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«Se puede vivir sin arte pero no vale la pena.» 
Carlos Echevarría
Retrato del artista. Carlos Echevarría

Una mirada serena y limpia y una mente clara y abierta, amiga de decir siempre lo que piensa, se reflejan en la obra de este artista inconformista  e independiente. Su trabajo nos habla de una ruptura con los convencionalismos y las ideas preconcebidas que, sin embargo, no está reñida con la belleza. Al contrario porque, a través de una paleta casi exclusivamente en blanco y negro, Carlos Echevarría ha creado un universo particular y único donde los objetos cotidianos son mucho más que simplemente eso y donde imágenes con unas connotaciones muy concretas cobran, de repente, una nueva dimensión. Esta es la obra de un artista que, con su trabajo, nos incita a no dar nada por sentado…


Carlos, ¿puedes contarnos, cuándo sentiste que tenías que dedicarte al Arte?

Entiendo que el arte es una de las pocas cosas a la que vale la pena dedicar una vida, te ayuda a entenderla. Se puede vivir sin arte pero no vale la pena.

En tu paleta predominan claramente el blanco y negro, ¿por qué esta predilección?

El color debe estar al servicio de la “obra”. De todas formas en mi trabajo siempre  ha primado la idea, el dibujo, la composición, las texturas. Entiendo que en cada obra has de renunciar y poner el acento en algo.

Hablemos de tu técnica, vemos que trabajas sobre soportes muy variados, así como  que  sueles utilizar objetos cotidianos  ¿Por qué?

Cuando veo un objeto pienso en manipularlo, reciclarlo, en sus posibilidades, tanto a nivel conceptual como plástico. Es una forma de interactuar y reflexionar sobre las cosas que nos rodean, los objetos cuando les despojas de su función cobran otra dimensión que el artista puede utilizar como cualquier otra herramienta para expresarse.

Carlos, cuéntanos en qué estás trabajando actualmente, ¿cuándo verá la luz?

Soy muy ecléctico y a la hora de trabajar siempre tengo abiertas varias líneas de trabajos radicalmente distintas, tanto técnica como conceptualmente, lo que me permite dejar momentáneamente descansar de una obra y pasar a otra sin dejar de trabajar.

Estoy encantado y abierto a que mi trabajo vea la luz en todo momento, enseñarlo y comentarlo aunque no esté terminado, las opiniones y críticas de los demás siempre me resultan positivas, incluso las que entiendo menos fundadas. Quienes estén interesados en conocer mi obra, les invito a que visiten mi página web: www.carlosechevarria.es,

En ella también encontrarán la forma de visitar el showroom y/o contactar conmigo.

***

Lo mejor de trabajar en el mundo del arte es que no importa cuánto estudies, leas o investigues o cuántos museos, exposiciones o galerías visites. Siempre hay nuevas ideas, nuevos conceptos, nuevas interpretaciones que te hacen estar continuamente «desaprendiendo» y «aprendiendo». La obra de Carlos Echevarría es una clara muestra de esta maravillosa cualidad del Arte: no hay nada establecido para siempre y todas las ideas pueden ser adoptadas, desechadas o totalmente transformadas para dar vida a algo radicalmente nuevo. Gracias a artistas como él,  el Arte sigue vivo. 

Muchas gracias, Carlos, por compartir tu obra con nosotros. Te deseamos toda la suerte del mundo con tus nuevos proyectos a los que desde aquí estaremos muy atentos.


Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«Es la sangre de mis venas. La pintura y en general la creación es para mí  y ha sido siempre una necesidad y es inherente a mi personalidad.» Bibiana Ulanosky
Retrato de la artista Bibiana Ulanosky
Bibiana

Vestida con su cuerpo,

su cuerpo la golpea,

Desnuda en sus estatuas de cemento

su cuerpo la acaricia,

la descubre latiendo,

la reclama.


Y corre por un camino que brota

de sus propias pestañas.

Corre sin alcanzarse,

se persigue

más veloz que una ráfaga de noche,

más veloz siempre que sus propios pasos.

Estallan los copos de granizo debajo de sus lágrimas.

Se ríe, perseguida.

Alegremente escapa

dibujando en el aire que la busca

luciérnagas azules con ojos de diamante

(la luminosa y apagada imagen

de su propia figura)


Detenida de pronto,

suspendida

por una mariposa anaranjada,

se olvida del camino,

el camino la olvida.

Lejos esta el sonido de las campanas que la llaman al rito.

y sus alas de cobre la levantan.


Ani. 28.8.1972. (Ana Maria Shua )
Bibiana Ulanosky es así, justo como la describen estos versos de la poetisa Ana María Shua. Dinámica, atrevida, inquieta, divertida, audaz. Y todo esto es lo que podemos ver en su obra, una pintura vigorosa, de pincelada rápida, colores radiantes y formas contundentes que se van fundiendo unas con otras. O en su escultura, que expresa su forma de ver el mundo en movimiento, en un cambio continuo en el que las figuras parecen renovarse a sí mismas una y otra vez. Y sobre todo en su arquitectura que se traduce en espacios amplios invadidos por la luz natural y una amplia gama de  colores luminosos. Porque su obra nos habla de sus muchas facetas como profesional, creadora y, sobre todo, como mujer. 


Bibiana, tu obra es tan sorprendente como extensa: pintura, escultura, arquitectura…¿Cuándo te das cuenta de que tu creatividad va a marcar tu futuro?
Masculino 1. Grafito sobre papel. 1995
Desde muy joven me atrajo el transformar la materia, la arcilla, el cemento, el trabajo con volúmenes, posteriormente el color. Me he sentido cómoda en esta actividad.
Podría haberme dedicado a las matemáticas, pero me atrajo más el pensamiento artístico; aunque debo decir que es bastante complicado.
Cuéntanos qué has estudiado, quiénes han sido tus maestros en las distintas áreas a que te dedicas.

Mi primer contacto con una actividad creativa fue la cerámica, en el taller Vazquez-Malaga  en Buenos Aires Argentina; estos estudios fueron paralelos al cursado del  bachillerato universitario.  Yo contaba 13 años; aprendí el trabajo en barro, esmaltes, horneadas, etc.
Probablemente por esta experiencia decidí estudiar Arquitectura, en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, Argentina. Paralelamente a estos estudios inicié mis estudios de escultura en el taller de Leo Vinci, también en Buenos Aires. Leo Vinci era decano de la Facultad de Bellas Artes y enseñaba escultura en su estudio particular. También asistí a talleres de dibujo de modelo al natural.
Este periodo terminó en 1976 cuando establecí mi residencia en Madrid a causa de los acontecimientos acaecidos en Argentina.
Añadir leyenda

A partir de 1976 asisto a los talleres de modelo al natural del Circulo de Bellas Artes y en los años 80 a los talleres de Arte Actual impartidos por Rafols Casamada, Pablo Palazuelo y Antonio Saura, donde inicio la practica de la pintura. Paralelamente realizo mi trabajo profesional de Arquitecta y Urbanista.

