el fin de semana!

¡Feliz viernes! 🙂

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El último secreto de Leonardo

Hace unos días tuve la oportunidad de disfrutar de una entrevista realizada a Elisa Ruiz García, catedrática de Diplomática y Paleografía y una de las mayores expertas a nivel mundial sobre la vida y obra de Leonardo da Vinci. La entrevista fue una auténtica delicia de principio a fin porque Elisa tiene el maravilloso don de no aburrir con su erudición, sino que su discurso era tan ameno y  los temas que trató tan curiosos que fue todo un placer aprender de ella.

De todas las cosas interesantes que dijo Elisa (y dijo muchas) hubo una que me llamó mucho la atención porque, sinceramente, jamás me lo había planteado: Leonardo da Vinci, el gran genio del Renacimiento,  nunca fue feliz.

 Por tres motivos fundamentales:

Fue hijo ilegítimo. Su padre era el principal notario de Florencia (una de las ciudades estados más importantes del momento) y por lo tanto un hombre de gran poder y prestigio. Asumió los costes de manutención y estudios hasta cierto punto pero jamás le reconoció ni le manifestó ninguna prueba de afecto.

No pudo ir a la Universidad. Una consecuencia de ser hijo ilegítimo era que le estaba prohibido el acceso a la Universidad. A pesar de su gran inteligencia y de su talento natural el no haber cursado estudios superiores le dolía profundamente y fue una gran carga psicológica durante toda su vida. Otro hecho del que incluso llegaba a avergonzarse era su desconocimiento del latín y el griego, las dos lenguas cultas que se utilizaban entre eruditos.

Era un gran perfeccionista. Como consecuencia abandonaba a menudo lo que estaba haciendo sin concluir (es muy difícil encontrar obras de Leonardo perfectamente terminadas) y retomaba una y otra vez las obras ya concluidas para retocarlas. Rara vez estaba conforme con el resultado de alguna obra y esto le generaba una gran frustración.

Leonardo da Vinci diseñó complicadísimos sistemas hidráulicos,  puentes imposibles, magníficos edificios y artilugios cientos de años adelantados a su tiempo como una máquina voladora o una bicicleta. Fue también un escultor soberbio y probablemente el mejor pintor del Renacimiento, con todo lo que ello significa. Las más de 6.500 página manuscritas que nos han llegado de su puño y letra (apenas un 40% de lo que los expertos estiman que fue la producción total)   nos hablan de un genio excepcional, con una mente brillante y una sensibilidad exquisita. Fue, a todas luces, un ser humano maravilloso que cambió el mundo en que vivía y al que debemos en gran medida el mundo tal y como lo conocemos hoy en día.

Y sin embargo no fue feliz.

¿Cómo fue posible que la felicidad de un hombre semejante  fuera nublada por el rechazo de un padre injusto, la intolerancia del sistema educativo o por su propio afán de perfeccionismo? A nuestros ojos de espectadores actuales estos motivos parecen tan insignificantes comparados con su gran genio creativo que casi resultan inverosímiles. Pero esas  6.500 páginas no mienten. Leonardo, a pesar de su inmenso talento, nunca fue feliz porque no supo vencer a los fantasmas del pasado.

En la Universidad nos enseñan a analizar obras y a memorizar datos más o menos pertinentes pero nunca se nos anima a plantearnos si un artista fue o no dichoso o si llevó una vida plena . De hecho cualquier dato que incite a cierta subjetividad es inmediatamente reprendido  y tachado de sentimentalismo, como si los sentimientos de un artista fueran algo insignificante e indigno de ser tratado en las aulas. Algo a lo que no hay que prestar atención. Algo que hay que obviar.

Y sin embargo yo creo que esta es la lección más importantes que tenemos que aprender. El verdadero secreto que ocultan los códices de Leonardo.

¿No creéis?

Feliz miércoles 🙂

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Desvelando los secretos de Leonardo

La National Gallery de Londres ha creado este excelente microsite sobre el genial maestro del Renacimiento. Mini-documentales sobre los trazos ocultos que no se ven a primera vista, la historia de las obras que ahora se custodian en el museo o un seguimiento paso a paso de las restauraciones que han llevado a cabo sobre sus obras son sólo algunos de los pequeños tesoros que nos tienen preparados.

