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Open Street Art

10 enero, 2013 | Artistas contemporáneos, Entrevistas | No hay comentarios

«El artista debe tener la responsabilidad y la implicación de aportar, denunciar, subrayar … desde y para  la sociedad e involucrarse a sí mismo como sujeto activo.»

En los difíciles tiempos que corren en que el pesimismo y la desgana parecen haber inundado hasta el más recóndito rincón, a veces, sólo a veces, surgen proyectos, iniciativas, movimiento, en definitiva, personas que deciden transmitir un mensaje y hacerse oír. Este es el caso de Open Street Art, un colectivo artístico con las ideas muy claras y muchas propuestas interesantes que aportar. 
Open Street Art no pretende ser grupo reivindicativo, sin embargo, en su búsqueda constante de nuevas formas de expresión artística, logra sacudir la conciencia social y provocar un replanteamiento en el enfoque del observador, quien deja de ser un observador y se convierte así en un sujeto activo. ¿Y cuál si no ésa es la función del Arte?
Alguien sabio dijo una vez que en los momentos duros surge lo mejor y lo peor del ser humano. También junto a la negatividad y el desánimo pueden florecer la creatividad y la llamada a la reflexión y efectivamente, Open Street Art supone un soplo de aire fresco y una llamada a la esperanza. 
1. ¿Cómo surge Open Street Art?
Surge a raíz de una conversación entre Olga Isla, Christo Guelov y Pablo Roig en la que hablamos sobre la idea de hacer arte en la calle como una alternativa más a la proyección que te puede ofrecer una galería, y además como una vía directa al público en un espacio urbano, donde queremos contribuir con nuestras ideas y acciones artísticas, en una época donde precisamente es muy necesario. A los pocos días de aquella conversación se unieron también al colectivo Jasmina Merkus y María Jesús Aragoneses (Arago) , dando por cerrado el grupo, y empezamos a sentar unas bases y unos estatutos sobre los que poder apoyarnos para avanzar juntos.
2. ¿Cuál es vuestro objetivo con la formación de este grupo y qué hacéis exactamente?
Nuestro objetivo es crear una alternativa colectiva paralela a la individual de cada componente del grupo, donde poder crear y realizar “acciones” en el espacio urbano y fuera de él, a partir de un intercambio de ideas y reflexiones.
A veces, tras someter a debate una idea para una intervención artística, las diferentes perspectivas ofrecidas por cada uno, dan como resultado final un enriquecimiento de la idea original, y por lo tanto un enriquecimiento de pensamiento a nivel individual.
Otro de los objetivos es utilizar esta iniciativa como una plataforma de lanzamiento para el colectivo y para cada uno de sus miembros. Actuando conjuntamente nos ayudamos a crecer profesionalmente, optimizando las tareas de realización, producción y divulgación, elevando la calidad del resultado final en los proyecto
s que desarrollamos y en los que participamos.
3. Open Street Art nace con un fuerte compromiso social y muy consciente de la época y la sociedad en la que se desarrolla. ¿Cuál creéis que es la función del Arte en nuestros días? ¿Puede ser el Arte la solución a la crisis?
Nuestro compromiso es con la búsqueda constante de nuevos formas artísticas de estímulo en la conciencia social, con la finalidad de incitar a la reflexión, basándonos en la estructura del sistema socio-político-económico, tratando de hacer partícipe a la sociedad, sin llegar a ser en ningún caso un modo de activismo. 
El Arte tiene capacidad de ser una gran herramienta de estímulo intelectual en la sociedad, y por lo tanto indirectamente podría generar e incitar soluciones y  contribuir para obtener los cambios urgentes y necesarios, en el sistema político actual, dominado cada vez mas por el neoliberalismo. El artista precisamente debe tener la responsabilidad y la implicación de aportar, denunciar, subrayar … desde y para  la sociedad e involucrarse como sujeto activo.
4.¿Por qué es importante para vosotros el uso de espacios públicos para la expresión artística? ¿Qué os aporta esta vía de comunicación?
Nosotros, OSA, estamos en la calle junto con nuestros colegas, los artistas de “street art”, e intentamos enriquecer con nuestra actividad la presencia artística. Nuestras acciones artísticas (site specific) en el espacio urbano son temporales, efímeras y conceptuales, utilizan lenguajes de la comunicación visual, como  instalaciones, performances, “ready-mades” happenings, etc., y pretenden no solo “transgredir” sino también y “humanizar” nuestro entorno para generar nuevas experiencias urbanas.
