Categoría: Entrevistas

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«Mi manera de expresarme mediante el arte, lo represento según lo que quiera transmitir o me este sucediendo en el momento.»
Olga Schäfer. 

Tras el pseudónimo ADAdripping nos encontramos con una artista joven que realiza una obra tan variada como sorprendente: Olga Schäfer. Pintura, performance, action painting e instalación forman parte del amplio portfolio de esta gran creadora inquieta e inconformista que también desarrolla su trabajo en la labor de investigación en Arquitectura y que tiene un fuerte compromiso social con el mundo que la rodea. Su obra tiene una vertiente profunda que ahonda en el más íntimo de nuestra psicología y nuestro ser espiritual. Olga no sólo posee una técnica impecable, también y sobre todo, es capaz de llegar al interior de nuestra consciencia.

Autorretrato de la artista Olga Shäfer
Collserola
El último día
Mandala
Piel
Desfragmentados
Obra en construcción
Detalle de «Seven. Los siete pecados capitales»

Brota vida

Si el hombre fuera como debiera


Presentación del personaje Olga Schäfer. Pre-performance «Vivido en carne propia»

Olga, siempre nos gusta saber cómo empezó todo, cómo te diste cuenta de tu vocación.

En el año 2000, llegue a Barcelona a estudiar un doctorado de arquitectura en la Universidad Politécnica de Cataluña, mi tema era el “Museo como Monumento  Contemporáneo”, al mismo tiempo trabajaba en mi obra artística, con el tiempo empecé a buscar convocatorias para exponer,  y poco a poco mi pasión por el arte fue desplazando la tesis del doctorado que tenía que desarrollar.
He expuesto en EE. UU, en Italia, en Colombia  y en España.  Me di cuenta de que quería pintar y dedicarme a ello, la primera vez que vine a Barcelona, fue en el 96, a un congres
o de arquitectura, aun era estudiante y claro, en la Universidad estaba viendo historia del arte y de la arquitectura al mismo tiempo (pues estudiaba ambas carreras al mismo tiempo).  
El venir a Europa por primera vez, abrió mis expectativas, el mundo se me hizo pequeño, lo tenia que conseguir, me veía en una buhardilla pintando y escribiendo, todo el dia…decantándome hacia el mundo de las ideas, la investigación, la creación artística, el enriquecimiento intelectual, el interés por otras realidades o manifestaciones culturales, como lo hacían nuestros maestros… por esa razón vine a estudiar un Doctorado, porque me permitiría seguir preparándome intelectualmente y el arte como pasión o medio expresivo y/o espiritual.
¿Cómo te has formado como artista?

