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El artista Juan José Sebastían Hernanz en su estudio


Septiembre y oro III. 2011

Septiembre y oro IV. 2011
Tormenta de plata II. 2011
Plata y azul III. 2011

Niebla y planta. 2011

Niebla y plata II. 2011

Plata y azul I. 2011
Plata y azul II. 2011
Cuando me llegó la obra de Juan José Sebastián Hernanz me quedé varios minutos absorta contemplando la pantalla de mi ordenador. Sus imágenes tenían un color tan intenso, unas formas tan sutiles y una textura tan marcada que el resultado me pareció de una belleza exquisita y etérea. Me encantan los tonos dorados que casi evocan las atmósferas de los lienzos de Rembrant y el resultado romántico de las mezclas de azules, grises y plateados. ¿Quieres conocer cómo Juan José da vida a su espectacular obra? No te pierdas la entrevista que ha tenido la amabilidad de concedernos a la Página Escondida. 
Juan José, cuéntanos en primer lugar ¿cómo empezó todo, cuándo te diste cuenta de que el arte formaba parte de tu forma de ver el mundo? 

Todo empezó a los dieciséis años en la Escuela de Artes y Oficios de Segovia, entre 1981 y 1982. El segundo año comenzamos abandonando la figuración y trabajando a partir del color y la abstracción. También visitamos varias exposiciones (Arco 82, Piet Mondrian y Joan Miró). Justo ahí, empecé a tener la necesidad de expresarme; preparando, pintando mis propios cuadros, disfrutando del color y aprendiendo varias técnicas. Aunque desde muy pequeño siempre me gustó mucho dibujar y siempre tuve facilidad para el dibujo y la pintura. 
  Eres licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de grabado, ¿qué influencia tiene el grabado en tu obra pictórica? 
 El grabado me ha aportado gran cantidad de ideas, que luego he pasado a la pintura, y viceversa. Cuando en un primer momento intentas llevar una idea pictórica a un grabado, en muchas ocasiones el resultado aporta aún más ideas de las esperadas. Actualmente trabajo con plateados y dorados mezclados con el color y la fotografía es incapaz de apreciar esos matices. 
 Juan José, de tu obra me ha impresionado mucho los colores luminosos y soberbios de tu paleta, cómo los combinas entre ellos y la textura que consigues. El resultado es estéticamente muy hermoso, ¿es la belleza una de las finalidades de tu obra o es simplemente una consecuencia de tu técnica? 
Están íntimamente ligadas: por un lado el manejo de la técnica te ayuda y te aporta ideas nuevas, que a su vez hacen que la obra sea más verdad, más bella. Aunque en un primer momento parto de un caos, poco a poco se van ordenando y construyendo. En muchas ocasiones el riesgo es tal, que la obra casi está perdida, hasta que ves como solucionarlo y el resultado, en la mayoría de los casos, es aún mejor que el esperado. Siempre procuro crear imágenes desconocidas y visualmente atrayentes.
La abstracción y las formas rotundas son muy importantes en tu obra. ¿En qué te inspiras para crearlas?
En este momento tomo las ideas de las imágenes sobre la naturaleza que me sugiere la obra. Me interesan mucho todas las formas, texturas y colores que se crean y transforman constantemente en el cielo que nos rodea y que habitualmente no prestamos demasiada atención. También me interesan las imágenes aéreas, como por ejemplo la fotografía de Yann Arthus Bertrand, las imágenes de la atmósfera tomadas desde la estación espacial, las imágenes de Marte o las nebulosas. Si bien antes me interesaba la textura de la tierra, la madera, etc, ahora me encanta la textura de diferentes cielos, el agua, la niebla ó las tormentas . Cuando la naturaleza se desata y se muestra en estado puro; Ahí el hombre es como una mota de polvo en la inmensidad. Planteando la idea de admiración y respeto a todo lo natural. 
 A lo largo de tu dilatada carrera has sido seleccionado en distintos premios; entre ellos el prestigioso Premio Nacional de Grabado en 2005 y en pintura el Premio Villa de Madrid en 2001. Además del reconocimiento a tu trabajo, ¿qué han supuesto para tu carrera el haber sido seleccionado para esas exposiciones”? 
Siempre que es una gran satisfacción que tu trabajo sea reconocido. Estas selecciones te ayudan y hacen más fácil el camino. 
 Analizando tu obra he visto una gran evolución sobre todo en los últimos años. Tu paleta se aclara, se hace más luminosa y potente y se llena de color. ¿Cuáles creen que pueden ser las causas de esos cambios?
El hecho de ser padre y el mundo de la infancia, creo que me ha cambiado en gran medida; si bien antes trabajaba el mundo y la memoria de mi infancia (en pasado), ahora la visión del paisaje me hace mirar al futuro. 
Dime tres artistas que de alguna forma hayan influido en tu obra. ¿Podemos intuir su “mano” en tus obras?
Lo cierto es, que he ido pasando por diferentes estilos hasta llegar a la obra de los noventa, donde me interesaba mucho lo obra de Tapies, Chillida o los expresionistas americanos. Ahora continúo partiendo de una abstracción automática hasta llegar a los actuales resultados. El paisaje siempre me interesó; la pintura holandesa del XVII, la realista francesa, la impresionista y postimpresionista, pero realmente mi modo de trabajo parte del expresionismo abstracto aunque mis últimos resultados tienden a la figuración. Actualmente no sé si puedo decir solo tres nombres; sí puedo decir que en mi estudio solo tengo colgados carteles de tres pintores; Rembrandt, Goya y Picasso. 
En 2004 participaste en una exposición muy especial: “El temblor en la mirada” una muestra benéfica destinada a recaudar fondos para la lucha contra una terrible enfermedad, el Parkinson. ¿Supuso esta experiencia algún cambio en tu carrera o en tu vida personal? 
Fue una exposición con obras donadas por los artistas y por mi parte solo tengo palabras de agradecimiento y admiración a Jesús Mazariegos. 
 Has realizado exposiciones en lugares tan lejanos como Corea y Japón. ¿Cómo ha sido aceptada tu obra por culturas tan diferentes?
Bastante bien, son culturas muy diferentes a la nuestra pero les interesa nuestro arte, al igual que a nosotros el suyo.&nbsp
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 Y por último cuéntanos en qué proyecto estás trabajando actualmente y cuándo podremos disfrutar de él. 
 Actualmente no dispongo de todo el tiempo que desearía para trabajar en mi estudio, pero mi obra es más pausada y meditada que antes; los últimos trabajos son de pequeño formato y quiero trabajar ahora obra de gran formato. También he de pasar estas ideas al grabado y a la tercera dimensión; bien en forma de relieve, escultura ó instalación, esperemos que haya buenos resultados. Estoy buscando nuevas galerías y espero plantear pronto nuevas exposiciones y proyectos.
****
Juan José no sólo posee una técnica concisa y depurada sino también, y sobre todo, una mirada paciente y observadora que le permite mirar al cielo, al mundo de la infancia y a nuestro alrededor más inmediato y transformar lo que ve en una obra única, especial, inesperada y bella.
Para contactar con Juan José Sebastián Hernanz podéis hacerlo a través de su perfil en Linkedin o bien visitando su página web: www.sebastianhernanz.com donde podréis acceder a una amplia retrospectiva de su trabajo y su larga trayectoria como artista.  
Desde aquí, Juan José, te deseamos muchísima suerte y éxito en  tu trabajo. Muchas gracias por habernos mostrado y explicado un poco de tu amplio trabajo.
Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)