Adoptamos el espacio urbano como medio de expresión, ampliando los espacios de arte donde hay “visibilidad” para los mensajes que queremos lanzar y ponerlos a debate público, más allá de galerías de arte, instituciones, museos, etc. Implicando al espectador como sujeto que no sólo contempla sino que cierra su propio  discurso.
5. ¿Y cómo reacciona la gente que pasa? ¿Es la interacción con los ciudadanos un elemento de vuestra forma de expresión?
Existen reacciones diversas en la gente, sería interesante y digno de un análisis socio-psicológico  las distintas reacciones ante nuestras acciones. El abanico es amplio, observamos la indiferencia en muchos de los casos, a veces tenemos la sensación de que la gente tiene su vida ya mecanizada. Podría pasearse un extraterrestre por la Gran Vía y para muchos pasaría totalmente desapercibido. Otra reacción habitual es el humor, nosotros no tratamos de hacer humor porque no somos cómicos, y sin embargo mucha gente se ríe esperando reciprocidad en la acción. Quizá exista una dificultad por parte de la mayoría en la manera de entender y asimilar los distintos lenguajes artísticos más allá de los ya establecidos y asimilados socialmente. En general, tenemos como objetivo que el ciudadano interactúe, y en otros como en nuestra última performance “Open Diagnostic,” es el observador el que ha de encontrar sus propias respuestas a lo que está viendo.
6. En la misma línea, en vuestra performance “Open diagnostic” realizáis una crítica al sistema político actual con la que probablemente coincidimos la mayoría de ciudadanos de este país. ¿Cómo surge esta atrevida iniciativa? 
Está basada en la experiencia de los últimos años, en los acontecimientos que se desarrollan y las medidas adoptadas, tomamos como excusa una noticia de prensa publicada después de la última cumbre del G-20, donde a pesar de la redundancia de la crisis y los pronósticos, sólo se habla de flexibilizar pero no de sustituir la política de la austeridad a pesar de que pueda acabar matando al paciente. Por eso, en nuestra performance, cambiamos los sueros habituales por otros distintos e insólitos. Es un guiño a la posibilidad de reemplazar las medidas utilizadas por otras radicalmente diferentes. 
7. Siendo un grupo de artistas con un amplio bagaje y diferentes formas de trabajo, ¿ha supuesto esto una dificultad a la hora de desarrollar vuestros proyectos?
No en absoluto, porque la voluntaria participación de los miembros en esta plataforma es la baza fundamental y el colectivo se rige por valores como solidaridad, pluralismo, sinergia, respeto mutuo y ética profesional. Priman los criterios de no imposición, no exclusión y de no liderazgo por ninguno de sus miembros.
Como grupo tenemos un cierto equilibrio en nuestro mecanismo de trabajo, la aportación de cada uno enriquece al conjunto en su pensamiento, creatividad y resultados, además, esto también enriquece directa o indirectamente a título individual. Obviamente el trabajo en Open Street Art conlleva reuniones donde fluyen los debates internos, desarrollo de ideas, investigación, realización, coordinación y ejecución de las mismas. También supone un trabajo individual que tratamos de repartir de forma equitativa. 
8. ¿Qué os aporta a cada uno de vosotros vuestro trabajo en Open Street Art?
Como ya mencionamos en los objetivos del colectivo, OSA es una plataforma de divulgación y de lanzamiento tanto para el colectivo como para  cada uno de sus integrantes en la escena artística. Queremos aprovechar nuestras fuerzas para ayudarnos a crecer, no solo como colectivo, sino también como artistas individuales, porque esto, a su vez, revierte en beneficio para el grupo.
Cada componente de Open Street Art tiene una trayectoria artística individual en desarrollo, y aunque tenemos puntos en común, las líneas de trabajo difieren bastante en cada uno de nosotros. Como colectivo, siempre es enriquecedor las diferentes perspectivas que muestra  cada uno, y ayuda a pensar desde otros puntos de vista diferentes al propio. Generalmente las ideas de acciones que surgen y propone cada uno acaban teniendo más calidad en su desarrollo y resultado final con la suma de todas las aportaciones. Trabajamos con un “banco de ideas” donde vamos archivando cada una con el objetivo de no perderlas en el olvido y con ello siempre tenemos la posibilidad de retomarlas en el futuro. 
   