 En el 93 empecé a estudiar Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín.  En la facultad había la carrera de Artes Plásticas, me encantaba ver los trabajos que hacían los estudiantes de artes. Tanto me gustaba que decidí presentarme (sin decirle nada a mi familia), a Artes Plásticas en otra Universidad, es así como en el 95 empecé a estudiar también Artes Plásticas en la Universidad de Antioquia, estudiandoal mismo tiempo y a ritmo frenético las dos carreras, fue un tiempo maravilloso…lo hacía con tanta pasión, energía y naturalidad… yo quería saber y aprender.  En la facultad me llamaban  ”la hormiguita”. Lo recuerdo con mucho cariño…
Pintura, performance, instalación, action painting, investigación en arquitectura… tu obra es muy variada pero tiene unas características constantes que la hacen uniforme. ¿Es algo premeditado o simplemente muestras tu personalidad en tu trabajo?
Tengo un perfil que no es encasillable, pero que he ido construyendo dia a dia a base de formación, sacrificio y esfuerzo, lo podría resumir en “creativa”. Mi manera de expresarme mediante el arte, lo represento según lo que quiera transmitir o me este sucediendo en el momento. 
Es  imposible encasillarme en una sola disciplina,  influye mi formación, mi manera de ver la vida, mi proceso, experiencias, dolores, alegrías, que han sido tanto intensas  como diversas, por eso la pluralidad, sincretismo  y expresividad. Realmente no es algo premeditado, sino una necesidad de expresarme con diferentes medios, puede ser en mi obra artística o en mi carrera como investigadora en arquitectura.
 Parece demasiado, para una persona, pero lo hago poco a poco, a lo mejor dejo de pintar durante meses, por que me ha surgido un proyecto de investigación en arquitectura y cuando lo culmine o entremedio, hare una instalación o seguirte pintando o escribiré un guión para un corto. La vida es corta y son demasiadas ilusiones e ideas. Lo más importante es que mi obra o trabajo, me guste, me satisfaga, me transmita, todo lo demás llega.
¿Cómo llegaste a la instalación y qué ha aportado a la evolución de tu carrera?
La instalación es la intervención del espacio, mediante el objeto  conceptual, en el caso de “Todos van al mismo camino” o “Si el hombre viviera como debiera” o “Cajitas animadas. Rituales contemporáneos de occidente”. Yo creo que ha tenido que ver mi formación  indiscutiblemente. Es la forma de mezclar la arquitectura en cuanto a la concepción del espacio y la conceptualización artística. Mediante la instalación utilizo diferentes medios y materiales, sobretodo materiales de construcción y/o reciclables, por ejemplo “Obra en construcción”. Con materiales como la brea, el cemento, piedrecillas, collage, yeso, acrílicos, esmaltes, madera, tela, entre otros.
La performance sigue siendo un medio de expresión poco conocido por el público general. ¿Qué puedes contarnos de las tuyas?
Mediante el performance expreso lo mas intimo, lo más personal, en el caso de “Vivido en carne propia”, transmito un hecho doloroso que marco mi vida, que la corto en un antes y un después, en el 97 mi hermano se suicido, él tenía solo 19 años, y el mismo año mataron a mi exnovio en Holanda, en una discoteca. Estos sucesos y el hecho que dormía muy poco, por  que estudiaba dos carreras bajaron mis defensas y mi estado de ánimo al mínimo.
 Mi cuerpo generó una alergia sicosomática (prurigo nodular), que deterioro todo mi cuerpo, durante casi 12 años. En este tiempo  de enfermedad, pensaba en la catarsis, como medio de purificación emocional, corporal y mental. Y así mismo en la forma de expresarlo mediante el arte, por eso el expresionismo abstracto, en la forma de pintar, el dripping, como medio y relación entre la emoción y el lienzo. Mi cuerpo es dripping, porque quedo marcado, por el rascado, el chorreado, como la textura de la piel, de las lesiones y de las cicatrices.
¿Quiénes son los artistas que más han influido en tu trabajo? ¿Podemos ver algo de ellos en tu trabajo?
Evidentemente Jackson Pollock, por el «automatismo», en su escritura automática que pretendía reflejar los fenómenos psíquicos que tenían lugar en su interior. Van Gogh, por su colorido y pasión  impresionista. ..
¿Cuál es la filosofía de tu obra? ¿Qué quieres expresar con ella?
Depende del momento en el que me encuentre,  pero confieso que para mi el arte es catarsis, es la manera que tengo de expresar mis pensamientos más profundos, es la forma de transmitir y de comunicar lo que pienso ante  los comportamientos de la sociedad, es la mirada, es la pasión, es la libertad…
Sobre mi obra…
Los elementos que componen mi obra artística, se interrelacionan en armonía, tanto de color como de composición, trabajo con materiales de construcción y objetos reciclables. Mi obra posee una estética en la que el gozo por las formas se une a una significación especial, es lo que las imágenes no se atreven a traducir y al mismo tiempo permite una reflexión sobre lo que se puede llamar, concepto expresivo. En temas como:
«Rituales contemporáneos de occidente». 2003: Obra realizada con técnica mixta; madera, collage, acríl
ico, chapapote, etc. Materiales que integran doce cajitas animadas, a partir del concepto…rituales contemporáneos de occidente, como lo son, la moda, lo rápido, lo ligero, entre otros conceptos que ilustran a los cánones seguidos por las masas.
“Todos van al mismo camino”, 2005. Obra realizada a partir de un objeto estándar, el bidé, como elemento que se disfraza de oveja o de borrego, así mismo el grupo de estos elementos interpreta al rebaño de ovejas que van en la misma dirección, como autómatas, siguiendo todos el mismo camino, pero siempre existe la oveja negra que s
e desvía hacia otra dirección.
“Obra en Construcción”,2005. Obra realizada con elementos de la construcción, pintura realizada en técnica mixta, a partir del collage, cemento, yeso, acrílicos, piedrecillas, etc. Así mismo es complementada, por elementos utilizados en la construcción de obras arquitectónicas, conformando una instalación. El concepto nace a partir de que la vida siempre es un eterno construir y edificar.
–  “Seven”, 2007. Obra pictórica y fragmentada, realizada sobre lienzo, intervenido con collage, acrílicos, esmaltes, látex, etc. Los siete pecados capitales, de la cual la sociedad sigue siendo esclava.
Es así como mi obra se genera a partir de conceptos predeterminados, dentro de los criterios del expresionismo abstracto, aprovechándome de la libertad de las técnicas artísticas, mi obra posee contenidos psicológicos, urbanos y espirituales, sin encerrarse en la técnica propiamente visual. Las formas no se cierran ante la iconografía ni ante los imaginarios colectivos, sino que juegan entre lo retórico y la creación poética.
Y por último cuéntanos, ¿cuáles son tus proyectos más inmediatos y cuándo estarán listos?
Ahora mismo estoy desarrollando el tema de mi tesis doctoral “Reciclaje de edificaciones abandonadas, para recualificarlas y adaptarlas a las necesidades de la comunidad”, a ver si por fin me centro y la concluyo. El tema es apasionante…por eso creo estar convencida de terminarla, paralelamente he estado trabajando en un  proyecto independiente  CorCollserola, el cual se ha generado a partir del tema de mi tesis y de mi experiencia en el barrio de Las Planas en el cual llevo habitando 3 años. Para saber más ver la web www.corcollserola.es.
Para contactar con Olga podéis hacerlo a través de sus páginas webs:
También podéis consultar su perfil en Linkedin y seguir todas sus novedades en su canal de Youtube.

Muchas gracias, Olga, por mostrarnos tu trabajo. Te deseamos mucha suerte con todos tus proyectos y seguiremos atentos a todo lo que hagas. 