Así mismo he asistido a cursos de filosofía y arte en el Circulo de Bellas Artes de Madrid y en otras instituciones.
El hecho de ser arquitecto ¿en qué sentido ha influenciado tu obra? ¿Eres una arquitecto que pinta y esculpe o una artista que crea espacios para la vida?
Los artistas me consideran arquitecta y los arquitectos artista.
Esto debe suceder por mi forma propositiva y por el desarrollo de la practica de creación en los distintos campos. En realidad yo soy un todo y mi trabajo es un resumen integrador de mi experiencia vital.
Tu pintura es terriblemente atrevida, llena de color y de formas sinuosas,  ¿cómo la definirías?
Es la sangre de mis venas. La pintura y en general la creación es para mi  y ha sido siempre una necesidad y es inherente a mi personalidad.













La mujer en tu pintura es un tema fundamental. Tus series “Ella”, “Mujer”, “Venus” y “Ninfas” son un claro ejemplo de la importancia que le concedes en tu obra. ¿Por qué esta presencia tan fuerte de la mujer en tu obra?
Porque soy una mujer. Es un sustantivo difícil de desarrollar y yo intento comprenderlo a través de mi trabajo, tratando de entender lo que yo misma me propongo con las imágenes que se plasman cuando trabajo.
La serie Ella son estudios de un cuadro de Tintoretto, “Joven mostrando un seno”, la idea de este trabajo surgió en una visita al Museo del Prado, en el taller con Antonio Saura, fue una sugerencia suya que he ido desarrollando a través de los años.
¿En qué momento de tu carrera llegas a la escultura? ¿Qué aporta a tu evolución como artista esta nueva forma de expresarte?
La escultura está en mis inicios, es el principio. Creo que ha sentado las bases de mi desarrollo posterior en todas mis áreas de conocimiento.
El vacío en contraposición con el espacio, las formas curvas y sinuosas y la utilización de varios elementos  forman parte de tu escultura para crear imágenes hermosas a la vez que inquietantes. ¿En qué te inspiras para crearlas, cómo surgen?
Me concentro en mi trabajo, y es el diálogo y la relación con el material lo que permite que surja un conocimiento que va mas allá de la realidad de uno mismo y que se expresa a través de los adjetivos que enuncias . Es muy difícil que esté “inspirada”, tampoco soy fantasiosa.
Espacios amplios y colores llamativos y alegres aparecen en tu obra arquitectónica, ¿es un resultado de tu trabajo en pintura o intentas separar ambas áreas creativas?
Es una concepción de la vida que expreso en diferentes soportes.
Y por último cuéntanos ¿cuáles son tus nuevos proyectos, dónde podremos disfrutarlos?
De momento tengo el gusanillo de transmitir mi conocimiento en el dibujo y pintura, pero todavía está muy verde.
***
Bibiana nos deja con ese aire de firmeza,  de seguir su camino, de pasar a su siguiente proyecto que desprenden las personas activas,  siempre en busca de un nuevo reto, de un nuevo desafío en que probarse a ellas mismas. Conocerla a ella y un poco de su obra ha sido todo un privilegio. Desde aquí, Bibiana, te deseamos toda la suerte del mundo con tu maravilloso trabajo, estaremos atentos a todo lo que hagas. ¡Muchas gracias!
Para profundizar en la obra de Bibiana Ulanosky podeís visitar su excelente página web, donde se exponen todos sus proyectos de arquitectura así como sus dibujos, pintura y escultura. Y sobre todo, no os perdáis el vídeo sobre estas líneas. 
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«Lo que realmente importa del discurso artístico y estético es lo que quieres decir, lo que realmente estás diciendo o transmitiendo con tu obra.»  Aurora Suárez

En La Página Escondida sentimos una predilección muy especial por los artistas comprometidos, que arriesgan, experimentan, buscan y descubren nuevas formas de expresión y sobre todo, se reinventan continuamente. Este es el caso de Aurora Suárez, una artista cosmopolita, con una amplia visión del mundo y unos profundos conocimientos de arte y crítica. Su obra es a la vez hermosa, provocadora, misteriosa y sutil. Cambia, se adapta, evoluciona y renace pero sobre todo refleja la personalidad inconformista y  atrevida de la artista que la ha hecho posible.
Retrato personal de la artista por Borja de Diego
Aurora, algo que siempre nos gusta saber en La Página Escondida es cómo descubriste tu pasión por el arte, tu necesidad de  “crear”. ¿Cómo fue en tu caso?
Sueño 
Cuando eres muy joven o apenas un niño sin conocimientos tus observaciones sobre el entorno suelen ser muy radicales, no hay dudas sobre lo que haces y simplemente lo haces…vas tomando conciencia a través de la acción de que en tu entorno hay cosas, actos que te gusta realizar y que te producen un bienestar interno, te incitan a repetir hechos. Descubres el placer que generan y continúas indagando y practicando lo que te gusta porque en el resultado estético o mental algo te interesa, o te atrapa dentro de un enigma  sin resolver y hay  también una gratificación final en el resultado que no puedes obviar porque te agrada. A lo largo de la vida te resistes a dejar de mirar el mundo con inocencia…
Ese principio del placer te lleva a experimentar nuevas situaciones mentales o plásticas que pueden resultar muy sofisticadas y que generan nuevos modos de pensamiento estético. Cuando el resultado se intelectualiza a través de las emociones que descubrimos en ello, aparece el hecho artístico… más allá de la estética y por supuesto más allá de la mera idea expresionista que te ha impulsado a realizar un boceto o una pintura se encuentran una mezcla de razón y de pasión conjuntas, aparentemente contradictorias y sin embargo complementarias , que no puedes disociar y que te impulsan a continuar.
Eres Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y también has realizado estudios de postgrado en Londres y Ámsterdam, ¿en qué manera crees que ha evolucionado tu obra gracias a esta formación internacional?
Astronomía Artificial print. Laboral Centro de Arte

Llegar a la universidad significó un cúmulo de experiencias positivas en los primeros años y la conformación de un sistema de autoexigencia para facilitar la posterior búsqueda e investigación , también, por otro lado supuso  el encontrar un modo de diversión a través de la creación y la experimentación.