El artista Carlos Bernal Iglessias


Fotografía perteneciente a la serie Tantra Azul.


Fotografía de la serie Bosque.


Fotografía de la serie 5.


Imagen de la serie Magia


Imagen de la serie Nora.


Imagen de la serie Se repite.

Cuando alguien descubre lo que desea en la vida el Universo entero conspira para que lo consiga. Recordé en enseguida esta famosa frase de Paulo Coelho cuando conocí a Carlos Bernal Iglessias, su obra y su historia. Carlos es una de esas personas privilegiadas que tienen un gran talento, una gran pasión y la fuerza necesaria para aunar ambos elementos. Como resultado ha surgido su obra: inteligente, sutil, inesperada, sorprendente pero sobre todo…hermosa. Porque la naturaleza, el Universo, el Destino…tiene una forma muy característica de marcarnos nuestro camino…

Carlos, a los 21 años comenzaste a trabajar como conductor de Metro de Madrid pero tú tenías muy claro que querías dedicarte profesionalmente a tu gran vocación: la fotografía. Cada minuto libre y una gran parte de tu sueldo iban destinados a realizar tu sueño, ¿cómo recuerdas esos primeros años?


Primeramente aclarar que cuando entré en el Metro de Madrid, aunque era un apasionado de la fotografía, aún no tenía ni idea de a qué quería dedicarme profesionalmente, lo que sí tenía claro es que el trabajo en el Metro iba a ser sólo una etapa y no mi futuro. Una etapa que duró 17 años, y que me dejó muy buenos recuerdos de los amigos y compañeros que tuve allí.
En aquel período, poco a poco fui descubriendo las técnicas de laboratorio por mí mismo. Cuando mis padres se iban a dormir y aprovechando la oscuridad de la noche aprendí a revelar mis primeros carretes fotográficos y mis primeras hojas de contactos, utilizando la luz de la cocina y el reloj de pared como ampliadora improvisada, así que mi primer laboratorio fueron el baño y la cocina de casa, hasta que me independicé y pude tener un cuartito en mi propia casa como laboratorio.
Como medio expresivo siempre me gustó la fotografía artística y de hecho mis comienzos fueron con ella.
Mi primera y única exposición de aquella época fue con 23 años en el restaurante galería “il Caminetto”, en el barrio de Chueca con un éxito inesperado pues ni siquiera puse precio a las obras y hubo gente interesada en comprarme obras…
Un tiempo después me preguntaba insistentemente ¿realmente a qué me gustaría dedicarme profesionalmente?. Al poco tiempo hallé la respuesta.
Una conversación que escuché en una cafetería mientras desayunaba, me abrió los ojos. Por su aspecto parecían 2 directivos y uno le decía al otro: “si el trabajo es un castigo divino, entonces habría que trabajar en lo que más te divierta”.
Yo nunca me planteé ser fotógrafo, para mi la idea entonces era demasiado bonita para ser verdad, pero esa conversación caló muy hondo y decidí que ser fotógrafo… sería mi enfoque en la vida.
Milagrosamente, a la semana siguiente a través de una amiga, me ofrecieron un puesto como ayudante de plató en Day Light.

La vida recompensa a los que se atreven a luchar por lo que quieren, así que tras años de trabajo duro y preparación, entras a trabajar en Day Light de Madrid, ¿qué supone eso en tu carrera?

Aunque mi trabajo en Day Light no era remunerado, yo me sentía un privilegiado por poder aprender de los grandes fotógrafos del momento, nacionales e internacionales, que trabajaban para las revistas de moda mas prestigiosas y productoras de publicidad.
Me llamó la atención que el denominador común era una estricta y milimetrada perfección, en la toma de las imágenes y que los grandes fotógrafos tenían un estilo propio, pues sólo con ver una fotografía sabías quien era el autor. Algo que por otra parte chocaba con mi creatividad, a pesar de ese inconveniente, en ese momento decidí que quería llegar a ser un fotógrafo con estilo propio, aunque el camino por recorrer, suponía, que iba a ser largo y costoso.