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«El objetivo final de mi trabajo es crear imágenes con una belleza plástica que trasmita emociones.» Hilario Ranera

Retrato del artista Hilario Ranera

Músico callejero
Madeja
Elipse
Sensual
Art and Law by Calcó 08

Art and Law by Calcó 012

En la noche

Gitana

Jeroglífico

Hilario Ranera es un artista cuya obra hunde sus raíces en el arte más ancestral, ese que aunque hayan pasado decenas de miles de años nos sigue fascinando. Sus obras, como las de aquellos primitivos artistas, suponen una experiencia sensorial única para el observador. Líneas curvas y sensuales que nos recuerdan a un lenguaje largo tiempo olvidado y que se cruzan entre ellas creando una infinidad de planos imposibles,  colores fuertes que reclaman la atención de nuestra mirada y composiciones armónicas de una gran calidad estética definen la obra de este artista que contempla el mundo con la mirada de un niño que lo descubre por primera vez. Hilario Ranera es un artista de nuestro tiempo que crea obras intemporales y que nos recibe con la humildad de un genio que no sabe que lo es.
Hilario, cuéntanos en qué momento te diste cuenta de que el Arte era una parte
fundamental de tu vida y necesitabas crear para ser feliz.
Yo creo, que se nace con una facilidad para dibujar, algo innato, como se nace con cualquier habilidad para cualquier actividad. Después el artista se educa y desarrolla esas habilidades. Empecé desde pequeño a pintar, y tenía claro que quería ver mi vida desde una visual plástica, ligada al arte .Trazos, formas, colores, perspectiva, pinceladas, manchas,….. un mundo que te hace apreciar la belleza de diferente manera.
Toda tu vida la hipotecas y arriesgas todo lo que tienes, para dedicarte a vivir de tu pintura.
Ese término tan ambiguo que es la felicidad, no sé que te la da, pero como el amor, el dinero, satisfacción personal, o tu pintura, ayudan a ser más feliz, aunque también puedes sufrir, por no alcanzar tus metas.
 Tu obra tiene un colorido casi salvaje y al mismo tiempo muy armónico.
¿Cómo
surge? ¿ Planificas tu obra antes de comenzar a pintar o simplemente va surgiendo?
Mi pintura ha sido y es una evolución en formas y en color, buscando una identidad con mi pintura. Este estilo autodicta, es a la vez espontáneo, ya que creo imágenes como si fueran flash-back de la realidad que me rodea, pero desarrolladas con toda esa evolución plástica.
Hay un estado previo de formas y color, y a partir de esta idea desarrollas tu obra. La  fuerza del color, va por  épocas, depende del momento en el que te encuentres, estado de ánimo y la visión estética que quieras dar a tu obra.
¿Crees que es necesaria la belleza en el arte o se puede hacer arte sin
estética?
Todos estos términos, belleza, arte, estética, felicidad, son de una interpretación tan personal, que yo prefiero trasladarlo a mi lenguaje universal, que es mi pintura. Que transmita sentimientos independientemente de qué persona, de qué cultura, dónde se encuentre, sea capaz de decirle algo, transmitirle algún sentimiento. Mi pintura tiene una lectura narrativa, que invita a imaginarse historias.
Hemos visto que entre tus técnicas usas los medios digitales. ¿ Qué han aportado estos nuevos medios a tu obra ?
Por motivos de salud, empecé a trabajar formato pequeño, con tintas calcográficas, en mi estudio. A partir de estas tintas creo imágenes digitales, con todas las variaciones posibles, en color, tamaño, formato. Después intervengo con acrílicos, creando un monotipo, con todas las variaciones posibles que me brinda una nueva imagen digital.
Este acercamiento al arte digital, me ha descubierto un abanico de posibilidades en formato y en tamaño, creando una simbiosis entre fotografía  y pintura, que me es muy atractiva en planteamientos creativos y de reproducción de imágenes.
Estamos en el siglo XXI, y el lenguaje universal está en el soporte digital. Somos capaces de comunicarnos con cualquier persona de otra nacionalidad, y aunque no nos conozcamos de nada; intercambiándonos imágenes, música, palabras, y por qué no obras de arte, con la cantidad de posibilidades que te brinda de difundir tu obra.
 ¿Cuál es el objetivo final de tú trabajo ?
El objetivo final de mi trabajo, es crear imágenes con una belleza plástica que trasmita emociones.
Luego está la cruda realidad, que tienes que vender para vivir todos los días.
 A lo largo de todos estos años de carrera ¿ qué ha sido lo más gratificante ?
Creo que la pintura me ha dado muchos más momentos buenos que malos, siempre me he planteado la pintura como un reto personal, poniéndola por encima de todo. Sería una lista muy larga de vivencias, que siempre me han aportado buenos valores personales. Que a la gente le guste lo que hago, es mi mayor gratificación.
 ¿ Qué artistas son los que más han influido en tu trabajo ?
Picasso, Miró, Expresionismo americano (Jackson Pollock, Willem de Kooning),
cualquier vanguardia, el arte primitivo
Y por último siempre nos gusta saber en que proyectos estás trabajando actualmente y cuando podremos disfrutar de ellos.
Voy a hacer una exposición durante el mes de septiembre en la galería SKI GALLERIE (Barcelona).
Además de colaborar en los proyectos del grupo PRO ARTE Y CULTURA. al cual pertenezco, con el mecenazgo de Mayte Spinola, entre los que se encuentra la creación del Museo de Arte Contemporáneo, en el Palacio Ducal de Pastrana (Guadalajara). Además podéis conocer mi obra en los siguientes enlaces:
La obra de Hilario es dinámica, hermosa y contundente. Si queréis disfrutar de su trabajo no os perdáis la oportunidad de asistir a la exposición en la que participa junto con otros artistas y que se inaugura hoy en SKY GALLERY en Barcelona a las 20.00 en Cabestany 10. ¡Mucha gracias Hilario por habernos mostrado tu trabajo y mucha suerte con todos tus proyectos!