Los estudios de postgrado significaron conocer desde la primera linea el escenario artístico internacional convivir junto artistas de todas partes del mundo con diversidad de inquietudes, con los que pude contrastar opiniones  y desarrollar o discutir trabajos.  Se convirtió en una experiencia personal muy interesante y en un modo de transmitir artísticamente esa experiencia global compartida con otros artistas , intensa en muchos aspectos.
Por otro lado la formación académica te ayuda a afrontar con seguridad el cuestionamiento sistemático del entorno y te genera una disciplina en la organización y en la formulación metodológica de plantear interrogantes
Flodded
Como artista  necesitas siempre crear estrategias para ampliar el ámbito meramente académico y promover recursos  de supervivencia ante un entorno  conservador  que se resiste a la novedad y se refugia en la seguridad que proporciona  lo conocido . El artista, soñador e inquieto por naturaleza, necesita superar sus ansias y asumir riesgos esenciales frente a lo ignoto, mientras crea, sin consentir que  esa conciencia crítica y retrógrada en muchos aspectos, del mundo ordinario, le paralice para imponer su racionalidad extrema o para acabar con toda posibilidad de sueño… El viaje y la formación internacional suponen una aventura transformadora, un proyecto vívido, un  cambio  de
miras y  el crecimiento de mi sensibilidad y mis recursos a la vez que me enfrenta a nuevas culturas, retos personales o nuevos modos de entendimiento y comunicación, estimulando la comprensión hacia la diversidad y  la diferencia.
Aunque comenzaste en el mundo del arte con la pintura pronto das un giro y comienzas a experimentar con la escultura. ¿Cómo tiene lugar este cambio? ¿Qué nuevas oportunidades de expresión te ofrece esta forma de arte?

Nunca he abandonado la pintura  ni el dibujo, pero es verdad que en determinado momento mi obra da un giro y se produce una necesidad personal de  concrección a través de un nuevo medio, es decir la materialización de la forma y de la indagación en el espacio real tridimensional, desde el object – trouveé o la comunicación de experiencias y percepciones más complejas.
Sin título
 Necesitaba saber que era capaz de enfrentarme a empresas de otra envergadura,  por su dimensión, volumen,  tamaño, peso, etc que significaban el planteamiento de problemáticas  técnicas o logísticas dentro de mi organigrama de producción artística cotidiana. Estos ejercicios van dirigidos a trascender el plano bidimensional, moverse hacia la tercera dimensión, transformando el modo en que producía mi obra, buscando la espacialidad. 
Todo esto llega a condicionar el modo de crear, haciéndome adecuar constantemente mi interés  a nuevos entornos, nuevas materias etc. Posteriormente se produce una transformación en la que se hace necesario despojarse, en parte, de la materia para deconstruir e introducir elementos más ligeros generando, igualmente, resultados artísticos , estéticos  y radicalmente novedosos en el ámbito de la creación artística contemporánea.  
Experimento, entonces, una fase de traslación de las soluciones escultoricas aplicadas a la pintura, con el resultado de un período en que se establecen mutaciones o  flujos entre las disciplinas, así, la escultura adquiere características pictóricas mientras que la pintura toma características escultóricas. “El Atelier fantástico”, Sala BBK, Bilbao 1991.
He buscado puntos de inflexión, sobre estos aspectos, en diferentes momentos. La Instalación sobre subculturas “Backstage & Images of noise” Pamplona 2003, confrontaba el arte sonoro y visual a la vez que reflexionaba sobre la cultura de la imagen.
En Laboral, “Tsentsaciones”,Gijón 2008 una de las lineas de trabajo se centra en confrontar paradigmas publicitarios con las mitologías del comic y el cine Gore, actualizando la mirada de la historia del arte y explorando la deconstrucción del deseo, o indagando  a modo arqueológico, en la memoria de un pasado industrial…el elemento fotográfico es así utilizado como soporte pictórico pervirtiendo su significado original.
Astronomía Artificial (TV)

La luz, el espacio y las texturas tienen una gran importancia en tu obra. ¿Cómo consigues organizar estos elementos de forma que  el resultado sea una obra de arte?


La luz, el espacio, las texturas; deliberadamente buscadas o seleccionadas pertenecen a la organización “gramática “ del lenguaje visual generando aspectos perceptivos que caracterizan a la obra. Siempre me han interesado. Es por tanto una cuestión sensible, de organización de la apariencia y existe una semiótica respecto a ello que organiza los elementos discursivos de la representación como instrumentos de la idea. Si situamos los aspectos clásicos a un lado y lo más relevante de la producción  de iconos al otro, observamos que van siendo filtrados, a la vez, en función del discurso – de lo que estás queriendo contar – .
Utilizo elementos nuevos que introducen nuevos usos lingüísticos, para mostrar una ficción y buscar entornos coherentes  con ella, o combinar todo tipo de técnicas para encontrar imágenes innovadoras y apropiadas relativas a la presentación.
 La acción consiste en valorar diferentes momentos de tus experiencias estéticas anteriores para condensarlas en nuevos interrogantes y propuestas  que hacemos al arte como creadores a través de los materiales , las imágenes, la memoria, etc. Se trata de seleccionar grandes temas clásicos pero trasladarlos a nuestra experiencia cotidiana, cosas accesibles a nuestra percepción y a veces difíciles de explicar pero siempre capaces de comunicar cierto tipo de belleza, de inquietud aunque el plus artístico reside en la perversión de los signos…en cómo son utilizados.
“En anteriores trabajos se ha seguido un proceso de investigación que reflexionaba sobre la imagen de consumo y su influencia en el lenguaje artístico, y, su repercusión en el ámbito popular que distinguía las categorías de alta y baja cultura. En la actualidad, este ámbito cultural queda igualado y capturo o selecciono imágenes de promociones mercantiles inservibles, generadas con objetivos claramente comerciales, para buscar o descubrir una plusvalía de carácter místico que se esconde en la estrategia de marketing”. (Psicogramas 2006. Bilbao )
El objeto cotidiano y su desmaterialización es un tema que encontramos a menudo en prácticamente todas las formas de tu obra, ¿cómo decidiste dedicarte a su análisis y su plasmación en tu trabajo?

Es de nuevo el efecto de la formación teórica y del método de indagación en que se apoya mi observación, lo que me lleva  a ampliar o expandir el campo de mi experimentación estética, a través del análisis, hasta el cuerpo social del arte. 