9. Y por último, ¿nos contáis en qué proye
ctos estáis trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutar de ellos?
Los días 4 y 5 de enero estuvimos en Madrid en un market en Iam Gallery ubicada en la calle San Blas.
Pasados estos días inmediatamente regresamos con nuevas propuestas. Nuestras acciones tienen cierta periodicidad y en cada una de ellas enviamos con unos días de antelación un aviso previo en nuestros medios sociales: www.facebook.com/OpenStreetArt   
¡Os vemos en la calle!
***
Podéis contactar con Open Street Art a través de su web o de su perfil de Linkedin y podéis estar al día de todas sus novedades y próximos eventos en su página de Facebook.
Desde aquí os damos las gracias a todo el equipo que hacéis posible esta valiosa iniciativa y os mandamos todos nuestros mejores deseos. ¡Ánimo y Adelante! 🙂
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«El Arte ha sido, es y debe ser una herramienta fundamental de estímulo en la conciencia social y cada artista debería tomar parte en ese compromiso.»

Charcos en Marte 
105×122 cm. Técnica mixta sobre tabla. 
Año 2004

Fondo del mar Mediterraneo
65×90 cm.  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2004

Heridas  
70×100 cm. Técnica mixta sobre lienzo. 
Año 2004
Batalla naval 1 
 65×82 cm.  Técnica mixta sobre lienzo. 
Año 2010
Luz de luna nº3  
120×100 cm.  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2011
Tono 1.1  
120×100 cm.  Técnica mixta sobre lienzo. 
Año 2011
Figura bailando
100×100 cm. Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2012

Figura bailando 2
  170×100 cm.  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2012

Díptico-maletín
36x45x4 cm.  Técnica mixta sobre tabla.
Año 2012

Cuadrados, líneas y colores Nº1  
146×114  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 2012

Cuadrados, líneas y colores Nº3  
(4 piezas)
160×200  Técnica mixta sobre lienzo.
Año 20112
Cuando conocí a Pablo Roig hubo dos aspectos en él que me llamaron poderosamente la atención: en primer lugar, su fuerza. Pablo habla con la convicción y el entusiasmo que sólo tienen los que han encontrado su camino en la vida y saben que cada acto, por pequeño que sea, contribuye a realizar sus sueños. Y por otro lado, su obra, fuertemente abalada por sus continuas exposiciones y su trabajo y compromiso en el grupo Open Street Art. Pablo se mueve en dos líneas de trabajo muy diferentes entre sí pero que, sin embargo, se complementan de una forma inusual y sorprendente. Por una parte, la abstracción geométrica, al más puro estilo de Mondrian o de Lissitzky. Destaca por su elegante sobriedad, en la que se alternan líneas puras, limpias, concisas que crean composiciones rotundas y consistentes. Por otra, la abstracción matérica, en la que los colores y las texturas dan origen a formas radiantes, soberbias, siempre impactantes. La obra de Pablo, en definitiva, nos muestra una estética evolucionada y novedosa que hunde sus raíces en Malevich y Motherwell, entre otros, pero que surge como un estilo propio, salvaje y contenido al mismo tiempo y, sobre todo, capaz de sacudirnos y hacernos reflexionar ante su obra. ¿Y cuál si no éste es el propósito final del Arte?