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«Pintar es un largo camino, lleno de retos y descubrimientos y el color es el que te permite conseguir distintas dimensiones dentro del cuadro. Si sientes el color puedes poner la luz del amanecer o atardecer  sin necesidad de verla. Es la creación en estado puro! Para llegar al color hay que sentirlo! Hay que  “dibujar“ antes  con color, pincelada a  pincelada. Creo en la técnica , pero es esencial el juego creativo, el reto de crear».




Retrato de la artista María Jesús Pérez Vilar


Amaneciendo mariposas
 2010
Acrílico. 40 x 40 cm


Alados
2010
Acrílico. 60 x 60 cm


La Amapola
2010
Tondo. Acrílico sobre papel. 60 x 60 cm


Contigo
2010
Acrílico. 60 x 60 cm


El sueño de la manzana
2010
Acrílico sobre lienzo. 37 x 25 cm


Mares como fresas
Acrílico sobre tabla. 60 x 80 cm


Copa para Cavafis
2010
Acrílico sobre lienzo. 24 x 16 cm


Dos latidos I
 2010
Acrílico sobre tabla. 40 x 50 cm


Dos latidos II
 2010
Acrílico sobre tabla. 40 x 50 cm
Alguien dijo de María Jesús Pérez Vilar que es una poeta que pinta aunque no escriba versos. Creo que pocas afirmaciones podrían haber descrito tan bien a una artista de una sensibilidad extraordinaria, dotada de un gran talento para encontrar la belleza en los lugares más insospechados y una fragilidad sólo aparente. Porque a pesar de su delicadeza no hay más que fuerza en su obra. En su paleta se alternan colores delicados con otros mucho más radicales pero siempre soberbios, armonizados sólo hasta el punto estrictamente necesario y de ella surgen formas suaves, redondas, femeninas pero al mismo tiempo rotundas, contundentes y siempre hermosas. 

María Jesús, ¿Cómo te diste cuenta de que el Arte era para ti una forma fundamental de expresión?
Desde  muy joven  quería atrapar las cosas que me rodeaban y que me gustaban, y la mejor forma de hacerlo era pintándolas. Si contemplaba las nubes rojizas de la mañana y quería atrapar ese instante para siempre… ese amanecer… lo dibujaba o lo pintaba. Siempre he sentido el deseo de trascender de lo que veía o sentía.  Creo que  el arte es también un juego y el artista nace siéndolo.
María Jesús, paseándonos por tu excelente blog donde nos narras la historia detrás de cada una de tus obras podemos leer versos de Keats, Whitman, Baudelaire, Lorca. …¿Qué supone para tu obra la Literatura?
Descubrí la Literatura junto con la pintura a edad muy temprana… todas las artes están unidas. La sensibilidad lo une todo… música… literatura… poesía. La Literatura  y más concretamente  la poesía, es esencial en mi obra. Me ha permitido sentir  otras vidas, tener otras visiones, ampliar mi visión del mundo. Considero que la poesía es el arte más sutil y exquisito  que existe.  Alguien ha dicho de mí que soy una poeta que pinta aunque no escriba versos .
Una de tus  series está inspirada en los celacantos  auténticos fósiles vivientes que vivieron en el Devónico (hace unos 400 millones de años) y que hasta 1938 se creían extinguidos. ¿Cómo surgió la idea de inspirarte en ellos para crear tu obra?
Tanto el vuelo de una paloma…una sonrisa… una flor…  un poema… pueden inspirarme, cosas muy variopintas   y a veces tan sutiles como el rastro de una huella sobre el césped…o el viento que agita una rosa…  
Hace unos años vi en el Museo de Historia Natural de Londres un ejemplar de celacanto en formol (parecía un Damien Hirst) me impresionó. Que un pez que se creía extinguido, un fósil viviente, nade libremente en aguas de algunos lugares  del mundo,  me resultó un acontecimiento único y especial .  Pensando en este (para mí ) mágico pez  hice una larga serie que todavía continúo a lo largo de los años. “Es un lugar aparte” dentro de mi obra, es una investigación plástica, un trabajo  más conceptual que me permite adentrarme  en lugares abisales, explorar texturas  y lugares nuevos.
El dibujo es uno de tus puntos fuertes. Tienen trazos suaves y delicados y nos descubren rostros dulces y melancólicos en tus tres series  “Verdad y Belleza”, “Medusa” y “La sombra del ciprés”.