Los libros del muerto

Y viniendo de una básica formación europea, duchampiana y anticapitalista, sólo era cuestión de tiempo plantearse nuevas dudas  sobre el valor del arte y el acto y sentido del objeto artístico. No extraña el mostrar un interés crítico por los movimientos de acción política o social dentro del arte y su objetualidad, así como buscar el modo de separarse de la asimilación generada por el sistema. El miedo a recrearme en el estilo y a estancarme en lo formal introdujo el objeto real en mi obra, como elemento de ruptura a la manera de las primeras y segundas vanguardias del s.XX y con un sentido transgresor.

Hablando desde dentro del  marco de referencia de una sociedad ávida de nuevas ideas y a la vez con capacidad para absorber y desvalorizar el sentido alternativo o inmaterial de toda creación estética, a veces mediante un proceso de banalización, de fagocitación de la obra de arte y su valor intrínseco, bien convirtiéndola en mero objeto estético o bien en objeto de lujo, de consumo …
Pintura, escultura, fotografía, arte con las nuevas tecnologías…dominas varias técnicas a la perfección pero ¿con cuál de ellas te sientes más cómoda?

Para mí, tras mi experiencia en el extranjero, la frontera entre las disciplinas se diluye en modos y vias de expresión que se convierten en herramientas comunicativas, de tal manera que lo que realmente importa del discurso artístico y estético es lo que quieres decir, lo que realmente estás diciendo o transmitiendo con tu obra; por lo tanto perfeccionar disciplinas en uno mismo, significa comunicarse mejor a  través del arte , mostrando  habilidades , con el  pensamiento, sentimiento, sensibilidad y utilizando los  instrumentos más adecuados y en sintonía con el momento que vives o a la idea que expresas , con la experiencia…, en definitiva, transmitir  “el aquí y ahora”.
El tiempo constituye otro elemento transformador de la experiencia estética y es un regulador de la vigencia de la obra de arte como tal . Eso significa que hay obras “intemporales” o “transtemporales”, “efímeras” ,“eternas” …, que sobreviven a toda lectura a toda época porque su contenido está abierto a significaciones nuevas y es tan enigmático o ambiguo que se adapta a elllas y acaba sentando las bases de la “cultura vigente” o de la llamada “tendencia”.
A menudo colaboras con artículos para prensa especializada en fanzines como Sispi la Copa y  en revistas de arte como Artyco, Sublime, La Ruta del Sentido, Microfisuras…¿es fácil escribir crítica de arte cuando se es al mismo tiempo artista?
Inventario

En mi caso  han crecido a la par el desarrollo experimental de mi obra y la formación  postconceptual, que ha teñido de temas teóricos la investigación personal sobre temas artísticos . La problemática o drama de muchos artistas actuales que hacen un trabajo de interés y tienen una producción estimable, reside en no encontrar interlocutores válidos entre los críticos e historiadores del arte por lo cual su expresión no llega a ser valorada por el gran público, se queda sin presentar, sin llegar a su sentido final en el proceso de comunicación con el espectador, inexperto e interesado en el arte.

La prensa independiente es un medio que demuestra interés por artistas que están en el límite del sistema ,- aún no reconocidos completamente o no oficializados-. Estas revistas, fanzines, no suelen ser comerciales y me encanta trabajar con ellas cuando tengo ocasión porque me dan licencia para “pensar en otro idioma”, con otros parámetros. Es decir puedes expresar conceptualmente o coloquialmente aspectos estéticos de tu obra o la de otros,  mediante palabras  y no mediante imágenes como estamos acostumbrados y sin sufrir el temor a la “traducción” que  produce, en algunos casos, algunos  críticos embebidos en el formalismo histórico o filosófico que tratan de relacionarte con movimientos o teorías que quizá no tienen nada que ver en el desarrollo de tu obra y que en ocasiones sólo hacen despliegue de su erudición, a través de un texto construído para ti, mero pretexto de exhibición de conocimiento, que olvida el motivo central, presentar y transmitir la creación del artista.
Crystal Dark Portrait 2 (serie de 8 retratos)
La necesidad de explicarme en el mundo y de ser dialogante con el entorno me empujó a implicarme personalmente en todo lo que significan aspectos procesuales de la implementación teorica y práctica de mi creación… y  verdaderamente se ha revelado como un ejercicio de distanciamiento y de reubicación al mismo tiempo.
Además de tu labor de crítica y de tu trabajo como artista te dedicas a la docencia tanto en enseñanzas medias como en la Universidad, ¿te ha ayudado esta faceta a llevar tu obra a otros niveles?

La docencia ha significado en mi  proceso evolutivo personal, un compromiso con el aprendizaje y con la claridad personal , me ha ayudado por un lado a focalizar aspectos relevantes , dignos de ser transmitidos  y a huir de dogmatismos efímeros  que sólo son hijos de su tiempo y no sirven como concepto transtemporal.
La labor crítica es una práctica conceptual que te ayuda a distanciarte del acto de la creación y a reparar en aspectos sensibles e intelectuales desde una mirada “ajena”a la obra, y que t
e obliga a ponerte en el lugar del espectador. Sencillamente intento aportar a mi obra aspectos de los conocimientos adquiridos  durante los períodos de formación e investigación personal y detectar posibles vías estéticas para el desarrollo y expansión de las ideas que me han interesado o con las que he sido especialmente sensible.
Y por último, cuéntanos ¿en qué proyectos estás trabajando actualmente? ¿Cuándo estarán listos?

Corazón salvaje
Tras  un tiempo de realizar instalaciones fotográficas , pictóricas o sonoras he vuelto a pintar, en este caso retratos. Mi interés actual está basado en retratos femeninos pintados al óleo sobre papel, son retratos misteriosos, enigmáticos que evocan a Goya, al comic futurista, etc. Rebuscan en la imagen y experimentan nuevas aportaciones sensoriales con cierto contenido psicológico y espiritual, no están completamente definidas y ofrecen una sugerencia a gusto del espectador en un viaje por los conocimientos de la historia del arte  …….»Crystal Dark  Portraits», Krisis Factory, Bilbao (2011) -son retratos que sugieren imágenes recogidas en espejos negros y que funcionan como un foco o un ojo de buey donde el espectador y el retratado se observan mutuamente dentro de un círculo, una ficción. El reflejo no ofrece la totalidad de la imagen que acostumbramos a ver en un espejo sino una información fragmentada, como el recuerdo de un sueño, una secuencia apenas en el espacio- tiempo. El rostro aparece borroso o fragmentado, no es un retrato al uso y resulta misterioso.
En un futuro me gustaría combinar y explorar la obra actual, con nuevos medios tecnológicos , algo en lo que he hecho incursiones con  anterioridad  pero sin tener la suficiente base técnica para desarrollar una creación plena,  me gusta probar opciones con los materiales expresivos de la tecnología en desarrollo y mi intención es llevar al arte una especie de domesticidad cotidiana de lo tecnológico aplicándolo como concepto a las artes visuales,  pero sin olvidar los aspectos plásticos  de las disciplinas tradicionales pintura, escultura, instalación,fotografía…tengo la intención de usar las nuevas tecnologías con un sentido doméstico , poniéndolas a nuestro servicio mediante acciones cotidianas o pensamientos simplificados.
***
Tras conocer a Aurora nos quedamos con un mensaje muy alentador: en el mundo del arte no está todo dicho, no mientras artistas como ella continúen con su labor de llegar más allá, de adentrarse en nuevos caminos y seguir investigando y abriendo puertas a la creación artística, redescubriendo nuevas formas de expresión y de llegar a nosotros. Mientras existan artistas como Aurora el Arte seguirá vivo.
Para conocer un poco más del trabajo de Aurora Suárez podéis visitar su sala en Virtual Gallery o acceder a su página del centro de arte La Laboral.
Muchas gracias, Aurora, por haber compartido con nosotros tu tiempo y habernos explicado un poco de tu amplio trabajo. ¡Mucha suerte con todos tus nuevos proyectos!
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