Pablo,  ¿cuándo descubriste que tenías un talento especial para la pintura? ¿Cómo te has formado para adquirir tu técnica?
Nunca he pensado que tenga un talento especial para la pintura o el dibujo, cualquiera puede tener talento pintando, sólo es cuestión de aprendizaje y tiempo. Sin embargo sí pienso que tengo talento como creador, sensibilidad y buena intuición para escoger entre los distintos caminos de dudas que se me presentan antes, durante y después de un proceso artístico. Soy autodidacta, y creo que el hecho de serlo me permite pensar por encima de planteamientos puramente académicos, muchas veces con olor a rancio, que quizá acotarían mi libertad expresiva. Tengo amigos artistas que han tenido que “desaprender” después de la carrera  para sentir esa libertad total. Por otro lado estudiar bellas artes puede que te otorgue una serie de posibilidades técnicas formándote una base sólida.   
¿Quiénes son los maestros que, de alguna forma, más han influido en tu obra?
Aunque la lista sería muy extensa y a menudo la continúo ampliando, trataré de resumir en: Kandinsky, Franz Kline, Pollock, Barceló, Tapies, Duschamp, Robert Ryman, Ad Reindhardt,  Man Ray, Chema Madoz y Gerard Richter.
Tu bagaje profesional es muy interesante ya que procedes de un mundo tan fascinante y creativo como el Arte: la alta cocina. ¿Cómo influye esto en tu obra?
A veces mis años de carrera como cocinero hacen que piense como tal y utilizo utensilios de cocina (varillas, coladores, mangas pasteleras, batidoras, etc.) e incluso he trabajado en obras con elementos gastronómicos llegando a enfrentarme con la consecuente problemática del estado de putrefacción.
En tu trabajo se aprecian muy claramente dos tendencias muy marcadas, por una  parte la abstracción geométrica y por otra parte la matérica. ¿Por qué trabajas ambas?    ¿Te sientes igualmente cómodo con las dos?
Estas dos líneas son hasta ahora el grueso de mi obra, aunque trabajo en otras materias y mi objetivo es no encasillarme en una sola vía, sino ampliar mis campos de acción. A menudo me doy cuenta de las conexiones entre unos caminos y otros, de cómo son compatibles y complementarias las distintas ramas del arte.
En tu caso, ¿cómo es el proceso creativo? ¿Planificas previamente cómo va a ser la obra o va surgiendo según trabajas en ella?
En muchas obras desarrollo un trabajo previo y planifico como será el resultado final de la obra, otras veces y en función de la comunicación entre la obra y yo, lo que comenzaba como una idea firme  va tomando otros caminos de automatismo verdaderamente excitantes. Mis obras matéricas son más rápidas y gestuales en su ejecución, y las geométricas conllevan un proceso lento y estudiado, e incluso a veces  mecánico.   
Tienes un estilo muy característico, fuerte, enérgico, lleno de vida. ¿Qué ideas quieres plasmar a través de tu arte?
Mi obra es como un confesionario donde uno se sincera y plasma sus inquietudes y estados de emoción. Crear es una necesidad de expresión donde arrojo mis pensamientos y reflexiones sobre el mundo en que vivimos y el mundo que estamos creando.
En los difíciles tiempos que estamos viviendo, ¿cuál crees que debe ser el papel del artista en la sociedad en que desarrolla su trabajo?
Creo que el arte ha sido, es y debe ser una herramienta fundamental de estímulo en la conciencia social y cada artista debería tomar parte en ese compromiso.
Y por último, ¿en qué proye
cto estás trabajando actualmente? 
En Noviembre participo en dos ferias de arte contemporáneo: FAIM en Madrid y ARTEXPO en Miami. Además expongo en la Galería Emma en Madrid.
Además, desde hace unos meses formo parte de Open Street Art, un colectivo artístico formado también por Christo Guelov, Olga Isla, Jasmina Merkus y Arago, donde creamos, promovemos y producimos acciones e iniciativas artísticas en espacio urbano y fuera de él.
***
Si queréis conocer un poco más sobre el trabajo de Pablo Roig podéis visitar su página web, su espacio en Artelista, o su perfil en Linkedin. También podéis conocerle personalmente y ver su obra en directo durante los próximos días 16 (inauguración a las 19:30), 17 y  18 de noviembre en FAIM en el stand nº 50 (Palacio de Congresos, Paseo de la Castellana, 99, Madrid). 
Muchas gracias, Pablo, por concedernos esta entrevista. Te deseamos mucha suerte con todos estos nuevos proyectos y con tus próximas exposiciones y eventos.
¡Feliz Jueves! 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«Mi serie  Meninas surge como un homenaje a la Mujer, ellas son grandes luchadoras que nunca desmayan en conseguir sus derechos. Son las verdaderas protagonistas de nuestras sociedad.» 