Desde entonces has trabajado para agencias que gozan de gran prestigio en los medios como Life, Isasi o Vanity como fotógrafo de moda y actores. ¿Cómo ha sido trabajar en un mundo tan sofisticado y atractivo?

Gracias a la oportunidad de trabajar en Day Light conseguí que las agencias de actores y modelos me abrieran las puertas, como “free lance”, pudiendo en esta etapa formarme haciendo m
is pinitos en moda, utilizando lo aprendido de aquellos grandes fotógrafos. En este trabajo, tenías que subsanar las dificultades del momento con creatividad e intuición. Fueron momentos de mucho trabajo y grandes satisfacciones. Había mucha competencia y errar significaba dejar de trabajar, por este motivo conseguir el nivel de exigencia me parecía un poco estresante.

Cualquiera que se haya puesto alguna vez tras una cámara sabe lo terriblemente difícil que es hacer un retrato. Los tuyos son excelentes, porque logras captar la “esencia” del modelo, algo complicadísimo. ¿Cómo lo consigues?

La experiencia de trabajar con actores me exigió que depurara mi capacidad de observación. Y sobre todo mirar a los ojos pues como bien dicen, los ojos son el espejo del alma. El Actor tiene que creer y vivir la emoción realmente, no vale otra técnica.
Para conseguir lograr la esencia, lo primero que intentaba era crear un ambiente de tranquilidad y entrar en una conexión modelo-fotógrafo. Por tanto lo primero era tener una charla hasta que sentía que estábamos relajados; como segundo paso, tenía que hacer que el modelo perdiese el miedo a la cámara y para ello simulaba que estaba disparando, aunque sin carrete. La sesión real comenzaba cuando sentía que empezaba a darme sus mejores poses. Y como apoyo utilizaba la música, que variaba según la emoción que quería alcanzar.

También te has encargado de campañas publicitarias de marcas con mucha presencia en los medios como Jazztel o Antolín de automóviles ( Mercedes Benz, Ford, Renault, Seat). ¿Cómo es el proceso creativo trabajando con ellos?


A la publicidad no llegué hasta años después, cuando ya había conseguido un estilo propio y tras un parón de unos años de estancamiento en que dejé la fotografía.
La retome porque sentí que con ella puedo expresar el cambio de consciencia que se está produciendo en mi interior.
En publicidad el nivel de exigencia es aún mayor porque se trabaja con tiempos muy cortos en los que hay que sacar el máximo de creatividad con muchísima presión. Pues hay mucho dinero e intereses en juego. Por ejemplo en la campaña de Antolín, estuvimos varios meses trabajando apenas sin dormir.
Pero destacaría sobre todo que el trabajo de un fotógrafo en publicidad, es totalmente diferente a otros, porque no es el dueño de sus fotos, tienes que hacer las fotos de otra persona, tu eres una pieza más de ese engranaje. Lo primero que tienes que hacer es entrar en la psicología del creativo para saber exactamente lo que te ha pedido y luego utilizar tu imaginación para conseguir, a veces de la nada, la imagen que se ajuste perfectamente a la que el creativo tiene en su cabeza.
La imagen idílica que yo tenía de la publicad se fue desvaneciendo… no era lo que yo buscaba.

Hace unos años, hacia 2006, decides retomar la fotografía artística. Es entonces cuando surge tu primera colección Tantra Azul. ¿Cómo surgió?

Tras la experiencias en publicidad, volví a hacerme la pregunta que me hice cuando escuché aquella conversación en la cafetería, hacia ya más de 15 años… y me di cuenta que no era eso lo que yo quería… ya no me divertía con mi trabajo. Recordé que lo que más me gustaba era hacer la fotografía que me atraía, que era la fotografía de arte, porque ahí no tienes ningún estrés, ninguna imposición, ni manipulación de la imagen , por eso ninguna de mis fotografías de arte las retoco porque es mi expresión… mi mundo y lo quiero mostrar tal y como sale de mi cámara fotográfica.
Quería pensar que estaba preparado para la fotografía de arte, ese gran reto que es la fotografía con mayúsculas, el grado sumo de la fotografía y había que abordarlo con mucho respeto.
Me enfoqué en ello y le pedí al Universo la creatividad suficiente para crear algo diferente …
Las casualidades y sincronicidades se empezaron a producir:
a los pocos días me regalaron un mechero linterna de led color azul…me hizo gracia …y se me ocurrió pintar con esa luz a mi amante.
Iluminando la cama, donde ella posaba , forrada con una tela de vestido de novia, con la luz de una vela rosa… que para mi simboliza el amor… abrí el obturador de mi hasselblad H1D …tenia 30 segundos para pintarla con la luz azul y ponía una música que para mi es muy especial… como un ritual artístico-espiritual, pintaba y danzaba mis brazos con la luz, coloreando alrededor de ella dejándome llevar por esa música en un estado de conciencia alterado y salió algo muy especial…supe que ese era el camino para mi gran colección… y así surgió TANTRA AZUL.

Lo que hice a partir de ese momento fue comprar más mecheros con leds de diferentes colores y no forzar nada, porque presentía que con mi solo enfoque irían apareciendo las personas …oportunidades , … las sincronicidades .
Y como así fue, acordaba a la misma hora de la noche con las siguientes 12 mujeres que posaron para la colección y repetía el ritual . Y así se fue formando …como un gran rompecabezas, las piezas que faltaban las puse yo con tres autoretratos.
Esta experiencia fue única pues la verdadera magia se iba produciendo siempre en los momentos mas inesperados y la obra tomo su propio camino y solo me mantuve alerta de las imágenes que surgían y que eran los retratos de los miedos y deseos que rondan el alma.
Para concluir la obra de las 50 fotografías las titulé como si fuesen ideogramas Kanji, expresando conceptos, con mucha intuición y cuidado… un pálpito me dijo que había algo más.
Me sorprendí cuando vislumbré que los títulos de las obras leídos como una gran oración y ordenadas de diferentes maneras como de un alfabeto singular se tratase…formaban diferentes cartas de amor.