«Me gusta que se vean bien las pinceladas en los cuadros, los realismos fotográficos no me interesan.  La manera en que aplica las pinceladas dice mucho del carácter de un pintor» Paco Navarro.
Autorretrato de Paco Navarro

Fuerza, intensidad y reflexión definen la obra de Paco Navarro. Una pincelada rápida, casi salvaje pero al mismo tiempo perfectamente controlada para definir el contorno de sus figuras y la textura de sus fondos. Y sobre todo, la luz, una luz radiante que inunda los rostros, los movimientos y el mar. Así es la obra de un artista que un día descubrió que no vivía la vida que realmente deseaba y tuvo el valor de cambiarlo todo. El resultado es sencillamente espectacular.

    Paco, en La Página Escondida  siempre nos gusta saber cómo fue ese momento en que te das cuenta que necesitas pintar para expresarte, que el Arte va a formar parte de tu vida. ¿Cómo fue en tu caso?
Mi interés por expresarme sin contar con las palabras llegó pronto, en el colegio, pero no fue la pintura, sino la música. Aprendí a tocar canciones folk y pop con la guitarra, y en COU empecé a escribirlas. Estudiando Derecho descubrí que la música me arrastraba sin remedio. Compaginé los estudios poniendo mi voz, cantando, en anuncios para radio y televisión. Al terminar la carrera me ofrecieron grabar un disco con nueve canciones mías.  
Representantes

El disco se grabó en Madrid, aunque por razones que no vienen al caso no llegó a comercializarse. Dejé la música, quiero decir, renuncié a dedicarme profesionalmente a ella, y la vida se me hizo muy cuesta arriba. Me colegié y ejercí la abogacía durante unos años que felizmente tengo olvidados. Escribí algunos cuentos, inventé unos juegos de cartas, y pinté los primeros acrílicos. Fueron esos primeros cuadros los que vinieron a salvarme. Como en los acordes de la guitarra, hay música en los tonos de los colores. Vendí algunas obras y cerré el despacho para volcarme de lleno en la pintura. Desde entonces no hago otra cosa que manchar lienzos y  tableros, y escribir música de vez en cuando para mi solaz.


         Tienes un estilo propio muy particular donde predominan los colores fríos y las líneas rectas que se cortan unas a otras con las que, sin embargo, eres perfectamente capaz de crear sensación de volúmenes, texturas  y profundidad. ¿Siempre ha sido así o has llegado a este estilo a través del tiempo? ¿Cómo era tu obra anterior?
No pasarán

Estos últimos cuatro años estoy pintando con plena dedicación, años en los que persigo sin descanso mi expresión personal.  Mucho antes, de forma esporádica pintaba óleos impresionistas, demasiado coloristas, y retratos a lápiz.  Estudiando la carrera en Madrid visitaba los museos. Aprendí mucho en el Museo Sorolla, en la calle Martínez Campos. Más que el color y la luz, me hipnotizaban aquéllas pinceladas limpias, decididas, constructoras.  

Me gusta que se vean bien las pinceladas en los cuadros, los realismos fotográficos no me interesan.  La manera en que aplica las pinceladas dice mucho del carácter de un pintor. Los azules, grisáceos, verdes y lilas predominan en mi paleta porque me reconfortan y me invitan a la reflexión. Además, el acrílico es de por sí un medio brillante que se acomoda bastante bien a mi gusto estético. Intento pintar con tonos cálidos, apagados, y la temperatura va bajando sin quererlo. Si intentara copiar la realidad sería más disciplinado con el color, pero me importa más la realidad que se crea en el cuadro,  y esa realidad, hoy por hoy, es fría.
Empopada
Con pinceladas rectas y veladuras con mucha agua compongo mosaicos geométricos, irregulares, imágenes un tanto desfiguradas que imagino reflejadas en espejos. A veces aprovecho retazos de colores y formas de un cuadro malogrado para utilizarlos en otro que pinto encima, y me dejo sorprender. Me fascinan la luz y la geometría de los vitrales policromados de las viejas catedrales.  
 Muchos artistas me dicen que aprendieron a pintar copiando a sus pintores favoritos, ¿cuáles son los tuyos?  ¿Han influido en tu trabajo?
Hay muchos pintores que me gustan
, pero mis favoritos, y los que sin duda me influyen, son: El Greco, Sorolla, Cezanne, Matisse, Franz Marc, Lucien Freud. Son pintores verdaderos que me abren muchas ventanas.
       Lo que más me ha llamado la atención de tu obra es la profundidad psicológica que consigues en tus retratos. Tu autorretrato  por ejemplo, contemplándolo casi podemos intuir tu personalidad. ¿Es importante conocer al modelo previamente o consigues sacar toda esa información que nos transmites sólo plasmando sus rasgos en el lienzo?
Retrato de Celia

Para mí es forzoso el diálogo con la persona retratada, no necesariamente durante la ejecución de la obra. Me gusta pintar a solas. Conocer a una persona, conocer su voz, sus gestos, el movimiento de su cuerpo, algo de su historia, es importante para elegir luego los colores, las líneas y las formas que me van a permitir identificarla en el lienzo. El parecido cabal, fotográfico, no es un factor decisivo para un buen retrato. Algunos autorretratos de Francis Bacon, por ejemplo, van mucho más lejos que las fotografías de Francis Bacon. Uno de los caminos que me tientan, de los infinitos que tiene la pintura, es el de retratista.