Dibujar me permite “contar”una historia rápidamente, “escultorizando“ casi mi pensamiento en escenas. Dibujando muestro mi faceta más literaria.
La serie Verdad y Belleza está dedicada al poeta John Keats  y a su poema “Oda a una urna griega“, donde escribe sobre el tiempo, la belleza y el silencio.  El concepto último del poema es que  lo único que no puede dañar el tiempo es la eternidad. Los dos  versos finales de este poema son “La  belleza es verdad y la verdad belleza”…nada más se sabe en esta tierra y no más hace falta”.
En la serie Medusa doy una versión del mito a veces sarcástica, otras ironizando, y las más mirándola  más benevolente .
En la serie La sombra del ciprés juego con ambos elementos. El ciprés, porque  siempre está presente en mi obra y las sombras,  porque sin ellas no encontraríamos la luz.
Tu pincel tiene un colorido brillante y luminoso que, combinado con una pincelada meticulosa te permite crear volúmenes muy  marcados.  ¿Siempre ha sido así o es el resultado de la evolución de tu técnica?
Pintar es un largo camino, lleno de retos y descubrimientos y el color es el que te permite conseguir distintas dimensiones dentro del cuadro. Si sientes el color puedes poner la luz del amanecer o atardecer  sin necesidad de verla. ¡Es la creación en estado puro! ¡Para llegar al color hay que sentirlo! Hay que  “dibujar“ antes  con color, pincelada a  pincelada. Creo en la técnica, pero es esencial el juego creativo, el reto de crear.
Hemos visto que utilizas lápiz y carboncillo para tus dibujos. ¿Qué materiales utilizas para tus demás obras?

Utilizo óleo, acrílico, acuarelas, pasteles, dependiendo de lo que quiera realizar y del soporte a emplear. Normalmente empleo  el óleo sobre lienzo y los acrílicos sobre tabla o madera.
Tus tondos  son muy originales y arriesgados, ¿cómo surgió la idea de trabajar en este formato?
Suelo trabajar con formatos diferentes, salirme de los formatos tradicionales o habituales. Me gusta trabajar en formato muy horizontal o muy  vertical, o bien dividir un cuadro en partes, o pintar tondos .
Los tondos (obra en círcu
lo ) los trabajo desde que comenzaba . El tondo quizás se asemeja al ojo, al iris, al ojo de una cerradura por el que podemos mirar. En estas obras busco más la complicidad del espectador, es también donde mi obra  se hace más figurativa y personal.
El círculo también me permite atrapar y jugar más con  el espacio desde distintos ángulos y hace que mi obra tenga un aspecto más “aéreo“.
Y por último María Jesús, cuéntanos en qué estás trabajando ahora, cuáles son tus próximos proyectos y cuándo podremos verlos.
Actualmente estoy preparando una colección de mis dibujos (miniaturas) para hacer grabados y posteriormente  darles  color uno a uno. Este proyecto me ilusiona porque nunca he reproducido mi obra.
Para el mes de Abril o Mayo  preparo una exposición en La Casa Roja en Garachico, Tenerife.
***
Los versos de Keats, Baudelaire o Whitman casi pueden percibirse tras cada pincelada de la obra de María Jesús. Porque si aquello que leemos, de alguna forma, pasa a formar parte de lo que somos, también pasa a dar vida a las obras que creamos. La poesía también puede «escribirse» con colores sobre un lienzo.
Para contactar con María Jesús podéis hacerlo a través de su correo electrónico: blogmariajesus@yahoo.es
o bien a través de su maravilloso blog por el que da gusto perderse durante horas: 

¡Muchas gracias, María Jesús, por compartir con nosotros tu trabajo! Te deseamos mucha suerte y éxito en tus nuevos proyectos. Desde aquí estaremos atentos a todo lo que hagas.
¡Feliz jueves!
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

» Plasmar la vida, el pasado, el presente y el futuro que esperamos es el significado del artista.» 

Retrato del artista Hamilton Duque

Grabado V
Grabado
Marca
Grabado


Torso
Dibujo
Mano
Mano trofeo
Escultura

Bonsái
Piedras de amatista

Placa en plata

Trofeo

Huella

La obra de Hamilton Duque es una muestra de su enorme sentido de superación y de su fuerza interior. La combinación de piedras semipreciosas con otros elementos como la resina o la pintura suponen la integración de la Naturaleza con el mundo creativo del Arte. En sus dibujos destacan sus formas sinuosas y líneas limpias, siempre en la búsqueda de un realismo constante, sin un ápice de querer modificar la belleza de las cosas tal y como son. Esta es la visión de un artista que sabe mirar el mundo y ver su belleza en su estado natural y es capaz de plasmarla en su trabajo. El resultado es el sorprendente y emocionante. Conociendo a Hamilton no podía ser de otra forma. 