A partir de Tantra Azul surgen otras colecciones que nos descubren una mirada totalmente original y fresca. Tu colección “5”, por ejemplo, en la que surgen números en un bosque de árboles cortados es sorprendente. ¿Cómo aparece la inspiración para realizar este tipo de series?

En aquella época había un concurso en PHOTOESPAÑA para fotógrafos noveles , y pedían como requisito hacer una serie de 15 fotografías.
Para buscar inspiración me di un paseo por la naturaleza del bosque de Valsaín, …ya dentro del bosque me dejé llevar por el maravilloso entorno y de repente un cartel con un “5”, que ya sea de paso es , mi numero fetiche, me llamó poderosamente la atención y lo fotografié… seguí andando y me encontré unos arboles cortados , cuando me acerque y vi los anillos iluminados por la luz de la tarde me parecieron muy bellos y decidí hacer unas fotografías de los arboles mas admirables y reveladores .
Cuando llegué por la noche a mi estudio hice una clasificación de las imágenes mas lindas… me sorprendí porque coincidían con el numero que exigía el certamen , y sentí que también era un puzzle que tenia que descifrar y de una manera fluida floreció lo que simboliza un árbol con sus mensajes que me abrumó el corazón.
curiosamente la suma de los números que tienen los arboles suman 5 y 10 …o como yo quiero llamarlo 2 veces 5.
Esto me da que pensar en una inteligencia superior que esta en la naturaleza y en todo lo que nos rodea y que si ponemos cuidado en escucharla….nos habla.

Tus series Nora, Agua y Bosque reflejan un universo mágico y lleno de belleza, un universo que, como tú mismo nos dices “siempre había estado ahí y no habías visto hasta ahora…” ¿Qué ha p
asado para que te hayas hecho consciente de ese maravilloso mundo y hayas decidido mostrárnoslo?

Una serie de acontecimientos personales me llevaron a recluirme en mi estudio durante más de un año; dejé la fotografía y no tenía ilusión por nada, no es que entrase en depresión, eso no, pero sí vivía en una apatía continuada día a día que me guiaba en automático. Durante este tiempo de soledad se produjo el milagro que me enseño a mirar hacia mi interior y así, supe, que aquí vine a hacer algo más que ver pasar la vida y comencé a creer y experimentar mi fuerza interior.
Desde esa época mi escala de valores empezó a cambiar y no paro de dar las gracias por todas las lecciones que tengo.

Carlos, mi serie favorita es Bosque. Creo en la magia y desde luego hay mucha magia en la belleza de esas imágenes. ¿Cuál es la serie de la que te sientes más orgulloso?

Todas y cada una de las fotografías de arte que hago son instantes únicos que me han dado momentos maravillosos y que para mi tienen mucha más profundidad de lo que se ve a simple vista.
Pero me quedaría con 2 colecciones por la contraposición que tienen:
“TANTRA AZUL” por la complejidad de la obra que al fin se realizo en más o menos un año de trabajo y, “SE REPITE”, por todo lo contrario, porque las cosas mas sublimes no tienen que ser tan complejas… ya que el universo se encarga de hacer los cálculos para hacerlas fáciles para nosotros. Creo que “SE REPITE” es la colección más arriesgada, quizá la más difícil de llegar al público en general.

Y por último Carlos, cuéntanos en qué proyectos estás trabajando actualmente y cuándo estará listo.

Estoy organizando mis ideas porque en Navidades del 2011 expondré en una colectiva en Sabadell en el “Taller d’Artista”.
Y en febrero 2012 en Nueva York, participaré en la exhibición titulada “Collectors’Choice” organizada por Amsterdam Whitney Gallery que me representa allí y también, recientemente, he sido invitado a exponer en el Salón de Arte de Francia de 2012.
No llevo un esquema de trabajo lineal, por eso tengo colecciones que aunque he marcado el número de piezas, todavía no están terminadas, será porque me gustan los retos. Hay algunas colecciones en las que considero que aún puedo añadir nuevas imágenes que mejoren la experiencia antes de dar por concluida la serie, por eso estoy trabajando paralelamente en varias, por ejemplo hay una que todavía no ha visto la luz y trata del ambiente que se forma en los museos de arte que siempre me han cautivado, en donde el espectador cobra protagonismo con la obra y se forma una atmósfera muy especial que quiero retratar y realmente no sé cuándo estará lista, porque pienso que la magia no se puede forzar, la gracia se encuentra cuando menos lo esperas.

****

La obra de Carlos Bernal nos transporta a un mundo mágico, lleno de bosques encantados y luces sinuosas donde el Destino nos habla con un lenguaje único y muy especial. Su fotografía nos muestra no sólo una técnica depurada a lo largo de años de estudio y experiencia sino también una mirada clara, limpia y sabia, capaz de encontrar la belleza en los lugares más insospechados y de reflejar la belleza de las almas de sus modelos. Por eso conocerle a él y a su obra ha sido todo un privilegio.

Muchas gracias, Carlos, por haber compartido un poco de tu trabajo y de tu historia con nosotros, desde aquí te deseamos toda la suerte del mundo en tus nuevos proyectos y que tu intuición siga guiando tu trabajo con tanto acierto.