Retrato de Francisco

        A menudo tus personajes aparecen en movimiento pero reflexivos, como tus obras sobre tauromaquia  o tus golfistas. ¿No supone un reto extra el lograr esta combinación?

El movimiento es vida. Todo se mueve, y lo que no, lo mueve la Tierra en su trepidante viaje alrededor del sol. Hay otro movimiento, el de los seres vivos, un movimiento que es interior. El coro de sirenas de esta civilización tecnificada me seduce a quedarme quieto, porque el estado del bienestar aspira a dármelo todo hecho. Pero el estado del bienestar tiene que ser un punto de partida, un medio para hacer cosas, para moverse, no el paraíso adormecedor que intenta inmovilizarme por dentro. El movimiento que intento reflejar en mi pintura es el interior, y no me entorpece la reflexión porque sé por dónde me muevo. Voy por el camino de la pintura, y pinto rápido, me equivoco mucho, pero no me doy tregua. Algún día quizá sea capaz de pintar cuadros con un movimiento equilibrado. El movimiento y los colores fríos me mantienen despierto y alerta.
        El mar aparece a menudo en tus obras, ¿qué supone el mar como tema en tu trayectoria?
Dársena

Casi todo. El mar sustenta mi pintura de aprendiz incluso cuando no lo pinto. El mar hace mis cuadros fríos y azules. La Tierra no tiene color tierra, es azul ultramar. El viento se desplaza por la superficie del mar con total libertad, sin obstáculos. Cuando en alta mar no hay viento y las olas desaparecen es como si el mundo se acabara. (Me vienen a la mente dos imágenes terribles de la civilización tecnificada y del bienestar: el final de la película “El Show de Truman”, cuando el bauprés del pequeño balandro en el que el protagonista huye choca contra un cielo vertical, de mentira, pintado con nubes, y los experimentos con bombas en los archipiélagos de coral).  Pero la fría luz del cielo real sigue llegando a la superficie del mar, generando miríadas de reflejos vivos, mosaicos de cristales en continuo movimiento. No soy pintor de marinas convencionales. Mi pintura es marina. La tentación de la pintura abstracta me viene del mar.

Resistente

Otro gran tema que encontramos  es el mundo animal. La belleza salvaje de los lobos,  el movimiento sinuoso del delfín,  la fuerza del caballo….¿por qué forman parte de tu obra, qué te  atrae de ellos?
Los animales no son inocentes ni malvados. Se conducen por un crudo instinto. Pero los animales, sin saberlo, son maestros de la naturaleza. Me gustan porque son lo que son, no tienen dobleces ni conciencia del tiempo. Su existencia me confirma mi idea del paraíso. Sucede que la sociedad tecnificada se obstina en la creación de un mundo artificial para todos, acotando la naturaleza en parques protegidos y condenando a muchos animales a la esclavitud de vivir sin espacios. Tengo un par de retratos de mi gato. No lo traje yo a casa, fue mi hija. Me resulta difícil pintar a los animales, no me es posible dialogar con ellos, pero pintándolos me siento más próximo a la naturaleza.  Si Francisco de Asís hubiera sido pintor, hubiera hecho unos retratos fantásticos
de animales.
       Y por último Paco, ¿en qué proyecto estás trabajando actualmente? ¿Dónde podremos verlo?
Salto

El único proyecto en el que estoy inmerso desde que tomé la decisión de ser pintor es lograr una obra personal y honesta. Respecto a los otros proyectos, a los afanes en los que estoy metido para sacar rendimiento a mi pintura, te diré que me acaban de ofrecer  un contrato para colaborar con una cadena de hoteles en los que se vende arte. 

También parece que se está gestando una exposición individual para la próxima primavera aquí, en Murcia. Pero mis afanes son a corto plazo, ventas puntuales a clientes ocasionales, cuadros por encargo, y unos pocos que expongo en tiendas de decoración (que con la maldita crisis van cerrando).

De vez en cuando algunos se van a
 extranjero con una galería de Madrid. Si hay alguien interesado en ver lo que hago tiene que acudir a mi blog. Ahí lo subo todo, incluso obras que ya no se pueden ver, al haber pintado encima de ellas una, dos y hasta tres más. Las dejo para recordar cómo no debo pintar, para aprender de mis errores (en mi blog no hago política: no oculto nada). Lo cierto es que ignoro en qué cuadros se encuentran otros que ya sólo pueden verse en el blog. Algunos desconozco si los vendí o quedaron errados y ocultos debajo de otros, porque no los encuentro. Lo digo ahora: de cada tres cuadros que pinto salvo uno. Me queda mucho por pintar, es verdad.

Retrato de mi gato

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Cuando Paco me comentó que sólo llevaba cuatro años pintando casi no me lo pude creer. Mi trabajo me ha permitido conocer a muchos artistas y estudiar su evolución pero nunca había visto algo así porque Paco, sobra decirlo, tiene un dominio excelente de la técnica pero sobre todo posee un estilo tan personal y tan definido que lo normal es que le hubiera llevado muchos más años llegar a él. Pero cuando charlando me cuenta su historia todo se ve más claro. Es necesario poseer una gran madurez (y ésta no siempre viene con la edad) y mucho valor para dar un giro radical a nuestras vidas y esto es, claramente, lo que refleja su obra: confianza, coraje, un profundo  autoconocimiento y, sobre todo, el íntimo deseo de ser digno y honesto con el mundo que le rodea pero también, y muy especialmente, consigo mismo. Y esto, sin duda, lo ha logrado.
Para conocer a fondo la obra de Paco Navarro y ver todas sus nuevas obras podéís visitar su blog.

Paco, mucha suerte con tu trabajo y con tus nuevos proyectos, muchísimas gracias por haber compartido con nosotros un poco de tu trabajo y de tu historia.

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)


«El dibujo es el esqueleto de casi todas las obras de arte, es la parte fundamental, son los cimientos, la columna vertebral… El dibujo son los trazos que rompen el vacío al que te enfrentas en un lienzo en blanco. Es el negro sobre blanco.» Isabel de Clemente.

La artista Isabel de Clemente durante su actuación en un happening inspirado en el Moulin Rouge del París de la Belle Époque.

África. Acrílico sobre papel.
Tormenta. Técnica mixta sobre papel.
El Capricho. Acrílico sobre tabla.
Medusas. Acrílico sobre lienzo.
Tener pájaros en la cabeza. Tinta sobre papel.
Dinner is served. Acrílico sobre tabla.
De vuelta a casa. Acrílico sobre tabla.
Entre caminos II. Técnica mixta sobre madera.
Madre e hija. Técnica mixta sobre papel.