Hamilton, cuéntanos cómo te diste cuenta de que tenías un talento especial para el arte y que querías dedicarte a esto?
En Colombia en el colegio se me daban muy bien el dibujo, la pintura, física y los proyectos. Desde muy pequeño veía a mis familiares trabajando. Vengo de una familia de carpinteros, y en su tiempo libre también hacían trabajos artísticos y  a partir de ese momento ya tenía una inquietud, con 10 años cogía maderas y hacia tallas de nombres en llaveros  para amigos.
Cuando vine a España en el año 2000 tuve muchos trabajos de casi todo y en el 2004 conocí al escultor Agustín de La Herrán, al trabajar con el he aprendido muchas cosas,  por suerte es un escultor que le gusta siempre realizar sus obras  con todos los procesos, con lo cual aprendí que desde el dibujo hasta la finalización de la obra, todos los procesos son fundamentales
para el éxito. Me di cuenta que me satisfacía mucho el trabajo, se me daba bien, aprendía rápidamente, tenía dudas e investigaba. Entre todos mis trabajos este fue en el que verdaderamente supe que era al que me debía de dedicar.
¿Cómo te has formado, dónde has estudiado?
Yo estudie en Colombia programación de sistemas y contabilidad y licenciatura en educación física. En  España he hecho cursos de dibujo, pintura, modelado, vaciado; pero el mejor aprendizaje que he tenido ha sido por medio del escultor Agustín de la Herrán, también soy autodidacta porque profundizo mucho en los trabajos,  intento estar lo más informado posible sobre el tema y sobre las técnicas y métodos para realizarlo.
Eres pintor, grabador y escultor, ¿con cuál de estas facetas te encuentras más cómodo? ¿Cómo pasaste de la pintura a la escultura?
Realmente he pasado de la escultura a los otros métodos que son el dibujo, la pintura, la pátina y el grabado. Lo que más me gusta es modelar o tallar ya lo otro son secundarios que dependiendo el trabajo,  esta la necesidad ya sea de realizar un boceto por exigencia en dibujo o modelado, o pintar o grabar para darle el acabado a la obra.
En tus esculturas combinas resina con gemas y metales, ¿de qué depende que elijas unos materiales u otros?
Los materiales dependen, si son encargos del cliente, algunas veces elige cómo lo quiere. Cuando son obras personales, me gusta experimentar, investigar, y darme cuenta de todas las posibilidades que hay  para hacerlo, mezclo materiales extraños y veo la forma de mejorar la obra, siempre hago pruebas con la resina que es un material que se presta para muchas cosas y las piedras me fascinan, el tema de los colores y los metales, me gusta conocer las propiedades que tienen los minerales, porque el ser humano también necesita de la naturaleza animal, mineral  o vegetal y estar en contacto con ella y entre mas conozcamos las propiedades y beneficios de los materiales  podemos estar un poco mas conjugados con la existencia.
Retratos, la naturaleza y hasta el rostro famosísimo ya de Anonymous, ¿en qué te basas para inspirarte? ¿Cómo te llegan a la mente estos temas?
La vida misma es una obra, cada uno somos capaces de erigirla como Arte, tenemos la libertad de tomarla como buena o mala, pero siempre nos deja una enseñanza. Siempre estoy pensando en qué hacer, cómo hacerlo, dónde hacerlo, plasmar la vida, el pasado, el presente y el futuro que esperamos es el significado del artista.
Hay mucho realismo en tu trabajo, ¿no te tienta la idea de idealizar tus obras, de hacerlas parecer más bellas de lo que realmente son?
Un artista nunca termina sus obras, nunca las verá lo suficientemente bellas para darlas por finalizadas, cada día que las veo creo que tengo que añadir o quitar, aunque el resto de personas les parezca bien siempre quiero ir mas allá.
El realismo para mi es el presente, lo que tenemos, lo que somos; quiero que no solo veamos una mano, sino un gesto, una gratitud, un sacrificio. Muchas de mis obras representan una enfermedad, una lucha, un sueño o una ilusión.
Un artista tiene una evolución, sé que más adelante pueda tener otro estilo, la vida cambia cada día, el artista también debe de cambiar.
Nacer, crecer, madurar… que es lo mejor? Solo lo sabremos cuando nos demos cuenta de dónde esta nuestro corazón.
¿Cuál crees que es tu gran punto fuerte como artista?
El interés, la perseverancia, la creatividad y el esfuerzo que pongo en cada una de mis obras. Soy un fanático de los retos, me gusta ir hasta el fondo y hacerlo lo mejor posible.
Y por último, cuéntanos en qué trabajas actualmente y cuáles son tus proyectos más inmediatos.

Actualmente trabajo en el taller de Agustín de La Herrán, estamos realizando un relieve de 2 x2.50 m en mármol con resina y tenemos pendientes algunos proyectos.
En mi estudio estoy trabajando en un proyecto con un artista que es caricaturista colombiano “Turcios”; transformando sus dibujos en escultura, es un reto que me anima. Suelo tener encargos de retratos en relieve. Para un futuro tengo en mente poder realizar una exposición, “huellas”, donde quiero reflejar varias muestras de nuestra vida: como dejaremos  huella en este mundo, cuando ya no estemos.
***
Artistas como Hamilton Duque suponen la constatación de que en el mundo del arte no está todo dicho. Aún que da mucho por hacer, muchas técnicas y materiales con los que experimentar y con los que crear obras que, como en su caso, puedan conmovernos y llegar a lo más profundo de nuestro interior, justo donde arrancan las emociones. A eso se le llama Arte.
Para contactar con Hamilton Duque podéis hacerlo a través de su página web:  www.arteh.es
o bien a través de su perfil en Linkedin: http://es.linkedin.com/pub/hamilton-duque-cardona
Y para estar al tanto de todas sus novedades podéis seguirle en Facebook:
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;Muchas gracias, Hamilton, estaremos pendientes a todo lo que hagas. Te deseamos mucha suerte en tus nuevos proyectos, seguro que la tendrás.