N. Para disfrutar de la obra de Carlos podéis acceder a su web y, a partir de febrero de 2012 en la galería que representa su obra en Nueva York, Amsterdan Whitney,  que ha realizado una excelente crítica de su trabajo.

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)


La artista Sonsoles Shack


Randy


Marlee

Remembering Brandon


The old garden


Julie’s Scottish Castle


Old Books


Té con Blanca


Dibujo Joven Einstein


Lirio a contraluz

A lo largo de la Historia del Arte, los artistas no se han limitado a pintar, esculpir, fotografiar o escribir. Muchos de ellos han hecho mucho más que eso y han puesto su talento y su sensibilidad al servicio de causas que han logrado que la Humanidad avance poco a poco, paso a paso.

Este es el caso de Sonsoles Shack, una artista muy, muy especial, porque además de crear arte, trabaja en la investigación en la lucha contra el cáncer. Su trabajo como científica contribuye al avance en nuestros conocimientos de esta terrible enfermedad y a mejorar la calidad de vida de los pacientes que la sufren. Y no sólo eso, también su obra ha contribuido a este gran proyecto. ¿Quieres conocer un poco más de Sonsoles y de su importante labor? No te pierdas la entrevista que ha tenido la amabilidad de concedernos.

Sonsoles, todo artista tiene un momento en que descubre su talento, ¿cuál fue el tuyo?
Desde pequeña me ha encantado dibujar y pintar. Crecí rodeada de arte y talento. Mi padre es escultor de profesión, y a mi madre también le entusiasman el arte y la pintura. Tendría yo ocho o nueve años de edad, cuando me di cuenta de que los dibujos con ceras me salían bastante bien y las profesoras me dieron muchos ánimos para seguir pintando. Disfrutaba enormemente haciéndolo. Eso y el ejemplo y los consejos de mis padres han sido los mayores incentivos para seguir practicando, y el pintar mucho es esencial para perfeccionar la técnica, encontrar un estilo único y, en general, mejorar como artista. De hecho me alegra el ver que cada vez puedo dedicarme más a la pintura.

Cuándo te decidiste a formarte y a tomar clases de pintura y dibujo, ¿a dónde acudiste? ¿Cómo a aprendiste a “crear”?
Bueno, primero he de admitir una cosa, el arte es mi pasión, pero mi vocación y profesión es la investigación contra el cáncer, en la que he trabajado durante casi 25 años. Cuando vine a vivir a Estados Unidos en 1987, enseguida me metí en la universidad a terminar mi titulo de biología molecular. Fue allí donde acudí a una clase de pintura en el campus, porque me apetecía muchísimo y no había dibujado en años. Después me apunte a alguna clase privada. Podía pintar muy poco porque estaba trabajando y estudiando al mismo tiempo. Ha sido mas recientemente cuando me lancé a experimentar con los óleos y a pintar cuadros en serio. En cuanto al momento en el que aprendí a crear?… Que buena pregunta! Para mi el empezar a crear fue difícil porque soy muy perfeccionista y me daba terror el hacerlo mal. Era más fácil “copiar” un estilo o un cuadro de otro artista, y justificar el hacerlo “solamente como ejercicio” (y así es como copié el Borracho de Velázquez). Al fin pude dedicarme a crear mi propia obra original cuando le perdí el miedo y pude “soltarme”. Mi primera obra realmente original es El lirio a contraluz.

Analizando tu trabajo queda claro que tienes una excelente técnica de dibujo que te permite crear obras de un gran realismo. ¿Es el dibujo la parte más importante para ti en la creación de una obra?
Creo que sí. El dibujar bien es fundamental para pintar bien. Es por así decirlo el esqueleto y la piel de un cuadro. El esqueleto porque un buen dibujo
es la base sobre la que crece y se forma el cuadro; la piel son los detalles finales que deben de estar dibujados con precisión. He tenido mucha suerte porque el dibujo me encanta y he dibujado durante muchos años. El ser perfeccionista también ayuda aunque a veces ¡me atormenta!

Bodegones, retratos, paisajes… tienes una amplia gama temática, algo inusual en los artistas de nuestros días, ¿con cuál de estos temas te sientes más cómoda?
Tienes toda la razón… Hago un poco de todo porque me gusta todo. Pero es interesante el observar que en los últimos años he evolucionado. Los dibujos que ves en mi pagina web los hice primero, luego me atreví con el color, bodegones, paisajes,… y hace dos años intente algo “mas difícil todavía” que fueron los retratos. Ahora puedo decir con certeza que hacer retratos es lo que me gusta más sin comparación. El hacer retratos bien es muy difícil y constituye un gran reto; por eso la satisfacción es aun mayor.

Personalmente me gustan mucho tus paisajes, veo algo inquietante en ellos, algo que me incita a preguntarme dónde está ese lugar, quién vive ahí, qué historia está a punto de comenzar…como si se tratara de una pintura de Edward Hopper. ¿Cómo eliges esos paisajes? ¿Dónde los encuentras?
Es curioso, hace unos días alguien me decía que mis paisajes tienen algo de misterio y poesía. Nunca lo había pensado. Creo que sin proponérmelo conscientemente esa es mi meta. Hasta que no consigo darle ese aire misterioso y poético no dejo de pintar… Un paisaje es mucho mas que un grupo de arboles, y montañas. La belleza y misterio en un paisaje puede ser simplemente la luz, los contrastes, o los colores suaves y fríos en las montañas lejanas,… Si, Hopper era un gran maestro de la luz y del drama en la pintura. Es una gran inspiración. En cuanto a la elección de paisajes, han de ser lugares bellos y evocativos. También procuro salir a sitios interesantes a pintar plein air. Luego en mi estudio puedo retocar y terminar el cuadro usando fotografías.