Para perderse  navegando durante horas. ¿Una buena lectura para el fin de semana?

¡Feliz miércoles!

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La última Anunciación de Caravaggio

Michel Angelo Merisi da Caravaggio
Anunciación. 1608-1609
Óleo sobre lienzo. 285 x 205 cm

Musée de Beaux Arts. Nancy

Entre 1608 y 1609 Caravaggio realizó esta absolutamente espectacular Anunciación, una de sus últimas obras. 
En ella aparecen todos los elementos iconográficos tradicionales como el ramo de azucena que simboliza la pureza de María o su ropaje rojo y azul, símbolos del cielo y de La Tierra y que por lo tanto la identifican como la mediadora entre los hombres y Dios. 
Sin embargo, y como no podía ser de otra manera en la última etapa de Caravaggio, la interpretación del tema es tremendamente atrevida. Mientras que en otras anunciaciones de la época y anteriores, más convencionales,  La Virgen aparece sentada leyendo cuando recibe la visita del arcángel Gabriel, en este caso es presentada en el suelo, acurrucada y temerosa, aceptando con resignación la misión que se le comunica. 
Tampoco el ángel responde a los arquetipos habituales. Caravaggio nos lo presenta de espaldas a nosotros, suspendido en el aire, procedente de “nuestro espacio”, el plano físico en que nos encontramos los espectadores, rompiendo de esta forma la separación entre ambos mundos e “introduciéndonos” en la pintura. Este recurso llegaría a ser muy habitual en el Barroco pero es Caravaggio uno de sus principales precursores. También es en la figura del ángel donde podemos apreciar la luz que crea ese gran contraste lumínico, el soberbio chiaroscuro del genial maestro. 
Caravaggio no lo sabía pero cuando realizó esta obra no le quedaba mucho tiempo de vida. Poco después embarca desde Nápoles con destino a Roma donde, según los rumores su situación había mejorado y tenía partidarios que podían interceder a su favor para conseguir el indulto del Papa. En su camino sin embargo, la muerte le encontraría (probablemente en Puerto Ercole, aunque no lo sabemos con seguridad) en extrañas circunstancias que aún no han sido resueltas. Apenas tres días después de su fallecimiento llegó una misiva del Papa en la que se le comunicaba el indulto. 
Os deseo un muy feliz día, especialmente  a todas las Conchas, Inmas e Inmaculadas 🙂 
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Un matrimonio de conveniencia

Thomas Gainsborough
Retrato del matrimonio Andrews. 1749
Óleo sobre lienzo. 70 x 119 cm
National Gallery. Londres.