¡Muchas gracias por haber compartido tu trabajo con nosotros!
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Conversando con Antonio Basso

22 diciembre, 2011 | Artistas contemporáneos, Entrevistas, Pinturas | No hay comentarios

«La elección de una composición, un tema, unos colores o un soporte por parte del artista es toda una responsabilidad pues las posibilidades son infinitas». Antonio Basso.
Atadura 1
Óleo sobre madera
81 x 61 cm

Atadura 2
Óleo sobre madera
44 x 33 cm
Atadura 9
Acríico sobre madera
73 x 100 cm
Atadura 8
Acrílico sobre madera
73 x 100 cm

Atadura 6
Acrílico sobre madera
81 x 61 cm
Crossroads 001
Óleo sobre lienzo
80 x 100 cm

Crossroads 002
Óleo sobre lienzo
50 x 100 cm
Crossroads 004
Óleo sobre tela
130 x 160
Serie IMON
Pasteles sobre papel
32,5 x 46 cm
Exposición en Barcelona
Algunas personas desprenden una ilusión y un entusiasmo, una fuerza espiritual y única que además, son capaces de transmitir a los que tienen a su alrededor. Este es el caso del joven artista Antonio Basso. Líneas rectas, colores soberbios y texturas que se funden entre sí en composiciones atrevidas y sorprendentes determinan una obra que lleva el sello del minimalismo trascendental de los  expresionistas abstractos americanos y el misticisimo y la espiritualidad de los maestros desconocidos del arte románico. Como un mago genial que aúna conceptos tan dispares en el tiempo como intrísecamente unidos por su significado, Antonio Basso crea un universo muy especial en el que cada trazo, cada pincelada, cada nudo nos hace mirar en nuestro interior en busca de respuestas.
Antonio, la primera pregunta es ya tradición en La Página Escondida, ¿Cómo llegaste a
la pintura, cómo te diste cuenta de que “necesitabas” pintar para expresarte?
Mi relación con la pintura se remonta a mi infancia y juventud. Siempre estuve rodeado de arte, fui un visitante incansable de museos y exposiciones, me apunté a varios cursos, y además empecé a coleccionar. Fue así hasta que un día hace ya 3 años decidí establecer una relación activa con la pintura. Quería ser algo más que  observador, profundizar en ella pasando al otro lado, y así empecé.  Desde entonces, y gracias a los consejos un gran amigo pintor y artesano, me sigo formando para desarrollar un arte comprometido con un estilo muy personal.
Tu obra me llamó la atención en cuanto la vi porque me recordaba a grandes artistas abstractos a los que he estudiado pero al mismo tiempo era algo completamente diferente. ¿Qué artistas son los que más te han influido? ¿Cómo entraste en contacto con sus obras?

Son varios los artistas que me han influido. Su arte, generalmente abstracto o conceptual, me llama más que el de otros. Es un arte muy personal, de mundos internos muy p
ersonal, que me obliga a hacerme preguntas. Soy un gran aficionado a comprar libros de pintura, y junto con las visitas a museos del mundo donde se encuentra su obra, galerías e internet, es lo que me ha acercado a ellos. Nombres como Diebenkorn, Pollock, Rothko, algunos minimalistas americanos de los 60,  Millares, Miró, y cada vez más Twombly con su mundo tan personal y su frescura en el lienzo. Además, siempre me ha fascinado el arte románico. Es fabuloso como esos artesanos remarcaban los contornos de las figuras, y hacían lo que hacían hace casi 1000 años con esa paleta tan limitada pero a la vez tan armónica, matérica y naive.
Tus obras con cuerdas en tensión de la serie TIES utilizando los bastidores como soporte me recordaron mucho a las pinturas con alambres y telas de Manolo Millares,  pero llevadas un paso más allá. ¿Cómo surge esta nueva forma de expresión? ¿Cuál es tu objetivo con esta nueva técnica?
La obra de Millares es un referente como bien dices. A partir de ahí, y partiendo de mis series anteriores Matrix ,Inside My Own Matrix y Crossroads, decidí simplificar, añadir más volumen a la obra y focalizar mi atención en un punto. Si observas mis pinturas anteriores verás que la repetición es una constante así como el concepto encrucijada (líneas que se cruzan en el plano unas con otras). Pues bien, focalicé mi visión y pensé que la cuerda como elemente matérico y simple me ayudaría. Probé varias veces hasta que conseguí un resultado que me gustó.. La cuerda es en sí misma tensión (concepto sobre el que baso estos últimos trabajos). Además su uso me permite crear composiciones que son sencillamente fantásticas pues trocean el espacio creando uno nuevo que antes no existía. Tienen un punto de magia, que las hace muy atractivas.
Tu background es un poco diferente al de la idea que muchos tenemos del artista bohemio, iconoclasta, que vive al margen de la sociedad para la que crea ya que has estudiado una carrera tradicional en universidades de reconocido prestigio y has trabajado en el mundo de la banca y la empresa privada. ¿Crees que eso puede dar un falso estereotipo de tu trabajo, que se analice tu obra con cierto prejuicio?
Me preocupa poco o nada. Cada cosa tiene su momento y su tiempo. Yo no pude empezar a pintar antes porque no me tocaba. Mi visión es que he tenido que ser todo lo que he sido hasta ahora para poder hacer lo que hago hoy. Gracias a mi pasado hoy soy lo que soy. Me quedan muchos años por delante (confío ) para poder seguir trabajando e investigando. Además, gracias a mi pasado puedo combinar la pintura con otros campos que también me interesan y que aportan sinergias a mi carrera artística.
Volviendo a tu técnica, ésta es muy variada, utilizas óleos, acrílicos,  pasteles…¿cómo consigues combinar  todos estos elementos de forma que el resultado sea tan armónico?