El retrato es una de las temáticas más difíciles de abordar. Los tuyos poseen un gran realismo y al mismo tiempo, hay algo de irreal en ellos, como si captaras el“alma” del modelo. ¿Cuál es tu objetivo cuando comienzas un retrato?
Si puedo elegir, los modelos que elijo han de tener belleza, no necesariamente en el sentido literal, sino en un sentido artístico. Pasa un poco como con los paisajes supongo… Los protagonistas de los retratos han de ser interesantes y han de tener mucho carácter. Además de sacarles bien el parecido, que es lo que mas me preocupaba antes, ahora veo que también hay que conseguir que transmitan o comuniquen su personalidad o sus sentimientos. Si no, el retrato será simplemente una cara, sin “vida” o carácter. No quiero que salga como una fotografía. Por eso es importante el conocer a la persona retratada. Es difícil de explicar porque cada retrato es un mundo, pero algo ocurre durante la realización de un retrato, un diálogo entre el modelo, el retrato y el artista, durante la cual el retrato casi empieza a cobrar vida. Si no consigo darle personalidad y carácter a un retrato siento que he fallado. Mi meta es el darle ese nivel de profundidad que va mucho más allá del parecido.

¿Tienes alguna obra preferida, una de la que te sienas especialmente orgullosa y por qué?
Tengo dos cuadros preferidos por ahora. Primero, Randy, mi último retrato. Noto que he mejorado muchísimo con Randy, no solo con el parecido, sino con la manera en la que ha quedado su mirada, su expresión, el color y la luz en la cara. Con el he conseguido darle una expresión de alegría, de esperanza… Estoy bastante satisfecha con el. Otro ejemplo es Té con Blanca. Pinte ese bodegón en memoria de una amiga que murió de leucemia hace unos años. A Blanca le encantaban las rosas rojas y esa taza de te siempre me hacia pensar en ella. El año pasado tuvimos una comida para reunir fondos para la investigación contra el cáncer de ovarios. Cuando me invitaron a participar, decidí donar Té con Blanca. El cuadro se subastó y tuvo mucho éxito. Fue un momento de gran satisfacción para mi porque creo que a Blanca le habría gustado. Fue un momento muy emocionante. De hecho, estoy pensando en hacerlo de nuevo con otro cuadro.

Vives en Estados Unidos desde hace 25 años. ¿Qué ha supuesto para ti vivir entre dos culturas?
Si, viví en Maryland durante 16 años y en Arizona durante los últimos 8 años. España es muy distinta, y al principio fue difícil el adaptarme pero ahora me encanta vivir aquí. Me encanta mi trabajo, el estilo de vida y la gente. Pero el dejar a toda mi familia en España ha sido una de las cosas mas difíciles que hecho en mi vida. Cada vez que vuelvo a verles me doy cuenta de todo lo que me estoy perdiendo. Ojalá estuviéramos más cerca.

Y por último cuéntanos ¿En qué proyecto estás trabajando actualmente?
Ahora mismo estoy haciendo otro retrato por encargo, la madre de uno de los científicos de mi instituto. Va a ser su regalo de cumpleaños. Estoy a mitad de camino con este retrato. Va bien por ahora. Tambien estoy disfrutando haciéndolo porque hasta ahora sólo he retratado a niños y adolescentes. Seguramente terminaré este retrato en diciembre, y lo publicaré en mi página web a finales de año.
***

Sonsoles vive muy lejos, al otro lado de un inmenso océano. Eso no ha sido impedimento para que atravesando tantos cientos de miles de kilómetros su calidez y su sencillez me hayan llegado envueltos en los muchos correos que hemos intercambiado para realizar esta entrevista. Sonsoles, ha sido todo un placer colaborar contigo y conocer este maravilloso proyecto en con el que contribuyes cada día a hacer de este mundo un lugar un poco mejor.

Para disfrutar de la obra de Sonsoles Shack no os perdáis su web con todos sus trabajos y novedades.

Sonsoles, desde aquí te mandamos todo nuestro cariño y te deseamos toda la suerte del mundo!

Feliz martes 🙂

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)


El artista Joan Salvadó en su estudio

Lo mejor de tener un blog sobre arte es que una descubre artistas que trabajan en proyectos maravillosos que de otra forma no alcanzaría a conocer. Este es el caso de Joan Salvadó. Lo que primero me llamó la atención de Joan fue su obra, en ocasiones llena de colores fuertes y texturas vibrantes y en otras, delicada e incluso tierna. Joan ha participado en numerosas exposiciones europeas, ha trabajado en varios proyectos nacionales y es el responsable de la ilustración de un libro muy especial. ¿Quieres conocer un poco de la obra de Joan? No te pierdas la entrevista que ha tenido la amabilidad de concedernos a La Página Escondida.

Joan, ¿cuándo y cómo descubriste tu don para la pintura? y ¿cómo lo perfeccionaste hasta llegar a ser artista?

No puedo recordar cuándo empezó. Todos los recuerdos de mi infancia están unidos a la pintura. A los siete u ocho años ya prefría pintar a jugar.
Era tanta mi afición que mis padres pronto me apuntaron a una academia. Iba allí cada tarde al salir de clase, luego, en casa, una vez teminados los deberes, seguía pintando.
A los doce años hice mi primera exposición. Eran pinturas al óleo, indudablemente infantiles. Vendí algunas. Ahora, cuando miró algunos cuadros, su inocencia me hace sonreir.
Seguí yendo a la misma academia de la «Sra. Paquita» hasta terminar COU.
Estudié diseño en IDEP y pintura y escultura en L’Escola Massana de Barcelona. También realicé un curso de Sociología del Arte en la Universidad Pierre Mendes de Grenoble, Francia, y diferentes talleres de instalaciones y arte conceptual en la «Quinzena d’Art Contemporanité de Montesquieu» y en L’École de Beaux-Arts de Grenoble.