Isabel de Clemente es una chica joven que nos sorprende con una radiante sonrisa que parece iluminarlo todo a su alrededor. Su obra, sin embargo, revela una mirada profunda, reflexiva y sabia, propia de una mujer que hubiera vivido mil años. En su trabajo se alternan colores fuertes y llamativos, casi fauvistas,  con  formas contundentes y tonos casi pasteles combinados sutilmente para crear figuras apenas insinuadas. Cada pincelada de Isabel nos habla de su sólida formación, de su temprano talento y de su forma de ver la vida, dibujada por trazos que se entrecruzan tejiendo nuestros destinos. ¿Quieres conocer a Isabel, y descubrir la belleza y la filosofía de sus obra? No te pierdas la entrevista que ha tenido la gran amabilidad de concedernos.

          Isabel, ¿cómo descubriste que el arte era para ti mucho más que una simple afición? 
     Comencé a pintar con 5 años cuando mis padres nos apuntaron a mi hermana mayor y a mí a unas clases de pintura los sábados por la mañana. Allí gané mi primer premio, quedé la primera en la categoría infantil y me regalaron algo que aún conservo: un maletín de madera con pequeños tubitos de pinturas al óleo, carboncillos, espátula, paleta y demás material de pintura. Por supuesto, ya no me queda nada del material excepto el maletín y la espátula, que espero conservarlos siempre.
Cuando tenía ocho años ce
rraron el lugar al que acudíamos cada sábado y entonces sólo pintaba en el cole y en casa. Pasaron cuatro años cuando, un día esperando un autobús con mi madre vimos el anuncio de una nueva academia cerca de casa, al día siguiente ya estaba apuntada con ellos. Desde entonces he tenido la suerte de pintar en distintas academias, pasando por la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y aprender de cada profesor y cada compañero distintas cosas, métodos, técnicas…
El arte pasó de ser una afición a ser un motor para mi vida hace muchos años. Muchas veces elijo los destinos de vacaciones dependiendo de los museos que haya en ellos. Bajarte de un avión o de un tren e ir directamente a las taquillas del museo o servicio de guardarropía para dejar las maletas y poder empaparte de las obras que cuelgan en sus paredes es algo emocionante para mí. Hay obras que hacen que el corazón te lata más fuerte, hay obras que te entristecen, hay obras que no sabes cómo las hizo su autor, hay obras que no se escapan de tu cabeza nunca y lo mejor de todo es que siempre te faltan obras por ver.
     Viendo tus dibujos está claro que es uno de tus puntos fuertes y que lo dominas con materiales muy diferentes como el lápiz, la tinta o el carboncillo. ¿El dibujo es siempre la base de tus obras? 
      El dibujo es el esqueleto de casi todas las obras de arte, es la parte fundamental, son los cimientos, la columna vertebral…El dibujo son los trazos que rompen el vacio al que te enfrentas en un lienzo blanco. Es el negro sobre blanco.  Es cierto que en otro tipo de obras, de mayor carga material y/o pintura busco composición y plasticidad y no le doy importancia al dibujo como tal, al dibujo de líneas. En esas ocasiones busco un tipo de dibujo de formas geométricas, de pesos, de llenos y de vacios… aunque al fin y al cabo, supongo que nunca deja de ser dibujo.  
     Hay muchas personas que sostienen que el mundo es pura matemática, no lo discuto, sólo que yo pienso que es dibujo. Está claro que el dibujo es una suma de líneas, así que también se puede englobar en las matemáticas. En la universidad tuve un profesor de dibujo en segundo que decía cosas en clase que nunca olvidaré, aunque en su momento no las entendía bien. No quería que usáramos goma de borrar, ni gamuzas de piel para el carboncillo. Decía que no teníamos que borrar las líneas que no nos gustasen, sino que teníamos que hacer otras que lucharan con ellas, más fuertes quizá. Supongo que con los recuerdos sucede algo similar. Años más tarde al ver dibujos del cuerpo humano de Miguel Ángel en Florencia entendí sus palabras perfectamente. Creo que logré aplicar aquella lección en mis obras, nunca como Miguel Ángel, eso está claro.
Hubo otro profesor de una asignatura teórica, mi favorito de la universidad, que también veía dibujo por todas partes: en las formas que va haciendo el humo, en las arrugas del cuerpo humano…Éste se le asemejaba a un mapa, un mapa de nuestra vida, en el que la suma de arrugas, cicatrices y demás  era el índice de nuestro paso por ella. También sostenía que al caminar vamos creando líneas por las calles, trazos invisibles. Tanto es así, que para él morirse es desdibujarse, porque nuestros contornos se deshacen, desaparece nuestra piel y con ella el mapa de lo vivido.  Nunca olvidaré sus clases magistrales que tanto invitaban a reflexionar.
        En tu pintura se alternan obras donde predominan los colores fuertes con otras donde destacan las tonalidades en tonos pastel. ¿De qué depende que te decantes por unos colores u otros…tu estado de ánimo, la evolución de tus obras….? 
    En mi caso, los colores elegidos suelen ir unidos a la temática de la obra. A veces relacionamos canciones a momentos, nombres a caras o caras a nombres, olores a lugares o personas…son ese tipo de uniones, de parejas que nadan en nuestros subconscientes las que me hacen decantar por unos colores u otros. Por otro lado, crear obras es una constante búsqueda, es algo infinito, pienso que esa es su magia, lo que te engancha. Por ejemplo, en ocasiones puedes probar a crear algo alegre con colores oscuros o viceversa, como un reto. También me obligo a usar distintas gamas de color para no encasillarme en mi predilecta y así hacer nuevas búsquedas.
           ¿Cómo llegaste al grabado? ¿Qué ha supuesto para tu obra iniciarte en esta nueva técnica?
      Estudié un año de grabado en la universidad, conocimos las distintas posibilidades de esta técnica con varias obras propias. Me gustó mucho elegir esa asignatura porque ahora cuando veo grabados en museos o exposiciones entiendo mejor los pasos que dio el autor para acabar sus obras. Con el grabado se consiguen distintos efectos que con la pintura, aunque luego puedes intentar crear con pintura los resultados que conseguiste en grabado y viceversa.
   Todas las manifestaciones artísticas pueden alimentarse y apoyarse entre ellas y esto es muy enriquecedor. Sí que es verdad que tengo mucha menor cantidad de grabados que de pinturas y dibujos ya que es una técnica muy meticulosa, laboriosa y lenta. Me gusta mucho poder retocar lo que estoy haciendo con inmediatez. Un mismo cuadro en un día puede cambiar totalmente, me encanta que lo que estoy haciendo tenga gran capacidad de transformación y esto es algo que el grabado no te permite.