La verdad que no los combino. Cuando trabajo con óleos sólo trabajo con óleos, y lo mismo sucede con el resto de técnicas. Lo que sí intento, siguiendo los consejos de Xavier Ribas, amigo, gran pintor  y mentor, es ser comprometido con la técnica de cara a que la obra perdure y no se “deshaga” en trocitos con el paso del tiempo.
Centrándonos en la filosofía de tu obra, ¿qué buscas, qué pretendes, cuál es tu objetivo último cuando te pones ante un lienzo en blanco?
Esta es una buenísima pregunta. Si lo piensas un poco te das cuenta que la elección de una composición, un tema, unos colores, un soporte, etc…, por parte del artista es toda una responsabilidad pues las posibilidades son infinitas. Partiendo de esto, te diría que mis objetivos son varios. Me gusta entablar conversaciones con las obras pues ellas (cuando son válidas) me hablan. Me fascina el concepto de belleza y armonía, otra de las cosas que busco. También intento divertirme, pues creo que cuando lo hago el resultado es siempre mejor. Por último te diría que otro de mis objetivos es obtener un resultado que sea coherente con el concepto (abstracto) sobre el que esté trabajando en ese momento. Y ta chan!!. .
Antonio, coincido plenamente contigo en que el Arte debe ser bello, debe ser atractivo para disfrutar de su contemplación, aunque el concepto de “belleza” no tiene que ser el tradicional, al contrario, tenemos que reinventarlo continuamente. ¿Cómo logras crear la belleza de tus obras? ¿Planeas previamente el resultado,  cómo va a quedar o simplemente va surgiendo?
El concepto de belleza es algo tan personal que al menos para mí, es imposible de definir. Para mí la belleza tiene siempre un punto de serenidad y misticismo. La belleza cuanto más serena más bella. A partir de ahí, hay cosas que simplemente te gustan y cosas que no. Ahora bien, también te digo que la belleza es algo que se entrena siendo un atento observador de lo que te rodea. La naturaleza al igual que la intervención del hombre nos brinda muchísimos ejemplos cada día y en cualquier lugar. Sólo hay que fijarse.
Volviendo a tu pregunta, decirte que no suelo “planear” conscientemente  el resultado, aunque si estoy seguro que el inconsciente trabaja en ello. Lo que sí hago es escribir mis ideas en mis cuadernos y seguro que eso me ayuda.
Muchos de mis cuadros son el resultado de hasta 5 pruebas anteriores. Siendo esto así, cuanto más voy trabajando más me relajo delante del soporte, y eso hace que el resultado sea mejor. Hay que perderle el miedo al soporte en blanco!!!
Algunas de tus obras están expuestas en  depósito en las oficinas que VBB Abogados tiene en el espectacular Paseo de Gracia de Barcelona. ¿Cómo surgió esta oportunidad, qué os aporta a ambas partes?
Esta fue una gran idea. En VBB abogados querían decorar las paredes del despacho y querían hacerlo con pintura moderna que fuera coherente con el estilo de abogadas que son ellas (son 3 mujeres). Me propusieron hacerlo con mis series Matrix e Inside my Own Matrix  y lo hicimos. Con esta colaboración ellas tienen un despacho decorado como querían y yo tengo un precioso lugar de exposición permanente.
Y, por último,  Antonio, ¿cuáles son tus proyectos más inmediatos y cuándo podremos disfrutar de ellos?
Desde verano, acabada la exposición de Barcelona, me he concentrado en crear obra y he trabajado intensamente en la serie Ties (Ataduras). Quería tener un número suficiente de piezas que enseñar
a galerías y marchantes (algo que ya estoy haciendo). Además estoy desarrollando mi nueva web en inglés donde se podrá adquirir mi obra.
Voy a seguir trabajando sobre el concepto de tensión, espacio y materia.
También decirte que una de mis ilusiones sería moverme en el extranjero. El mundo es muy grande y hay países y lugares donde pienso que mi arte puede encajar muy bien. Si puedo viajar y exponer en ellos sería espectacular. Además, el año pasado me aceptaron en la NYSS, una escuela muy alternativa y comprometida de pintura, dibujo y escultura de Nueva York. Por motivos personales no puede asistir, y espero poder hacerlo en 2012.
Os mantendré informados tanto en mi web como en mis redes sociales, por ejemplo, a través de   Facebook:  www.facebook.com/yasoypintor
Para acabar quiero agradecerte esta entrevista tan completa que me has hecho y  felicitarte por todo lo que haces en tu blog.
Muchas gracias y hasta muy pronto.
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Alguien dijo que cuando alguien camina en el sentido de sus sueños todo el universo conspira para que éstos se hagan realidad. Escuchando las sabias palabras de Antonio Basso no me cabe duda de que así es, aunque, a decir verdad, en este caso el universo no lo tiene demasiado complicado. Su talento, su fuerza, su entusiasmo y su ilusión son armas muy poderosas que le acompañarán en su camino. 
Para profundizar en la obra de Antonio podéis acceder a su obra a través de este enlace donde tenéis una amplia información de su trabajo.
También podéis visitar su página web: http://yasoypintor.com/
Y si queréis estar al tanto de sus novedades y además compartir sus interesantes enlaces y aportaciones sobre Arte Contemporáneo podéis formar parte de su página de Facebook: https://www.facebook.com/yasoypintor
Muchas gracias, Antonio, por mostrarnos tu obra. Ha sido todo un placer aprender de ti y desde aquí seguiremos muy atentos a tus nuevos proyectos y avances. ¡Mucha suerte con todo!
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)