¿Quienes han sido tus grandes maestros o principales influencias?

No tengo unos grandes maestros como guías, sí es cierto que, debido a mi gran curiosidad, siempre me ha gustado bucear en los trabajos de artistas que, en diferentes momentos, han llamado mi atención o me han seducido, enamorado e incluso he detestado, y esto siempre deja huellas. Va formándote y no sólo a nivel artístico, también humano. La vida y pensamientos de otras personas anónimas y sin inclinaciones artisticas también han ido modelando mi manera de ver el mundo, mi forma de mirarlo y esto siempre se trasluce en la expresión artística.

A lo largo de tu carrera has viajado y expuesto en muchas ciudades: Barcelona, Grenoble, Montesquieu, Granada, Tarragona, Reus, Girona, Lérida… ¿Qué ha supuesto esto en tu evolución como artista y en tu carrera?

Como mi facildad para pintar es innata, el contacto con otros artistas supuso el descubrimiento de otras formas de expresión: artistas multidisciplinares, bienales internacionales, perfomances, happenings…
Al conocer artistas de primera línea de otras disciplinas me permitió debatir sobre el arte, su influencia social, su veracidad y analizar el proceso creativo desde multitud de opticas diferentes.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración diaria?¿En que te basas para crear tu obra? Cada artista tiene un proceso de creación diferente, ¿cuál es el tuyo?¿sigues algún método o eres más bien impulsivo?

Mis fuentes de inspiración son mi familia, los sueños, la observación de la naturaleza y la gratitud.
Todo ello son las bases que me sustentan a la hora de crear, me dejo llevar por esos sentimientos, lo demás surge solo. Aunque por mis anteriores palabras pueda parecer que pinto de forma impulsiva, no es del todo exacto, es más bien una mezcla de control e impulsividad. El cuadro de alguna manera ya existe en mi mente totalmente terminado antes de coger el primer pincel, pero al plasmarlo la impulsivdad del mmento toma las riendas y lo transforma, lo hace crecer. Al terminar el lienzo es diferente y a la vez sigue siendo el mismo que tenía en mente.

Contemplando tu obra no nos queda duda de que dominas perfectamente técnicas y materiales muy variados: la pintura al óleo, la acuarela, el dibujo a lápiz, el pan de oro… ¿con cuáles te sientes más cómodo?

No hay prferencias. Siempre estoy cómodo durante el proceso creativo. Para mi crear o mejor dicho recrear las imágenes que encuentro en los sueños, supone entrar en un estado especial en donde el tiempo fluye a distinto ritmo, no hay strés, ni preocupación, ni problemas… sólo color, formas y texturas. Como ya he dicho antes, me dejo llevar, utilizo la técnica y el material que siento en cada momento.

Junto con tu esposa habéis hecho realidad un hermoso proyecto, el libro DESDE EL JARDÍN cuyo texto te has encargado de ilustrar. ¿Cómo ha sido el proceso de crear sus imágenes a partir de palabras escritas?

Mi esposa tenía muy claro que imágenes debían integrar su texto; un texto escrito y dibujado para dar respuestas a nuestros tres hijos de 11, 9 y 3 años. Ellos querían saber, saber sobre la muerte, la adopción, el conocimiento, la famiia, la tierra… y el libro fue nuestra manera de darles respuestas sencillas a temas complejos.
Algunas de las imágenes dormían en mis carpetas o estaban colgadas de nuestras paredes, otras surgieron paralelamente al texto que ella escribía sin que mediara palabras entre los dos, simplemente eran. Las menos fueron creadas a partir de sus indicaciones. Como resultado las ilustraciones son diferentes entre ellas, no hay a simple vista un nexo entre ellas, pero encajan a la perfección con el texto. Os invito a disfrutarlo, os invito a dejaros llevar por la unión de palabras y colores hasta ese otro mundo que todos percibimos sin llegar a ver.

¿Cuándo y dónde podremos disfrutar de tus próximas exposiciones?

Durante todo el mes de noviembre estarán expuestas una decena de dibujos a lápiz en Les Franqueses del Vallès, «Centre Cultural Can Font».
Durante todo el mes de Diciempre habrá una exposición de obra mía al óleo y con técnica mixta (óleo, barnices y pan de oro…) en el Patronat de La Garriga.
Estoy pendiente de dos exposiciones colectivas en Sabadell y Granollers para principios de año próximo.
También he matenido conversaciones con una galería del Soho de Nueva York para una individual, pero de momento no hemos podido cuadrar fechas y condiciones.

Y para terminar, ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

Estoy preparando una serie de gran formato de dibujos a lápiz y obras con técnica mixta y óleo en donde plasmar mis últimas sensaciones y vivencias. Cuadros que hablen de la vida, el amor, la gratitud, que muestren que un mundo nuevo, mejor para todos, es posible.

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No sólo su obra destaca por su calidad, el mismo Joan desprende una gran calidad humana que, de alguna forma, se refleja en su trabajo reflexivo, contundente y hermoso. Para disfrutar de su obra podéis visitar este enlace donde, además, podréis estar al tanto de sus nuevas producciones.

Muchísimas gracias, Joan, por tu tiempo, por habernos mostrado tu trabajo y por habernos traído hasta aquí las maravillosas aventuras de Taiku Tao.

Mucha suerte y todo nuestro cariño para ambos 😉

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)

Entrevista a Manuel Maqueda Merino

17 septiembre, 2011 | Artistas, Entrevistas | No hay comentarios


Manuel Maqueda en su estudio.