El 10 de noviembre de 1748 Robert Andrews contrajo matrimonio con Mary Frances Carter. Él tenía 22 años y ella 16. Thomas Gainsborough, el artista, tenía 21 años y también se había casado muy recientemente, aunque bajo condiciones muy diferentes a las de la aristocrática pareja que nos contempla desde el lienzo. 
Gainsborough había nacido en una familia de 8 hermanos cuyo padre dirigía una más bien modesta fábrica de manufactura textil. A los 13 años, muy probablemente con la ayuda de algún protector desconocido, es enviado a Londres como aprendiz de pintor. De allí regresaría a su tierra natal, muy cercana a las tierras que poseían los Andrews, y muy pronto comenzarían a lloverle los encargos. El retrato del joven matrimonio es uno de los primeros de su carrera. Más adelante se convertiría en uno de los artistas más importantes del país y retrataría a nobles, diplomáticos y amantes de la realeza pero para eso aún quedaba mucho tiempo en el momento en que realiza esta obra. 
La composición del lienzo es tremendamente audaz para la época. Deja a un lado a la pareja y utiliza toda la segunda mitad de lienzo para recrear el paisaje. No es casual. Por una parte probablemente quiere resaltar la importancia de las tierras de las que el matrimonio Andrews es propietario y cuyo arrendamiento les proporciona una renta que les permite vivir muy holgadamente. Por otra, Thomas 
Gainsboroug sentía desde su infancia una inclinación muy especial por los paisajes que, sin embargo, decide no continuar ya que en este momento se considera un género inferior, escandalosamente mal pagado. No obstante esta es la única vez en que Gainsborough hace este uso del paisaje, jamás en su carrera volverá a concederle tanta importancia como a sus modelos lo que nos confirma que, con total seguridad, el resultado no gustó. 
El retrato fue realizado en el verano de 1749, unos meses después de la boda de los jóvenes. Mucha de la simbología del lienzo hace alusión a la reciente unión y la esperanza de descendencia. Las espigas maduras, por ejemplo (en primer plano a la derecha) son un claro signo de fecundidad. También en la mitad derecha encontramos un pequeño árbol que crece franqueado por otros dos que lo protejen. El perro suele asociarse tradicionalmente a la fidelidad que se supone uno de los pilares fundamentales del matrimonio.  Algunos historiadores del arte han apuntado que la escopeta sostenida por Robert y el pájaro que Mary Frances sostiene en su regazo (apenas esbozado con unas pinceladas) pueden ser una sutil referencia erótica. Robert se apoya con firmeza sobre las raíces de un inmenso roble, árbol que en la iconografía tradicional europea simboliza tradición, permanencia y eternidad. 
Robert fue un propietario diligente que se dedicó con entusiasmo al cuidado de sus tierras y a la gestión del patrimonio de su familia. No es de extrañar que posara orgulloso junto a su bonita esposa mostrando la riqueza de sus tierras. Tambíén su esposa parece satisfecha con su nueva posición de mujer casada. Su enlace, sin embargo, había sido acordado por las familias de ambos como era habitual en la época, atendiendo a aspectos casi estrictamente económicos. El amor no jugaba ningún papel. Aunque si creemos lo que veían los ojos de Gainsborough, que durante toda su vida se afanó por plasmar en sus retratos el alma de sus modelos, probablemente ambos eran muy afines y disfrutaron de una agradable vida conyugal hasta el fallecimiento de ella, 26 años antes que el de su esposo. Juntos tuvieron 8 hijos.
¡Feliz comienzo de semana y buen puente para aquellos que lo estéis disfrutando! 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