Si las palabras y la pintura pueden definir a una persona, entonces Carlos Puente es sin duda un hombre bueno, sencillo, prudente, sabio y amigo de sus amigos. Un apasionado de su arte y del de los grandes maestros pero también de su familia, de sus estudios y de la belleza de la vida cotidiana. Sus obras nos hablan de su amplia formación y de un talento innato que se manifiesta en un dibujo preciso e impecable, en un color que se plasma en una gama infinita de matices que se funden unos sobre otros y de unas texturas soberbias que dan fuerza y cuerpo a la composición y en las que enfatizan los juegos de sombras y luces. Modernidad y clasicismo se dan la mano en unos lienzos que destacan por su belleza estética pero también, y sobre todo, por la complejidad de sentimientos que transmiten. ¿Quieres conocer un poco más a Carlos Puente y su trabajo? No te pierdas la entrevista que nos ha concedido a La Página Escondida

Carlos Puente

Menina
Menina VI
Menina Azul

Desnudo 1

Silla homenaje a Mi Madre

Paisaje XV
Paisaje X 
Paisaje XI


1.  Carlos, en La Página Escondida siempre nos gusta saber algo muy importante en nuestra opinión: ¿Cómo descubriste tu vocación artística?
No la descubrí, nací ya con ella y una vez más hice real el dicho de que  «El Artista nace y después se hace».
2.  ¿Puedes hablarnos un poco de tu formación como artista, dónde estudiaste y qué te aportaron tus estudios?
Me gradué en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, también hice Dibujo al natural en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Soy Diplomado por AFHA en Dibujo Artístico y Diplomado en Diseño Gráfico y Aerografía por el CEV. Mis estudios me aportaron las bases generales de dibujo, color y composición, perspectiva y conocimientos técnicos. Pero donde de verdad
aprendí fue viendo las obras de grandes maestros de la Pintura y trabajando en el día a día.
3.  ¿Hay algún artista que haya influido mucho en tu obra? ¿Hay algo de él en tu obra, incluso si no es evidente a simple vista?
Influir en mis obras creo que no, ahora que por supuesto, tengo mis artistas favoritos, pero la verdad es que son muy diferentes en sus estilos y en sus épocas. Por ejemplo, me gustan Goya, Van Gogh, Picasso, Valdés, Tapies (uno de mis favoritos), Pierre Soulages, Miró, etc, etc. En fin, la lista es interminable, por eso no creo que haya una fuerte presencia de ellos en mis obras.
4.  La fuerte formación que te avala se refleja sin duda en tu técnica. Tienes un dibujo muy seguro y un fuerte dominio del color. Estos rasgos de estilo siempre han sido constantes en tu obra o han venido con los años?
Siempre ha sido una constante en mi obra, aunque por supuesto siempre he tratado de mejorar y reconozco que he tenido muy buenos profesores. Aunque aprendes las técnicas y las bases, después eres tú. Recuerdo que tuve un compañero que dominaba muy bien el color, yo era entonces mucho más joven que él y en mis ganas de aprender le dije que me enseñase a dar el color como lo hacía él; me contestó que eso no se podía enseñar, que lo único que podía enseñar eran las bases del color  y que esas ya las conocía yo, que entonces, a partir de ahí, sería yo mismo ya que ningún artista, salvo raras excepciones, se expresa igual que otro al dar color. Y tenía toda la razón porque el color cada artista lo lleva dentro de sí mismo y cada uno lo expresa de manera diferente. 
5.  Otro rasgo que llama mucho la atención sobre tu trabajo es la textura, es muy fuerte y cobra mucho protagonismo en el lienzo, es un punto de apoyo importante a los contrastes de luces y sombras. ¿Qué buscas transmitir con ella?