     Muchos pasos dados en grabado son irreversibles. En grabado se parte del blanco y vas hacia el negro, puedes siempre oscurecer, pero no aclarar. En esto la técnica del grabado es similar a la acuarela, sólo que en la acuarela no hay interm
ediarios entre tu obra y tú, salvo tu mano, pinceles, esponjas, trapos…En cambio, en el grabado los ácidos en los que hay que sumergir las planchas pueden jugarte una mala pasada si no mides bien los tiempos. Aunque en mi taller hoy en día no dispongo de los materiales necesarios poseo la gran suerte de tener un amigo que me ha ofrecido espacio en su taller y usar su tórculo para hacer más grabados, así que lo más seguro es que vuelva a trabajar con esta técnica en alguna ocasión.
       En el año 2000 fuiste seleccionada en la XVI Edición Premio de Pintura L´ORÉAL y dos años después en el  XIV Certamen Nacional de Pintura Rápida Parque de El Buen Retiro. ¿Qué han supuesto estos reconocimientos en tu carrera? 
    Han supuesto una gran alegría para mí y la gente que me quiere, al igual que lo supuso mi primer premio en categoría infantil mencionado anteriormente. Alegra mucho ver que los profesionales del mundo del arte que componen los jurados de los certámenes valoran positivamente tu obra y te seleccionan, también hace mucha ilusión tener en la estantería de casa los catálogos con la foto de tu obra seleccionada y tu nombre en ellos. En aquellas ocasiones además, tuve el gran privilegio de tener colgados cuadros en dos edificios emblemáticos de Madrid: el Conde Duque y Casa de Vacas.
      En 2010 algunas de tus obras fueron seleccionadas para formar parte del escaparate que resultó ganador en el II Concurso Nacional de escaparates Surkana,  lo que aportó  más visibilidad y proyección a tu trabajo. ¿Crees que existe una relación entre Arte, Escenografía y Escaparatismo?
    Seleccionaron mis obras para formar parte del escaparate Surkana que resultó ser ganador del II Concurso Nacional deescaparates Surkana 2010 y fue una experiencia que me gustó mucho ya que se unieron dos mundos que me encantan: la pintura y la moda.
    Por otro lado me encantaría trabajar como escaparatista también, creo que se me daría genial, el problema es que no tengo ningún título como tal. Sí que es cierto que en la universidad estudié un año de escenografía y encuentro similitudes entre la escenografía y el escaparatismo, por supuesto salvando la enormes diferencias que hay entre ambas. Lo primero es que el tamaño de un escenario no tiene nada que ver con el de un escaparate, por grande que este fuera. Lo segundo es que en un escenario hay que contar con el movimiento de actores y su peso sobre los distintos elementos de atrezzo y también con el movimiento del escenario en sí mismo o de sus elementos mientras que el escaparate es algo estático y lo tercero es que un escenario ha de ser acorde a la representación que tendrá lugar en él mientras que en un escaparate hay mucha mayor libertad temática. En común tienen que ambos presentan elementos tridimensionales con los que hay que llenar un espacio y un público que lo contempla desde el frente. Sí creo que hay una estrecha relación entre Arte, Escenografía y Escaparatismo y estaría muy contenta de participar en proyectos futuros que aunaran estos tres elementos.
         Hoy en día lograr exponer es una misión casi imposible para muchos artistas, tú lo has logrado con una buena acogida en varias exposiciones a nivel nacional. ¿Qué te ha aportado esto a tu carrera? 
     Siempre se mira el curriculum del artista, al igual que el de cualquier persona que se presenta para la vacante en una oficina. Es algo complejo, ya que desde el primer momento suelen pedirte  experiencia y claro, no es algo innato. Por suerte, siempre hay alguien que te da una primera oportunidad. En mi caso la oportunidad me la brindaron dos concursos públicos con 18 y 20 años. Con 18 años hice un cuadro conjunto con unos compañeros de la academia en la que pintaba entonces. Nos dividimos en varios grupos y presentamos los distintos cuadros al concurso de pintura L’Oreal. Mi grupo fue el único afortunado de la academia en ser seleccionado, nos pusimos muy contentos. El día de la inauguración fue espectacular, con 18 años ver un cuadro tuyo colgado en una de las salas del gran edificio Conde Duque fue impactante, el cocktail de la inauguración en el patio del Conde Duque tras el discurso del alcalde del momento, Álvarez del Manzano, también lo fue.
     Dos años después participé por primera vez en el concurso de pintura rápida del Parque del buen Retiro y también fui seleccionada. Fue genial ver un cuadro que había hecho solamente yo colgado en una de las paredes de Casa de vacas, me dio seguridad ver que también en solitario tenía buena acogida mi obra. Pienso que además de aportarte felicidad y confianza en lo que haces te aporta oportunidades para futuras exposiciones ya que enriquece tu curriculum.
     Y por último Isabel, cuéntanos en qué proyectos estás trabajando actualmente. ¿Cuándo y dónde podremos verlos? 
       Actualmente estoy trabajando
en tres obras que podréis ver en la galería Al Marge espai d’art, sita en el casco histórico de Xàbia (Virgen del Pilar 9) desde el 7 de diciembre hasta el 5 de enero. Será una exposición muy interesante en la que podréis encontrar escultura, pintura, grabado y fotografía de más de cincuenta artistas. En esta exposición curiosamente vuelven a unirse arte y matemáticas ya que los artistas crearemos 3 obras especialmente para esta exposición con la peculiaridad de que el tamaño tiene que ser 30×30 y en el caso de las esculturas 30x30x30. Será una exposición especial que tendrá lugar en unas fechas también especiales como lo son las navidades. Esperamos que vayáis por allí aprovechando los festivos de diciembre y las vacaciones de navidad.
   
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      Personalmente valoro mucho que un artista esté continuamente reinventándose, afrontando nuevas técnicas y creando obras totalmente distintas unas de otras. Este es el caso de Isabel que, a pesar de su talento en todas las disciplinas y materiales que nos ha mostrado aquí continúa investigando y avanzando con una mentalidad fresca y abierta. Como bien dices lo mejor del arte es que siempre te faltan obras por ver y desde aquí, Isabel, seguiremos atentos a tus nuevas creaciones.  
     
       Para profundizar en  la obra de Isabel de Clemente y contactar con ella podéis visitar su muy recomendable web: www.isabeldeclemente.com

       Desde aquí Isabel, te deseamos muchísima suerte con tu trabajo y tus nuevos proyectos. ¡Muchas gracias por haber compartido un poco de tu obra con nosotros!

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)