El Caballero, la Dama y la Muerte

Hans Baldung Grien
El Caballero, la Dama y La Muerte. Antes de 1503.
Óleo sobre tabla de tilo. 35 x 30 cm.
Musée du Louvre. París.
En algún momento anterior a 1503, cuando contaba unos 17 ó 18 años, Hans Baldung (más adelante añadiría el apelativo de “Grien” a su nombre) realizó esta inquietante pintura que hoy conocemos como “El caballero, la dama y la muerte”
Todo en ella es inquietante empezando por la elección de los colores que se han utilizado y que han sido seleccionados  muy concienzudamente. Si nos ceñimos al uso del color podemos ver claramente que el cuadro se divide en dos mitades. Por una parte, la mitad superior donde predominan el azul, el rojo y el blanco, una combinación que transmite positivismo y optimismo pero también alerta (colores que por cierto nos recuerdan a cierta red social ¿casualidad?).  Por otro lado en la mitad inferior del cuadro los colores son completamente opuestos, predominan el marrón y el verde en sus tonalidades más oscuras y apagadas. Y no sólo eso. También la línea de dibujo está mucho más marcada en la parte superior que en la inferior donde las pinceladas del joven artista se difuminan y se funden. También es en la mitad inferior donde se encuentra el esqueleto que representa a la Muerte. 
Hans Baldung Grien, por lo tanto, busca representar en esta obra dos mundos opuestos aunque complementarios. Por un lado, la Vida y el Amor representados en su máximo esplendor (luz, color, imágenes nítidas…) y por otro, el reino de la Muerte y de la tierra que espera para acoger los restos mortales de los amantes. 
Los tres personajes que aparecen en la tabla son igualmente inquietantes. ¿Quiénes son, qué sabemos de ellos? El caballero viste de color rojo, lo que nos dice que se trata de una persona acaudalada, quizás con un puesto relevante en la corte, aunque no es noble; si lo fuera llevaría las mangas de la chaqueta abierta a la altura de los codos mostrando una camisa de seda. La dama lleva una cofia blanca como tocado lo que, en la Alemania del siglo XV quiere decir que estaba casada…¿con el caballero? ¿o bien se trata de una relación de adulterio? No lo sabemos aunque teniendo en cuenta el lugar en que se desarrolla la escena (un bosque cuando lo habitual era representar al ama de casa en un interior doméstico) y el color elegido para su vestido (en tonos rojos, símbolo de la pasión, el deseo, el sexo…) personalmente me inclino por lo segundo. La Muerte, el esqueleto, es muy peculiar. Sus huesos no son blancos y lustrosos sino que quedan restos de pelo en el cráneo y en el resto del cuerpo se aprecian signos visibles de una descomposición que aún no se ha completado. Muerde el vestido de la dama y la mira fijamente desde unos ojos vacíos y espeluznantes. Sólo tiene una pierna y un lienzo blanco, suponemos que el paño utilizado como mortaja, cubre oportunamente sus partes nobles evitándonos ver una zona especialmente delicada en estado de putrefacción, lo que,  francamente, desde aquí agradecemos al pintor 🙂
El caballo, por otra parte, no está muy bien conseguido. Probablemente la intención del artista era plasmarlo en un movimiento de galope corto aunque frenado por La Muerte. No lo ha logrado ni tampoco conseguir una fiel anatomía del animal. De hecho este es el motivo por el que algunos expertos afirman que no se trata de una obra de Baldung ya que éste llegaría a especializarse en el dibujo de caballos que aparecerán con gran frecuencia en su obra, especialmente en sus dibujos y grabados. Claro que eso sería años después y el joven artista pudo tener tiempo de superarse a sí mismo y aprender. 
Otro aspecto muy interesante de esta obra es la perspectiva, un gran avance técnico para los artistas germanos de principios del siglo XVI. Baldung la consigue construyendo un primer plano cercano al espectador, el suelo, con un gran detallismo, de forma que podemos apreciar perfectamente cada hoja, cada piedra y cada flor. A continuación tenemos un segundo plano a la izquierda con unos árboles que nos muestran otro nivel y por último, a la izquierda, el paisaje se expande hacia el horizonte aumentando la sensación de profundidad con un paisaje montañoso, que tiende a difuminarse en tonos azules (son los primeros pasos de la perspectiva aérea de la que Leonardo sería el gran maestro renacentista). 
El tema de la muerte que llega asolando todo a su paso, independientemente de la juventud de sus víctimas es muy frecuente en la obra de Hans Baldung Grien, especialmente en sus grabados. En ellos un esqueleto se aproxima, toca o incluso besa a un personaje, casi siempre una mujer desnuda,  joven y hermosa. No es que el artista fuera especialmente morboso (suponemos) sino que debemos tener en cuenta que pintaba para una sociedad que aún tenía muy reciente el horror de la epidemia de peste que se desarrolló entre 1347 y 1352 y que diezmó a un cuarto de la población europea. Una sociedad para la que el hecho de que la muerte afectara por igual a ricos y pobres,  nobles y plebeyos suponía un cierto alivio y una cierta prueba de la Justicia Divina. Por eso las obras con el “memento mori” (recuerdas que vas a morir) como tema, eran muy bien aceptadas y tenían gran demanda tanto entre los miembros de la iglesia como entre la floreciente burguesía. 
Todo esto, sin embargo, no quita que el resultado final de “El caballero, la dama y la muerte” no deje de ser terriblemente siniestro. El horrible esqueleto que agarra a la mujer, cómo ella se aferra al caballero que intenta sujetarla desesperadamente, el caballo que huye despavorido, el paisaje solitario y todo ello plasmado en ese preciso instante, justo un segundo antes de que se decida el desenlace. Porque realmente no sabemos qué va a ocurrir…¿logran escapar los amantes o La Muerte logra atrapar a la dama entre sus garras para siempre?
Hans Baldung Grien era poco más que un aprendiz cuando realizó esta obra, sin embargo, todos sus elementos anticipan el genial artista en que llegaría a convertirse.
Que paséis un feliz (y no demasiado inquietante) lunes 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)