Con mi textura intento transmitir una fuerza en el cuadro para que coja volúmenes y haya partes que quiero destacar sobre otras, eso sí, todo dentro del conjunto y sin estropear la composición del cuadro; por eso en cada cuadro aplico diferentes texturas, según vea yo lo que me pide el cuadro que esté haciendo.
6.  Me encanta tu serie de Meninas, Carlos. ¿Nos cuentas cómo surgieron?
Mis meninas surgieron de un manera muy particular, quería hacer un homenaje a las mujeres en general, y sobre todo a las tres mujeres más importantes en mi vida, es decir, a mi Madre, mi Esposa y mi Hija y mirando un día el cuadro de Velázquez, me vino la inspiración, ya que ellas son las verdaderas protagonistas de dicho cuadro, y así es como yo las considero a las mujeres en nuestra sociedad, las verdaderas protagonistas, ya que son Grandes Madres, Grandes Esposas y Grandes Hijas, pero sobre todo, grandes luchadoras que nunca desmayan en conseguir sus verdaderos derechos como personas inteligentes. Además, las considero más inteligentes que los hombres, como es lógico no generalizo, ya que eso es imposible de hacer. 
7.  Vemos que te sientes cómodo tanto con el arte abstracto como con la figuración. Sin embargo muchos artistas optan por dedicarse únicamente a una de estas dos vertientes. ¿Por qué trabajas las dos? ¿Qué te aporta cada una de ellas?
 Efectivamente trabajo las dos variantes ya que para lo que quiero hacer y expresar   solo con el abstracto me seria imposible conseguirlo y por el momento creo que voy a seguir trabajando los dos estilos, eso sí, cada día seguiré intentando resumir todo lo que pueda, porque lo verdaderamente difícil es resumir al máximo, el poder expresar con dos trazos todos los sentimientos en un lienzo es mi meta, así que como ya he dicho seguiré con ambos estilos mientras me sienta satisfecho de los resultados que yo quiero conseguir, aunque mi meta es la de dedicarme de lleno al abstracto.

     8.    A lo largo de todos estos años has recibido numerosas menciones y premios. ¿A cuál de ellos le tienes un cariño especial?

Sin lugar a dudas al premio que tengo más cariño es a la Mención de Honor, que me dierón en el Museo Sempere de Argentina, por un cuadro dedicado al recuerdo de mi Madre, y encima que figure en dicho Museo; también  sin lugar a dudas a los siguientes premios, uno es un premio que me concedieron en USA por la creación del diseño de unas etiquetas para un producto de protección solar llamado Sancare de la firma Jhonson&Jhonson, yo entonces era muy joven y acababa de montar mi propio negocio un Estudio de Diseño Gráfico y  el otro también ha sido en el campo del Diseño Gráfico y fue también el diseño de una etiqueta para un vinagre llamado Esvin de la firma Carbonell S.A., después he recibido otros que por supuesto me han ilusionado, pero a los que más cariño les tengo es a los que os he citado.

Muchos de estos premios están relacionados con el Diseño ya que, en realidad, yo me he metido de lleno en el tema de la pintura, escultura, etc.., hace solo 5 años, ya que antes nada más terminar mis estudios de Bellas Artes y de Diseño Gráfico me dedique al Diseño de pleno, ya que la pintura no daba dinero como para poder vivir de ella. Como yo así lo hicierón muchos amigos míos, por eso todavía no soy muy conocido en el mundo de la pintura.
9.   Y por último, Carlos, cuéntanos por favor, en qué proyectos estás trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutar de ellos.
Actualmente estoy trabajando en varios temas, una serie de palomas con versos incluidos, nuevas Meninas con estilo diferente y nuevas técnicas que voy a aplicar a mis próximos cuadros abstractos y por supuesto voy a seguir investigando, ahora también es cierto que el mercado me tiene que ayudar comprando mis obras y ahora mismo con la famosa crisis esta muy frío.
***
Muchas gracias, Carlos por compartir con nosotros t
u trabajo. Desde aquí te deseamos mucha suerte con todos tus proyectos y seguiremos muy atentos a todas tus novedades. Para conocer un poco mejor su trabajo podéis visitar su sala en Virtual Gallery y su página en Artelista, donde podréis contactar con él para solicitar más información sobre sus obras.
¡Feliz martes! 🙂
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Me entrevistan en Coleccionismo21

6 junio, 2012 | Entrevistas, Libros | No hay comentarios

Queridos amigos, hoy traigo al blog una entrevista que me han realizado en  Coleccionismo21, una excelente web sobre el mundo del coleccionismo.