La fuente de la juventud. 0.40 X 0.50 cm.
Tinta y pigmentos sobre papel. 2011

Comienza el nuevo curso y con él retomamos nuestras entrevistas a profesionales del mundo del Arte.

En esta ocasión tenemos con nosotros a Manuel Maqueda Merino, un artista que me sorprendió desde que conocí su trabajo por la fuerza que transmiten sus imágenes y por la originalidad de sus temas, y que además es profesor de caligrafía china en Casa Asia, una faceta igual de fascinante.

Cuéntanos Manuel, ¿a qué te dedicas?

Principalmente a la pintura aunque resulte difícil vender. La situación actual del mercado del arte es confusa y distorsionada, debido a la servidumbre hacia el poder económico de los que lo manejan y a la falta de una ley de mecenazgo.
Mi posición es periférica a las instituciones y galerías de arte, y eso me obliga a vender lo que hago directamente. Afortunadamente desde mis inicios en los años 70 me dediqué al diseño e interiorismo, a dibujar y diseñar arquitectura, y eso me ha permitido llegar hasta aquí.
He valorado más la vida artística que el propio Arte. Durante un prolongado tiempo estuve retirado en el campo, prescindiendo de cualquier tipo de lujo . Una forma de vida que sigo manteniendo.
Como diseñador he participado en proyectos de cierta relevancia como el de la Expo,92 de Sevilla, que me ha proporcionado tranquilidad en algunos momentos para poder continuar pintando.
El resultado es que acumulo una gran cantidad de obra (sobre 10.000 pinturas) habiéndome movido en todos los «estilos» con plena libertad.

¿Cuándo descubriste tu vocación como artista?

No fue un descubrimiento. Desde niño he gozado de una gran facilidad para dibujar lo que quería sin esforzarme. Mi madre escribía poesía y tenía una gran sensibilidad desarrollada hacia el arte, y fue mi precursora. En mi infancia tuve graves problemas como estudiante y lo único que me salvaba era el dibujo. La pintura fue tirando de mí marcándome el camino. Así que no fue una elección.
Es una forma de vida muy dura y no acabo de comprender por qué hay tanta gente empecinada en ser «artista». Alguna satisfacción me ha dado poseer esta virtud pero hoy después de más de 40 años dedicado a esto, sigo sin ver la compensación. La falta de seguridad económica, el pánico a la indigencia y la falta de comprensión me han acompañado siempre. Es otra forma de vida a la que tienes que acostumbrarte; o la aceptas o pereces. No hay salida ni vuelta atrás.

¿Dónde te has formado?

Oficialmente en las Escuelas de Artes y Oficios de Madrid y Cádiz entre 1969 y 1975, pero mi verdadera formación ha sido el estudio de los grandes maestros. Copiando al principio, interpretando después. No hay límite en la formación. Hoy sigo descubriendo obras de arte que no se conocen oficialmente. El mundo de la pintura está condicionado por lo que los «expertos» nos muestran como válido. Esto da como resultado, que una infinidad de obras de todos los tiempos y culturas que son verdadera fuente de inspiración y de conocimiento, estén condenadas al anonimato.

Además de tu labor artística también impartes cursos sobre caligrafía china en Casa Asia, ¿cómo entraste en contacto con este arte milenario y qué influencia ha tenido en tu obra?

Todo empezó hace ya 15 años aprendiendo Tai Chi, de ahí pasé a estudiar el pensamiento Chino antiguo y su forma de expresarse a través de la pintura y la caligrafía. Fue como abrir una puerta y encontrar otro mundo totalmente desconocido e inexplorado. Durante 10 años he trabajado exclusivamente con pinceles chinos, papel de arroz y tinta. De toda su inmensa riqueza me he centrado en la dinastía Sung correspondiente al año mil de nuestra era y más concretamente en La Escuela de Trazo Libre que es equiparable a nuestro Renacimiento, iniciado 400 años después. Esta práctica me ha permitido «entender» la pincelada de El Bosco, El Greco o Goya, ya que muchas veces usaban los pinceles como los chinos de aquel tiempo. Desde hace 4 años he «vuelto» a Occidente aplicando el nuevo conocimiento y los resultados no dejan de sorprenderme. Nunca antes he estado tan seguro de mi pintura.

¿Qué es lo que más valoras de tu trabajo?

La espontaneidad a partir de la observación y la comprensión.

¿En qué estás trabajando actualmente y cuál es tu próximo proyecto?

Estoy terminando una serie que interpreta una pintura de Lucas Cranach llamada «La fuente de la juventud». Es un tema que sigue vigente y que representa a un grupo de mujeres de edad avanzada que se bañan en una fuente de aguas milagrosas que las vuelve jóvenes. Simultáneamente, trabajo en otras series que aún no están cerradas. Desde Octubre hasta Enero, hay ya programados unos nuevos cursos en Casa Asia en los que enseño las técnicas pictóricas chinas y muestro la gran influencia que han tenido en el arte occidental desde el S. XVIII hasta nuestros días.

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Muchas gracias, Manuel, por haber compartido con nosotros un poco de tu trabajo y por acercarnos algo más a la figura del artista, al fin y al cabo el Arte simplemente no existiría sin vuestro talento. Desde aquí te deseamos mucha suerte con tus nuevos proyectos para que podamos seguir disfrutando de tu obra.

N. El trabajo de Manuel Maqueda ha sido para mí una gran sorpresa, hacía tiempo que no me encontraba con artistas contemporáneos que reinterpretaran a los clásicos y que además lo hicieran marcando con fuerza su propio estilo. Podéis conocer su obra más a fondo aquí. Y aquí podéis acceder a sus cursos de caligrafía china.

Información proporcionada por el Blog de Ana Trigo (www.anatrigo.es)