Si os apetece leerla la tenéis en este enlace.

Aprovecho para dar las gracias desde aquí a Jonathan López, el responsable de la web, por su profesionalidad y buen hacer. Así da gusto trabajar 🙂

¡Si os animáis a leerla ya me decís que os parece!

¡Feliz miércoles! 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Ya estoy viviendo mi gran sueño, seguir disfrutando del arte y del mar como hasta ahora.
Autorretrato de la artista

I’m Art 01

I’m Art 02

Mundo interior

Partes del todo

Sueños 01

Sueños 02

Sueños 03

Dreams in red 01

Dreams in red 02

Sueños 04

Frase hecha con luz
A pesar de su juventud, Lorena Etxabe, la artista que hoy nos visita en La Pá
gina Escondida
, sorprende. Sorprende por la intensidad de su trabajo y por la claridad de sus ideas. Posee la confianza propia de aquellos que aman su trabajo y se siente orgullosa de haberse dedicado al mundo del Arte. Lorena nos cuenta que su ciudad favorita es Roma, que su otra gran pasión es el mar y que de pequeña soñaba con ser bióloga marina para estar siempre en contacto con ese mismo mar insondable y misterioso que aún hoy la sigue fascinando. La noche es para ella un momento mágico y muy especial, no en vano ésta tiene una fuerte presencia en su trabajo y quizás por eso la luz tiene una importancia fundamental en el desarrollo de su obra. La sinceridad, la humildad y la honestidad son cualidades muy preciadas para Lorena, quien se define a sí misma como soñadora, luchadora y trabajadora y cuyo nombre artístico, Anerol, es su nombre leído al revés.
Lorena, cuando tienes clara tu vocación el siguiente paso es formarte en ella. Cuéntanos qué y dónde has estudiado.
Mi vocación empezó a los 12 años, quise aprender a pintar al óleo y pedí a mi madre que me apuntara a clases de pintura, recibí las enseñanzas de un pintor de mi pueblo en su academia, donde aprendí de diferentes técnicas pictóricas entre ellas el óleo. En ese momento supe que era a aquello a lo que quería dedicarme. Tras terminar el colegio quise hacer el bachiller artístico pero esa enseñanza todavía no estaba vigente en el País Vasco por lo que tuve que hacer el bachiller convencional. Finalmente llegaron los años universitarios, donde pude realizar esos estudios tan deseados, me licencié en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, fueron los mejores cinco años de mi vida. Me especialicé en pintura aunque, en los dos últimos años de la carrera, descubrí la fotografía y me fascinó tanto que al terminar la universidad, estudié dos años más de fotografía profesional en San Sebastián. 
Desde entonces, no paro de aprender diferentes técnicas y aplicaciones para la fotografía, tales como el 3D y técnicas de Light- painting, y también estoy centrada en el aprendizaje de las diferentes técnicas aplicadas al retoque fotográfico.
En tu último año de carrera fuiste seleccionada para exponer en el Museo de Arte Contemporáneo de Capc MUsée d Bordeaux y también te concedieron la prestigiosa beca “Xavier Pousa”, una de las tres becas de pintura que se otorgan en España. Mirando atrás, ¿qué supusieron estas dos oportunidades en tu carrera?
Fueron dos momentos muy importantes para mí, dos grandes sorpresas que recibí en el último año de la carrera, fueron dos experiencias muy enriquecedoras de las que aprendí muchísimo y en las que compartí muchas vivencias con otros artistas. Siempre tendré un bonito recuerdo de aquellos años. 
Analizando tu trayectoria vemos que tienes un amplio bagaje en pintura. ¿Pueden aunarse pintura y fotografía?
Por supuesto, de hecho ese ha sido mi reto desde el 2004, el unir ambas disciplinas, me costaron otros dos años de investigación, ya que fue en el 2006 cuando finalmente logré unirlas de una manera satisfactoria. En ese año nació mi proyecto de body-painting. 
Y dentro de la fotografía, ¿qué género prefieres?
Me fascina el género del retrato aunque también me decanto por el paisaje.
En 2006 comienzas un proyecto dtan sorpresndete como atrevido. ¿En qué consiste Body-painting?
 Mi proyecto de body-painting surgió a raíz de una crisis que tuve con la pintura en el 2003 durante mis estudios de Bellas Artes. Fue por ese motivo que en los dos últimos años me dediqué a estudiar otras disciplinas donde descubrí la fotografía y dejé de pintar definitivamente. Al no poder expresarme con la pintura, me volqué de lleno en la fotografía, sustituí la pintura por la fotografía, pero lo paradójico de toda esta situación fue que, a pesar de la imposibilidad, había una parte de mí que me pedía pintar, que lo echaba de menos, entonces pensé en buscar un modo o una forma de poder unir ambas disciplinas y así poder disfrutar de las dos por igual, sin descuidar la una por la otra, y por eso años después surgió el body-painting, fue el resultado de esa crisis. 
Dicho resultado lo obtuve en el primer año de mis estudios fotográficos posteriores, cuando en prácticas de moda surgió esa idea en mí, idea que consistía en pintar a los modelos como si ellos fueran el lienzo y después fotografiarlos. De alguna manera ellos eran el cuadro y a su vez, seguían siendo modelos que posaban para ser fotografiados, automáticamente mi trabajo se convertía en fotografías de cuadros vivientes, una idea que me fascinaba. 
Además de Body-painting trabajas en dos grandes proyectos que son “Autorretratos” y “Sueños”. ¿Cómo surgen?
El proyecto de ´´ Autorretratos« surge curiosamente por la falta de modelos para retratar, sólo contaba conmigo misma para muchas imágenes y fue entonces cuando empecé a combinar el papel de modelo y fotógrafa. 
Esto también me sirvió para expresar de una forma más directa mis inquietudes personales, qué mejor manera de representar mis inquietudes que mostrarlas a través de mi misma. 
El proyecto ´´ Sueños« surge por mi fascinación por el mundo onírico, por el mundo de la noche, los sueños y la fantasía. 
Ambos son proyectos abiertos en los que seguiré trabajando. 
En 2012 realizas tu primera exposición individual “LUZ”. ¿Qué importancia tiene la luz en tu obra?
Para mí la LUZ es lo más importante de todo, no sólo en fotografía sino también en la vida, sin LUZ no existiría nada, todo sería oscuro, sólo habría oscuridad.
Hemos visto que actualmente estás investigando con nuevas técnicas y herramientas . ¿Hacia dónde crees que evolucionará tu trabajo?
¿Hacia dónde evolucionará?, sinceramente, no lo sé, ya que siempre estoy en una continua investigación y experimentación que no sé dónde acabaré. 
Lo importante es aprender, avanzar y disfrutar del camino. 
Y por último cuéntanos en qué proyectos estás trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutarlo.
Ahora mismo no estoy trabajando en un proyecto en concreto, digamos que estoy centrada en el aprendizaje de las nuevas técnicas. El resultado vendrá más adelante, todavía tendréis que esperar para poder disfrutarlo, pero supongo que seguiré indagando en la línea de mi último proyecto, en el mundo de los ´´ sueños« que vendrá con cambios y mejoras técnicas. 
***
Ganadora de varias becas y premios y miembro de la Sociedad Fotográfica de Zarautz, la obra de Lorena nos habla de una técnica avalada por su amplia formación pero sobre todo de un espíritu libre que busca continuamente nuevas formas de expresar su conocimiento del mundo y que posee una mirada fresca, profunda y siempre atenta a los misterios que se suceden a nuestro alrededor, para captarlos para siempre y hacérnoslos llegar. 
Para contactar con Lorena Etxabe podéis hacerlo a través de su web: www.anerolfotografia.es
Y para estar al día de sus últimas novedades podéis seguirla a través de su página en Facebook: https://www.facebook.com/anerolfotografia
Muchas gracias, Lorena,  por habernos mostrado tu trabajo y habernos contado un poco sobre ti. Desde La Página Escondida te deseamos mucha suerte con todos tus proyectos, estamos seguros de que así será.

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)